Author Archives: gisela

Yo Soy Alma

I am Alma

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:12:00 / 16:9 / 25 fps / PAL / COLOR / 5.1 / Argentina / Documentary Feature / LGBT, Queer, Gender, Family, Portrait, Identity

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Before making the decision to change her gender, Alma served in the armed forces; she married twice and had four children. After several years, she returns to her childhood home.

Antes de tomar la decisión de cambiar su género, Alma sirvió en las fuerzas policiales de su provincia, se casó dos veces y tuvo cuatro hijos. Luego de varios años, regresa al hogar de su infancia.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARIANA MANUELA BELLONE

http://marianamanuelabellone.com/

Photographer and documentary filmmaker. She works in the direction, camera, and montage of her films. Her work addresses issues such as identity, and body, using the family album as a trigger. In 2018, she premiered her first co-directed feature film “Un Tigre Arriba de la mesa”, at the Chilean Documentary Festival FIDOCS and toured festivals in Ecuador, Chile, and Argentina. In 2022 she finished her second feature film “Yo soy Alma”.

Fotógrafa y cineasta documental. Trabaja en la dirección, cámara, y montaje de sus películas. Coordina CONTAR NUESTRA HISTORIA, taller de desarrollo de proyectos documentales dirigido a mujeres cis, lesbianas, trans e identidades no binaries. En el año 2018 estrenó su primer largometraje co-dirigido “Un tigre arriba de la mesa”, en el Festival de Cine Documental de Chile FIDOCS y recorrió festivales de Ecuador, Chile y Argentina. En 2022 finalizó su segundo largometraje documental “Yo soy Alma” que tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional LGBTIQ+ AMOR en Chile, en donde obtuvo una mención especial.

Filmography:

Un tigre arriba de la mesa (2018) Documental

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Antes de ser una película, Yo soy Alma comenzó como un ensayo fotográfico documental que mezclaba el archivo personal de Alma, su cotidianidad en el presente y la puesta en escena a través de algunos retratos que hicimos en varias oportunidades y encuentros. Con el tiempo fueron sumándose más elementos, como archivos en VHS de sus épocas en las fuerzas de seguridad, sus canciones, y una conversación que hemos grabado y que ha sido estructura principal de la película.

  • Overview / Ficha técnica:

Director / Director: Mariana Manuela Bellone

Script / Guión:             Mariana Manuela Bellone   

Production / Producción: María Fernández Aramburu  

DoF & Camera / DF y Cámara: Mariana Manuela Bellone

Film Editor / Montaje: Mariana Manuela Bellone

Sound design / Diseño de sonido: Luciana Foglio

Original Music / Música Original: Alma Catira Sánchez

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 7 Amor LGBT+ International Film Festival (Special Mention); 06/2022; Chile

– 9 Asterisco, International LGBT Film Festival (Best Film); 10/2022; Argentina

– 16 FOR RAINBOW Festival of Cinema & Culture of Sexual & Gender Diversity; 12/2022; Brazil

LABs: FICViña; 2021; Chile

  • Links:

Trailer English Subtitles: https://vimeo.com/712908160  

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  • Contact / Contacto:

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Las Flores

The Flowers / Die Blumen

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:16:09 / 16:9  / COLOR / Dolby Digital / cell phone / 25 fps / PAL / Germany-Argentina / documentary short film: social issues, labour, migration

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

The electronic eyes of their cell phones observe the three protagonists on their journey to an industrial flower farm during Germany’s first lockdown. Between selfies and ephemeral voice messages glimpses of the disillusioning destiny of a youth who migrated to Europe in search of a different future.

Con la irrupción de la pandemia, tres jóvenes migrantes dejan Berlín en busca de trabajo en una fábrica de flores en la frontera con Holanda. Entre selfies y mensajes de voz, se entrevé el destino amargo de una juventud que migró a Europa en busca de un futuro distinto.

Die elektronischen Augen ihrer Handys beobachten die Protagonist*innen auf ihrer Reise zu einer industriellen Blumenfabrik während Deutschlands erstem Lockdown. Zwischen Selfies und flüchtigen Sprachnachrichten zeichnet sich das desillusionierende Schicksal einer Jugend ab, die auf der Suche nach einer anderen Zukunft nach Europa migriert ist.

  • Synopsis / Sinopsis:

With the outbreak of the pandemic in Germany, the lives of a group of young migrants are diametrically modified. Being left without work possibilities in Berlin´s first Lockdown they make their way to work at an industrial flower farm where they live together in a container. The electronic eye of their cell phones observes them moving through a new hostile work environment, crossing paths with other migrants, creating friendships, and getting lost. Between selfies and ephemeral voice messages glimpses of the disillusioning destiny of a youth who migrated to Europe in search of a different future.

Con el estallido de la pandemia en Alemania, la vida de un grupo de jóvenes inmigrantes se modifica diametralmente. Al quedarse sin posibilidades de trabajo en el primer lockdown de Berlín, se dirigen a trabajar a una granja industrial de flores donde conviven en un contenedor. El ojo electrónico de sus teléfonos móviles les observa moverse por un nuevo entorno laboral hostil, cruzándose con otros migrantes, creando amistades y perdiéndose. Entre selfies y efímeros mensajes de voz se vislumbra el destino desilusionante de una juventud que emigró a Europa en busca de un futuro diferente.

Mit dem Ausbruch der Pandemie ändert sich das Leben einer Gruppe von jungen Migrant*innen schlagartig. Ohne Arbeitsmöglichkeiten in Berlins erstem Lockdown suchen sie Arbeit in einer industriellen Blumenfabrik. Das elektronische Auge ihrer Handys beobachtet sie in ihrer neuen, feindseligen Arbeitsumgebung: wie sich ihre Wege mit anderen Migrant*innen kreuzen, sie Freundschaften schließen und sich verirren. Zwischen Selfies und flüchtigen Sprachnachrichten zeichnet sich das desillusionierende Schicksal einer Jugend ab, die auf der Suche nach einer besseren Zukunft nach Europa migriert ist.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

TIN WILKE

https://tinwilke.xyz

Tin Wilke is an interdisciplinary artist, filmmaker, and activist from East Berlin who works on the intersection of digital and analog material within installations, stages, virtual reality, video art, and experimental film forms. Tin studied Art and Media at the University of the Arts Berlin and has a master’s degree in Theatre with New Media and Interactivity from University UNA Buenos Aires.

Tin Wilke es artista interdisciplinar, cineasta y activista de Berlín Oriental que trabaja en la intersección de material digital y analógico en instalaciones, escenarios, realidad virtual, videoarte y formas de cine experimental. Tin estudió Arte y Medios en la Universidad de las Artes de Berlín y tiene un máster en Teatro con Nuevos Medios e Interactividad en la Universidad UNA.

MIGUEL GOYA

http://bucovinacine.com

Miguel Goya is an Argentine film director and editor. He has worked as an editor on many short and feature films that premiered internationally. Casa Morena (2015) was his first feature film as a director. Since 2019, he has been based in Berlin.

Miguel Goya es un cineasta y montajista argentino. Ha trabajado como editor en muchos cortos y largometrajes que se estrenaron internacionalmente. Casa Morena (2015) fue su primer largometraje como director. Desde 2019 reside en Berlín.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Both filmmakers met in 2019 in Berlin while working on the post-production of the full-length documentary RePresente – the future is ours. As a result of that great collaborative experience, they decided to work on innovative film formats that connect relevant social topics with contemporary aesthetics. When the German Government was flying in 40000 seasonal workers from Eastern Europe across the closed borders during Lockdown and at the same time various young Argentinian migrants planned to leave Berlin in order to work on an industrial flower farm, they decided to make a film about the complex conditions of migrants in Germany. As the pandemic situation didn´t permit traveling and shooting they relied completely on the personal film and sound material from the protagonists’ cell phones, which allowed the two filmmakers to work on a very personal level on this socially relevant topic, trying out new strategies of narrating. The editing process took place in close cooperation with the protagonists, which reinforces the film’s authenticity.

Ambos cineastas se conocieron en 2019 en Berlín mientras trabajaban en la postproducción del largometraje documental RePresente – el futuro es nuestro. Como resultado de esa gran experiencia de colaboración, decidieron trabajar en formatos cinematográficos innovadores que conectan temas sociales relevantes con la estética contemporánea. Cuando el Gobierno alemán hacía pasar por las fronteras cerradas a 40.000 temporeros de Europa del Este durante el Lockdown y al mismo tiempo varios jóvenes migrantes argentinos planeaban abandonar Berlín para trabajar en una granja industrial de flores, decidieron hacer una película sobre las complejas condiciones de los migrantes en Alemania. Como la situación de la pandemia no permitía viajar y rodar, se basaron completamente en el material fílmico y sonoro personal de los teléfonos móviles de los protagonistas, lo que permitió a los dos cineastas trabajar a un nivel muy personal sobre este tema socialmente relevante, probando nuevas estrategias de narración. El proceso de montaje se realizó en estrecha colaboración con los protagonistas, lo que refuerza la autenticidad de la película.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Tin Wilke, Miguel Goya

Producer / Productor: Tin Wilke, Miguel Goya

Director / Director: Tin Wilke, Miguel Goya

Camera / Cámara: Victoria Ciccone, Rodrigo González, Martin Pla

Film Editor / Montaje: Tin Wilke, Miguel Goya

Sound design / Diseño de sonido: Ariel Schlichter

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 68 Oberhausen Int Short Film Festival; 04/2022; Germany

– 39 Kassel Documentary Film and Video Festival; 11/2022; Germany

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/736221098

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Il Macho

The Male

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:18:54 / 1.90:1 / Color / Sound: 5.1 / PAL / Red Epic-W Helium 8K / 24 FPS / Student Film / Narrative Short Film: portrait, dramedy, parody, gender, family / Argentina

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Hugo is a childish 30 years old. His Father forces him to grow up, to be a man. Hugo didn’t see that coming, so he asked destiny for help. Someone or something out there hears it and Gianco makes his entrance. Gianco is an Italian, selfish man, lover of the look before anything else. He will teach Hugo the ways to be a «real man».

Hugo, un adulto aniñado de 30 años, es obligado por su padre a convertirse en hombre. Hugo, sorprendido, pide una ayuda del destino. Así aparece Gianco, un italiano poco sensible, amador del dinero y las apariencias. Él guiará a Hugo a convertirse en un «Hombre de verdad».

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

LEMUEL RIGHI

https://vimeo.com/user116687228

Lemuel Righi is a 26 year old director from Buenos Aires, Argentina. He has three short films and is currently developing two feature films with the producer Ramiro Pasini at Noctua Production Company. Also, He is finishing his degree in Film Direction at the «Universidad del cine» in Buenos Aires, Argentina.

Lemuel Righi es un director de cine de 26 años. Vive en Quilmes, Buenos Aires, Argentina. Actualmente tiene tres cortometrajes como director y se encuentra en el desarrollo de dos largometrajes con la productora Noctua y el productor Ramiro Pasini. Además está cursando su último año en la carrera de Dirección Cinematográfica de la Universidad del Cine en Buenos Aires.

  • Director´s Statement / Declaraciones del Director:

La comparación es la principal causa de muerte entre los hombres. Muerte a su vida interior, muerte a su sensibilidad y muerte a su capacidad más pura de amar. Los hombres pasan una vida entera tratando de ser alguien que no son, conseguir lo que no tienen y correr tras una zanahoria que nunca llega. La vida del personaje principal, Huguito, es una representación gráfica a la pregunta ¿doy a la medida? Es por eso que, il Macho, es un relato que busca hondar en el interior de la esencia masculina. Tratando de desenmascarar aquellas cosas que nos hacen perder el foco de lo importante, ser un hombre pleno, libre y sensible ante el mundo que nos rodea.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Lemuel Righi

Producer / Producción: Lemuel Righi, Nicolás Manguel, Gustavo Martini

Executive Producer / Productor Ejecutivo: Gustavo Martini

Production Manager / Jefe de Producción: Nicolás Manguel

Production Assistant / Asistente de Producción: Florencia Romanella

Director / Director: Lemuel Righi

Director Assistant / Asistente de Dirección: Octavio La Caria

DoP / Dirección de Fotografía: Santiago Videla

Art Director: Tamara Rodríguez

Ilustrations / Artwork: Manu Encinas

Sound / Sonido Directo: Joaquín Fornes

Film Editor / Montaje: Nicolás Manguel

Sound design / Diseño de sonido: Julián Reyes, Juan Cruz Rospide

Original Music / Música Original: Ruben Czayka, Jonathan Valdéz

Cast / Elenco: Alejandro Segovia, Gianco Romero, Juan Serafini, Donatella Righi, Ruth Pizzi

  • Festivals & Awards / Festivales y Premios:
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Barrio Modelo

Model Neighborhood

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:04:00 / ratio 2.35:1 (2048×858) / Color, B&W / Sound 5.1 / HD / 24 FPS / NTSC / Argentina / documentary film: portrait, women, social issues

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

In 1968 my aunt abandoned her bourgeois life to write a detailed narration of a social housing created by the socialist cooperative El Hogar Obrero. Her novel Barrio Modelo, more than a text about being a cooperative member, is a personal account of someone who decides to make writing the center of her life.

En 1968 mi tía abandona su vida burguesa para escribir una narración acerca del barrio de monoblocks de la cooperativa socialista El Hogar Obrero. Su novela Barrio Modelo, más que un texto sobre el ser cooperativista, es un relato personal sobre quien decide hacer de la escritura el centro de su vida.

  • Synopsis / Sinopsis:

In 1968 Silvia Villafañe abandoned her bourgeois life to write a detailed narration of a social housing created by the socialist cooperative El Hogar Obrero. Her novel Barrio Modelo, more than a text about being a cooperative member, is a personal account of someone who decides to make writing the center of her life. A chronicle of frustrated expectations, the complexity of motherhood, and the vital driving force that makes her search for who she really wants to be.

En 1968 Silvia Villafañe abandona su vida burguesa para escribir una narración detallada acerca del barrio de monoblocks creado por la cooperativa El Hogar Obrero. Su novela Barrio Modelo, más que un texto sobre el ser cooperativista, es un relato personal sobre quien decide hacer de la escritura el centro de su vida. Una crónica sobre las expectativas frustradas, la complejidad de la maternidad y el motor vital que la hace buscar transformarse en quien realmente quiere ser.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARA PESCIO

Mara Pescio is a screenwriter and film director. In cinema, she worked as a writer with directors Diego Lerman, Paula Hernández, Pablo Fendrik, Lucía Cedrón, Martín Rodríguez Redondo, and Juan Minujín. Her opera prima “This Weekend” has its premiere in the New Directors section of the San Sebastian International Film Festival.

Mara Pescio es guionista y realizadora. En cine escribió junto a Diego Lerman, Paula Hernández, Pablo Fendrik, Lucía Cedrón, Martín Rodríguez Redondo y Juan Minujín. Su ópera prima “Ese Fin de Semana” se estrenó en la Sección Nuevos Directores del Festival Internacional de Cine de San Sebastián en 2021.

Filmography / Filmografía:

“De vuelta”: 2015, 10 min., Narrative Short Film

“Ese fin de semana”: 2021, 69 min., First Film

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This story is the continuation of my aunt’s unfinished novel about a cooperative building in the sixties. Even though at first I wanted to highlight and showcase our family literature, in time the documentary became an investigation into the identity of a woman I remember nothing about. Now, more than half a century later, I meet the characters of her novel, hoping to close a circle or expand it in an unfinished spiral.

Esta historia es la continuación de la novela inconclusa escrita por mi tía acerca de un edificio cooperativista de los años sesenta. Aunque al principio hubo un deseo de legitimar, de poner en valor la literatura familiar, con el transcurrir del tiempo hubo una búsqueda destinada a descubrir quién era esa mujer de la que no recuerdo nada. Ahora, más medio siglo después, me reencuentro con los personajes de su novela esperando cerrar un círculo y no hago más que expandirla en un espiral inconcluso.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Mara Pescio

Producer / Productor: Martín Rodríguez Redondo

Director / Director: Mara Pescio

DoP / Dirección de Fotografía: Inés Duacastella, Armin Marchesini Weihmüller

Film Editor / Montaje: Andrés Pepe Estrada, Florencia Gómez García, Miguel De Zuviría

Sound design / Diseño de sonido: Andrés Perugini

Original Music / Música Original: Andrés Pepe Estrada

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 37 Mar del Plata International Film Festival; 11/2022; Argentina

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Verano

Summer

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:22:00 / ratio 1:1 / COLOR / 5.1 / Sony FX3 / 24 FPS / NTSC / Guadalajara, México / Narrative Short Film: LGBT+, relationship

  • Logline:

Night, speed, and adrenaline. A wild world and the longing for someone who will never love you back.

La noche, la velocidad y la adrenalina. Un mundo salvaje y el anhelo de alguien que nunca te amará de vuelta.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

JAIME is a young baker who rides through the city on his old motorcycle every day to make money. His life changes when he meets VERANO, an escort who works in the streets of downtown Guadalajara.

JAIME es un joven panadero que recorre la ciudad en su vieja motocicleta todos los días para ganar dinero. Su vida cambia cuando conoce a VERANO, un escort que trabaja en las calles del centro de Guadalajara. Los dos sienten una extraña atracción en medio de la noche, la velocidad y la adrenalina de un mundo violento y salvaje.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

RAFAEL RUIZ ESPEJO

A beneficiary of FONCA 2012-2013 y 2019-2020. Winner of IMCINE (Short Film Production Fund) and FOCINE 2022 (Promotion of Mexican Cinema) for his first feature film (co-produced by Gael García Bernal and Diego Luna). Nominated for “Best Narrative Short Film” at the Ariel Awards 2022.

Beneficiario del FONCA 2012-2013 y 2019-2020. Ganador del Apoyo a la Producción de Cortometraje del IMCINE, y el FOCINE 2022 para su ópera prima (co-producida por Gael García Bernal y Diego Luna). Nominado a “mejor cortometraje ficción” en los premios Ariel 2022.

LUIS PACHECO

Director and producer from Jalisco. His second Short Film WINTER was nominated for “Best Narrative Short Film” at the 2022 Ariel Awards.

Director y productor jalisciense. Su segundo cortometraje INVIERNO, fue nominado a “mejor cortometraje de ficción” en los Premios Ariel 2022.

  • Director’s Statement / Declaraciones de los Directores:

This is the third short film in the “seasons of the year” series. We portray queer characters with human conflicts beyond their sexual preference. In this short film, we explore the different corners of masculinity, impulsiveness, and violence, between two characters who desire each other in a harsh world where it is not possible to accept it. “Summer” is a formal exercise in which we explore with a minimalist narrative. We wanted to tell the story in as few shots as possible. Dramaturgically it is also minimalist, we keep the story just with the actions and gestures of the characters, and we avoid all explanations and justifications.

Este es el tercer cortometraje de la serie de las estaciones del año, en las que retratamos personajes queer con conflictos humanos más allá de su preferencia sexual. En este corto exploramos los diferentes rincones de la masculinidad, la impulsividad y violencia, entre dos personajes que se desean en un mundo áspero donde no es posible aceptarlo. “Verano” es un ejercicio formal en el que exploramos con una narrativa minimalista. Queríamos contar la historia en la menor cantidad de planos posible. Dramatúrgicamente también es minimalista, mantenemos la historia con la mayor economía en las acciones y los gestos de los personajes, y evitamos todas las explicaciones y justificaciones. 

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Rafael Ruiz Espejo, Luis Pacheco

Producer / Productor: Rafael Ruiz Espejo

Director / Director: Rafael Ruiz Espejo, Luis Pacheco

DoP / Dirección de Fotografía: Bruno Herrera

Production Designer / Dirección de Arte: Erick Salamanca

Film Editor / Montaje: Nancy Cruz Orozco

Sound design / Diseño de sonido: Alejandro Camarena López

Cast: Jaime Bernache, Erick Aceves

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 20 FICM, Morelia Film Festival (Special Mention); 10/2022; Mexico

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Unless we dance

A Menos Que Bailemos

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:14:34 / ratio 2.35:1 / COLOR / Cámara Sony A7s3 / 24 FPS / NTSC / Quibdó, Colombia / Documentary Short Film: Social Issues, Dance, LGBT+, protest, redemption, rescue, resilience

  • Tagline:

Everything is darkness… unless we dance.

Todo es oscuridad… a menos que bailemos.

  • Logline:

Bonays, Colacho, Mafalda, and Rihanna cling to dance to confront the structural violence that exists in Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia.

Bonays, Colacho, Mafalda y Rihanna se aferran a la danza para enfrentar la violencia estructural que se vive en Quibdó, una ciudad con los más altos índices de homicidios en Colombia.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

In Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia, Jonathan and hundreds of young people come together through dance to face the brutal fate of violence. UNLESS WE DANCE is a tribute to their act of resilience and to all the lives that have been lost along the way.

En Quibdó, una ciudad con los más altos índices de homicidios en Colombia, Jonathan y cientos de jóvenes se unen a través del baile para enfrentar el brutal destino de la violencia. UNLESS WE DANCE es un homenaje a su grito de resiliencia y a todas las vidas que se han perdido en el camino.

  • Synopsis / Sinopsis:

Jonathan (Bonays), an Afro dance teacher, undertakes an initiative to rescue young people from the crime that stalks Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia. This is how Black Boys Chocó emerged, a dance company where hundreds of young people face brutal destinies through a passion. UNLESS WE DANCE portrays union and dance as the greatest expression of shielding the Afro people, it is a tribute to their act of resilience and to all the lives that have been lost along the way.

Jonathan (Bonays), un profesor de danza Afro emprende una iniciativa para rescatar jóvenes de la delincuencia que acecha a Quibdó, una ciudad con los más altos índices de homicidios en Colombia. Así surge Black Boys Chocó, compañía de baile donde cientos de jóvenes enfrentan brutales destinos a través de una pasión. UNLESS WE DANCE retrata la unión y el baile como mayor expresión de blindaje del pueblo afro, es un homenaje a su grito de resiliencia y a todas las vidas que se han perdido en el camino.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

HANZ RIPPE GABRIEL

Film director and cinematographer. As co-founder of Páramo Films, he is dedicated to the production of documentaries in Latin America, highlighting the realities and social, cultural, and humanitarian issues of the region.

Es director cine y director de fotografía. Como co-fundador de Páramo Films está dedicado a la producción de documentales latinoamericanos, destacando las realidades y problemáticas sociales, culturales y humanitarios de la región.

FERNANDA PINEDA PALENCIA

Graduated from the Cinematographic Research Center, Argentina. She is a photographer, director, producer, and Co-director of Páramo Films. With more than 8 years of experience in documentary, she has approached indigenous, Afro, and rural communities, telling stories in the context of the Colombian conflict and post-conflict.

Egresada del Centro de Investigación Cinematográfica, Argentina. Es fotógrafa, directora, productora audiovisual y Codirectora de Páramo Films. Con más de 8 años de experiencia en documental. Se ha acercado a comunidades indígenas, afro y campesinas, contando historias en contexto del conflicto y posconflicto colombiano.

  • Director’s Statement / Declaraciones de la Directora:
  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Hanz Rippe Gabriele, Fernanda Pineda Palencia, Daniel Alberto Sánchez

Producer / Productor: Fernanda Pineda Palencia

Director / Director: Hanz Rippe Gabriele, Fernanda Pineda Palencia

DoP / Dirección de Fotografía: Hanz Rippe Gabriele

Camera / Cámara: Hanz Rippe Gabriele, Juan Sebastián Rincón

Production Designer & Wardrobe / Dirección de Arte y Vestuario: Daniela Rivano

Film Editor / Montaje: Juan Sebastián Rincón

Sound design / Diseño de sonido: Ángel Alonso Sarmiento

Original Music / Música Original: Colacho Exótico, Ricardo Gallo

Cast: Bonays, Colacho, Rhianna, Mafalda 

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Web: https://www.behance.net/gallery/145757199/UNLESS-WE-DANCE

Trailer: https://vimeo.com/paramofilms/unlesswedancetrailer

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Gisela Chicolino

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Strass

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) – 00:07:38 – Animation Short Film – Graduation Thesis – LGBT, fantastic, psychological – Buenos Aires, Argentina – Color – 2K – 24 FPS – PAL – Stereo – 1.90:1 – 2D Cell Animation

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

One night Tomás and his boyfriend Piter hide in the bathroom of a run-down bar after being attacked on the street. Locked there they feel safe but the tranquility is soon interrupted by a mysterious shadow that Tomás must face.

Una noche Tomás y su novio Piter se esconden en el baño de un bar de mala muerte luego de ser atacados en la calle. Encerrados creen estar seguros pero la tranquilidad pronto se verá interrumpida por una sombra misteriosa a la que Tomás deberá enfrentarse.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JULIÁN LASSA ORTIZ

Animation Director (Buenos Aires, Argentina, 1998). He’s been interested in the arts since his childhood, doing theater, analog photography, drawing, and painting. He then would study Animation Production and Direction. In 2019 he participated in the International Laboratory for animated projects APA LAB, with his graduation thesis project «Strass». «Strass» is his first short film as a director. His work includes illustration, animation, direction, and production.

Director y Animador (Buenos Aires, Argentina, 1998). Desde niño se interesa en las artes, haciendo teatro, fotografía analógica, dibujo y pintura. Luego estudiará Cine de Animación. En 2019 participó del Laboratorio Internacional de Proyectos Animados APA LAB con su tesis de graduación “Strass”. “Strass» es su primer cortometraje como director. Su trabajo incluye ilustración, animación, dirección y producción.

  • Director’s Statement:

STRASS is born from the idea of “falling apart to assemble oneself for the first time”, of getting rid of the things that make us, but are not ours, and starting to build ourselves, slowly and for the first time. The short film alludes to tenderness, to look for and build our circles where we can give in to vulnerability. A place where we are allowed to make mistakes and can make the long and confusing process of knowing ourselves better. STRASS was a place of learning as a director but also in other aspects of my life. The biggest challenge was making it during the pandemic. In addition to the fact that it was my first film as a director, there were the production and personal challenges of the pandemic. Despite these complications, I am incredibly happy with the process and all the people that the project allowed me to meet.

SRASS nace de la idea de “romperse para armarse por primera vez”, de deshacerse de las cosas que nos construyen, pero que no nos son propias, y  así comenzar a armarse uno mismo, lentamente y por primera vez. El cortometraje busca ante todo aludir a la ternura, a buscar y construir nuestros círculos donde podamos entregarnos a la vulnerabilidad. Un lugar donde se nos permita equivocarnos y podamos hacer el proceso largo y confuso de conocernos mejor. STRASS fue un espacio de aprendizaje tanto como director como en otros aspectos de mi vida. El desafío más grande fue realizarlo durante la pandemia. Al hecho de ser mi primera obra como director, se sumaron los desafíos de producción y personales propios de la pandemia. A pesar de esto, estoy increíblemente contento con el proceso y toda la gente que el proyecto me permitió conocer.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Julián Nicolás Lassa Ortiz

Director / Director: Julián Nicolás Lassa Ortiz

Production / Producción: Julián Lassa Ortiz, Ailin Estrella Bustamante

Animation / Animación: Daniel Avalo, Santiago Vilanova, Florencia Ponticelli, Azul Laranga, José Tiranti, Santiago Pérez, Agustín Ludueña, Julián Lassa Ortiz

Art Director / Director de Arte: Daniela Barela

Storyboard: Santiago Vilanova, Flor Barranuz, Julián Lassa Ortiz

Animatic: Julián Lassa Ortiz

Editing / Montaje: Julián Lassa Ortiz

Sound Design / Diseño de Sonido: Joaquín Pesce

Original Music / Música Original: Julián Príncipe, Jota Pexi

Voices / Voces: Ramiro Arsanto, Gregorio Castro

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
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La hija de la azafata

The stewardess’ daughter

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:09:00 / ratio 4:3 / COLOR / SOUND 5.1 / 16 mm / 24 FPS / NTSC / Argentina / documentary short film: found footage

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

While working on a commissioned film, the director pictures her mother in an advertising film archive. This image forces her to think about who her mother was, or rather, who was that woman before becoming her mother. To understand, sometimes it is better to look at things from a certain distance.

Mientras trabaja sobre un archivo de cine publicitario la directora cree ver a su madre. Este encuentro fantasmático la obliga a pensar en quién fue su mamá, o más bien, quién fue esa mujer antes de ser su mamá. Para comprender, a veces, es mejor mirar las cosas con cierta distancia.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

SOFÍA BRIHET

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Sofía Brihet was born in Buenos Aires in 1990. She is an actress, teacher, and director. She has a degree in arts from the University of Buenos Aires and completed the Cinema Program at Torcuato Di Tella University. She directed the short films “The stewardess’ daughter”, “The nests” (36th MDQ Film Fest), and “The actors”.

Sofía Brihet nació en Buenos Aires en 1990. Es actriz, docente y directora. Realizó la Licenciatura en Artes en la Universidad de Buenos Aires y el Programa de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella. Dirigió los cortometrajes “La hija de la azafata”, “Los nidos” (36 Festival de Cine de Mar del Plata) y “Los actores”.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I was commissioned to make a film with archive material from advertising films, but my attempt to take an essayistic approach to such stereotypical material failed when I thought I found my mother, as a young woman, in a gin commercial. That forced me to abandon all intellectual pretensions and ask myself what it means to become a mother, what things are left behind, buried under a role: how much did I inherit from that past and what possibility does it give me to make a film with all that?

Me encargaron una película con material de archivo de cine publicitario, pero mi intento por darle una aproximación ensayística a ese material tan estereotipado fracasó cuando creí encontrar a mi mamá, de joven, en un comercial de ginebra. Eso me obligo a abandonar toda pretensión intelectual y preguntarme qué implica convertirse en madre, qué cosas se dejan atrás, enterradas bajo un rol.  ¿Cuánto heredé yo de ese pasado y qué posibilidad me da hacer una película con todo eso?

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Sofía Brihet

Producer / Productor: Sofía Brihet

Director / Director: Sofía Brihet

Film Editor / Montaje: Nicolás Turjanski

Sound design / Diseño de sonido: Nahuel Nicolás Lombardo

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

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Una Habitación Simple

A single room

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) – 00:17:00 – Color – 24 FPS – NTSC – 5.1 – 1.85:1camera: Red weaponArgentina – dialogues: Spanish/French – narrative short film – dramedy, portrait, job, loneliness

  • Synopsis / Sinopsis:

In the absence of projects in which she can establish herself as an actress, Franca seeks unconventional alternatives to gain recognition.

A falta de proyectos en los que consagrarse como actriz, Franca busca alternativas poco convencionales para obtener reconocimiento.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

NICOLÁS DOLESNKY

Argentina/Italy

Nicolás Dolensky directed and wrote the short film “La Donna”, starring Erica Rivas; nominated for the Argentina critics’ awards. Also, competed in the “28th Mar del Plata International Film Festival”, and in the “Biarritz Amérique Latine Festival”. He won the Raymundo Gleyzer competition and was selected for Cine Qua Non Lab (Mexico) with his feature film project: “Nora cohen”.

Nicolás Dolensky es director y guionista del cortometraje “La Donna”, protagonizado por Erica Rivas; nominado a los premios: Cóndor de Plata. Compitió en el 28 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, y en el Festival de Biarritz Amérique Latine. “La Donna” formó de parte de aproximadamente 80 festivales alrededor del mundo y ganó alrededor de 20 premios. ND Ganó el concurso Raymundo Gleyzer y fue seleccionado para Cine Qua Non Lab (México) con su proyecto de largometraje en desarollo: “Nora Cohen”.

La Donna (2014) graduation short film, 15 min

Y si mañana no estoy (2017) 14 min

  • Director’s Statement:

Who are we immersed in a society that seems to require success to achieve happiness and fulfillment? What is success? Why are we interested in showing ourselves as successful? Looking for an answer, I laughed at all the times I lied out of shame or simply because I wanted to show myself superior to others. Franca is an actress who can’t get a job as an actress, so she invents a world in which she «is doing well” and is able to act.

¿Quiénes somos inmersos en una sociedad que pareciera exigir el éxito para conseguir la felicidad y la plenitud? ¿Qué es el éxito? ¿Por qué nos interesa mostrarnos exitosos ante los demás? En la búsqueda de respuestas que me conformen, me reí de todas las veces que mentí por vergüenza o simplemente por querer mostrarme superior ante los demás. Franca es una actriz que no consigue dedicarse a actuar de manera profesional, por lo que se inventa un mundo en el que “sí le va bien”, y así de alguna manera pone en jaque la idea de Actuar.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Nicolás Dolensky, Paloma De La Jara

Director / Director: Nicolás Dolensky

Production / Producción: Maira Juárez, Nicolás Dolensky

Cinematography / Dirección de Fotografía: Joaquín Neira

Art Director / Dirección de Arte: Lucia Lalor

Costume designer / Diseño de Vestuario: Catalina Szejnblum

Editing / Montaje: Francisco Noriega, Franca Malfatti, Nicolás Dolensky

Sound Design / Diseño de Sonido: Jesica Suarez

Original Music / Música Original: Luciano Azzigotti

Cast / Intérpretes: Laila Maltz, Vladimir Duran, Paula Grinszpan, Manuela Martínez, Adriana Ferrer, Nicolás Mateo

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 23 BAFICI, Buenos Aires International Independent Film Festival (Best Actress); 04/2022; Argentina

– 33 São Paulo International Short Film Festival; 08/2022; Brazil

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Short film created with the support of the Argentinian national fund for the arts, in co-production with Universidad del cine and Mamá Hunagara.

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Ahí vienen

They are coming  

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:14:00 / EPIC W 8K / 2K /Color / Fps: 25/ 16:9 /Stereo /Tucumán, Argentina/ narrative short film: drama, social issues / Historias Breves

  • Synopsis / Sinopsis:

A police strike causes a series of lootings and Roque’s grocery is in danger. David, his young employee, starts to seem like a threat to him.

Una huelga policial provoca una serie de saqueos y el almacén de Roque está en peligro. David, su joven empleado, comienza a parecerle una amenaza.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

The last days of December 2013, go by. Roque, a grocer in his fifties, runs his shop in the company of a young employee, David. A police strike unleashes an outbreak of no man’s lands and lootings all along with the province. As the situation becomes more severe, the relationship between Roque and David will become denser. The sense of threat mixes with the heat and humidity of the summer in Tucumán when the motorbikes and looters take over the streets of the neighborhood.

Transcurren los últimos días de diciembre del año 2013. Roque, almacenero cincuentón atiende su local en compañía de un joven empleado, David. Una huelga policial desata una ola de zonas liberadas y saqueos en toda la provincia. A medida que la situación se torna más álgida, la relación de Roque y David se irá tornando más espesa. La sensación de amenaza se mezcla con el calor y la humedad del verano tucumano, cuando las motos y los saqueadores copan las calles del barrio.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

LUCAS GARCÍA MELO

BA in Cinema from the School of Cinema at the National University of Tucumán. Co-writer and editor of the stop-motion short film LLAMADA NOCTURNA (2015). Co-writer and editor of the documentary series ONCE UPON A TIME IN THE NORTH (2015). Screenwriter and co-director of the feature documentary BAZÁN FRÍAS: ELOGIO DEL CRIMEN (2019). Co-writer and co-director of the short film AHÍ VIENEN premiered at the Mar del Plata International Film Festival 2021.

Lic. en Cinematografía recibido en la Escuela Universitaria de Cine de la Universidad Nacional de Tucumán. Co-guionista y montajista del cortometraje en stop-motion LLAMADA NOCTURNA (2015). Co-montajista de la serie documental ÉRASE UNA VEZ EN EL NORTE (2015). Guionista y codirector del largometraje documental BAZÁN FRÍAS: ELOGIO DEL CRIMEN (2019). Co-guionista y co-director del cortometraje AHÍ VIENEN, estrenado En el Festival Internacional de Mar del Plata ‘21.

PEDRO PONCE

Graduate and professor at the UNT Film School. Doctoral fellow at CIUNT. He directed the short film LA AUSENCIA DE ANA (2018), and the experimental short film ZAMPA SET. He is co-director of the short film AHÍ VIENEN, winner of the INCAA’s «Historias Breves». Post-produced his feature documentary YAKUMAN. Developed the feature film EL DIABLO QUE REZA, winner of ACAMPADOC. Participated in TALENTSBA 2021.

Egresado y profesor de la Escuela de Cine de la UNT. Becario doctoral del CIUNT. Dirigió el cortometraje LA AUSENCIA DE JUANA (2018), el corto experimental ZAMPA SET. Es Codirector del cortometraje AHÍ VIENEN ganador del con curso “HISTORIAS BREVES” del INCAA. Post-produce su documental YAKUMAN. Desarrolla el largometraje EL DIABLO QUE REZA ganador de ACAMPADOC Y LABEX, y el largometraje ESA MUSIQUITA INIMITABLE (Selección Gleyer 2021). Participó del TALENTS BA en 2021.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Lucas García Melo, Pedro Ponce

Producer / Producción: Ignacio Klyver

Director / Dirección: Lucas García Melo, Pedro Ponce

DoP / DF: Mauricio Asial, Hermann Langlouis

Camera / Cámara: Valentín Álvarez

Art Director / Dirección de Arte: Gerardo Sánchez

Wardrobe / Vesturio: Pablo Díaz Lescano

Make-Up / Maquillaje: Mariana Delgado

Film Editor / Montaje: José Villafañe

Sound / Sonido Directo: Sebastián Sánchez

Sound design / Diseño de sonido: Sebastián Blejman

Original Music / Música Original: Lucas García

Cast / Elenco: Fernando Godoy; José Pereyra; Rodolfo Juárez, Pablo Medina; José Gramajo

  • Director’s Statement / Declaraciones de los Directores:

This short film was born out of the need to be creative enough to put into images something that has affected us very deeply as part of the society of the province in which we live. At the end of 2013, the police in Tucumán went on strike, the province became a free zone and a violent wave of looting was unleashed. The shock of having lived through the dissolution of the social structure was later transformed into a mise-en-scène that tries to transmit the overwhelming density of heat and uncertainty that was felt in that summer in Tucumán. So, “Ahí Vienen” is based on a narrative and aesthetic proposal that seeks to situate the spectator in a specific terrain, through speaking, bodies, and their relationship with space, when everything began to feel a threat.

Este cortometraje nace de la necesidad de poder poner en imágenes algo que nos atravesó muy profundamente como parte de la sociedad de la provincia en la que vivimos. A fines del 2013, la policía de Tucumán se declaró en huelga, la provincia se transformó en una zona liberada y se desató una violenta ola de saqueos. El shock que nos produjo haber transitado la disolución del tejido social, luego se transformó en una puesta en escena que busca transmitir esa densidad, abrumadora de calor e incertidumbre que se sentía en ese verano tucumano. Así es que “Ahí Vienen” se sustenta sobre una propuesta narrativa y estética que busca situar al espectador en un territorio específico, desde el habla, los cuerpos y su relación con el espacio, cuando todo comienza a sentirse como una amenaza.

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

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Las Huellas del Desplazamiento

The traces of displacement

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:20:00 / 16:9 / B&W / Sound: Stereo / 29,97 FPS / HD / Documentary Short Film: essay, migration, road trip / Argentina-US

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

First-hand images and notes result from my reaction to the surrounding aspects of a work trip in the south of the USA.

Imágenes y notas en primera persona son el resultado de reaccionar a lo que rodea un viaje laboral por el sur de los Estados Unidos.

  • Synopsis / Sinopsis:

A book note and some images; the first-hand record used as an escape attempt. Economic needs, human bonds, and personal circumstances intertwine in a working trip that covers Chihuahua and Texas up to California, perceiving the dehumanizing effect of the system and the precariousness that upholds the dominant ideology.

Un cuaderno de notas e imágenes; el registro en primera persona como un intento de escape. Necesidades económicas, vínculos y circunstancias personales se entrelazan en un recorrido laboral, a través de un paisaje que va desde Chihuahua y Texas hasta California, percibiendo la deshumanización del sistema y la precarización que sostiene la ideología imperante.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MATÍAS BUZZALINO

He studied cinema at the CIEVYC. He made several short films. In 2010 he obtained a grant from the National Endowment for the Arts of Argentina. He currently works in film and TV.

Estudió la carrera de cine en el CIEVYC. Realizó varios. En 2010 obtuvo la beca del Fondo Nacional de las Artes. Actualmente trabaja en Cine y Televisión. 

  • Director´s Statement / Declaraciones del Director:

These images, as well as these notes, were kept away for some time. They were captured by me during a working trip abroad. I was hired as a cameraman along with some other people to shoot a TV show for an Argentinean production company that generated content for Latam. It was almost two months of working non-stop for more than 12 hours a day and with a high level of demand, which caused excessive stress. I was going through a lot in my personal life during that moment and, along with being an exploited worker, made it even more difficult to endure that journey. That is why, in one moment of the trip, I took the backup camera and started shooting random images for me in the few spare moments I had. I captured them without a criterion, just as an attempt to get away from that reality. Now that I came across them again, I will try to reconstruct that moment/ experience.

Estas imágenes, como así también estas anotaciones permanecieron guardadas algún tiempo. Las mismas fueron tomadas por mí, durante un viaje de trabajo en el extranjero. Había sido enviado como camarógrafo, junto a un grupo de personas, a grabar un programa de televisión para una productora argentina que generaba contenido para Latinoamérica. Fueron casi dos meses de jornadas ininterrumpidas, donde trabajábamos más de doce horas, absolutamente todos los días, con muchísima exigencia lo cual generaba una presión desmedida. En aquel momento mi vida personal venía atravesando una serie de acontecimientos difíciles, lo que hacía más duro aún poder sobrellevar, como trabajador precarizado, esta travesía. Fue por todo eso que, en un momento dado del viaje, tomé la cámara que teníamos de repuesto -por si la del programa fallaba- y en los escasos momentos en que pude comencé a grabar imágenes para mí. Sin seguir ningún criterio concreto, simplemente con el único fin de poder abstraerme por un rato de mi realidad, es que nacieron estos registros.

  • Festivals & Awards / Festivales y Premios:
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Trailer: https://vimeo.com/677690373

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Político

Politico

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:10:00 / 1.85:1 / Color / Sound: 5.1 / NTSC / 25 FPS / 2k / First Documentary Feature: portrait, youth, family, politic, human rights / Argentina

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

POLITICO follows Vicente Reati, grandson of activists murdered by the last military regime, through his first steps in adult life. Discover the new Human Rights movement that is brewing today in Argentina.

POLÍTICO sigue a Vicente Reati, nieto de desaparecidos de la última dictadura militar, en sus primeros pasos hacia la vida adulta. Descubre el nuevo movimiento de Derechos Humanos que se está gestando hoy en Argentina.

  • Synopsis / Sinopsis:

19-year-old Vicente Reati lives through his youth carrying the weight of tragic family history, marked by the dictatorship’s genocide. POLITICO follows a young leader during his personal and political growth, exploring the new Human Rights activism that is brewing today in Argentina.

Vicente Reati, de 19 años, transita la juventud cargando el peso de una trágica historia familiar, quebrada por el genocidio de la última dictadura argentina. Comprometido con la lucha de sus abuelos desaparecidos, Vicente da sus primeros pasos en la vida adulta mientras define su propia identidad política. Lo que al principio parecía una búsqueda solitaria, se torna una experiencia colectiva: Vicente descubre otros jóvenes que, como él, recrean las luchas de sus antepasados. POLÍTICO sigue a un referente juvenil durante su crecimiento personal y político, explorando la nueva militancia de Derechos Humanos que se gesta hoy en Argentina.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

19-year-old Vicente Reati lives through his youth carrying the weight of tragic family history, marked by the genocide perpetrated by the last Argentine dictatorship. Committed to the struggle of his missing grandparents and surviving parents, Vicente takes his first steps into adult life while defining his political identity. What at first seemed like a search in solitude becomes a collective experience: Vicente discovers other young people who, like him, carry out a daily struggle to build their own political activism. POLITICO follows a young leader during his personal and political growth, from his high school graduation to his first year at university, exploring the new Human Rights activism that is brewing today in Argentina.

Vicente Reati, de 19 años, transita la juventud cargando el peso de una trágica historia familiar, quebrada por el genocidio de la última dictadura argentina. Comprometido con la lucha de sus abuelos desaparecidos y de sus padres sobrevivientes, Vicente da sus primeros pasos en la vida adulta mientras define su propia identidad política. Lo que al principio parecía una búsqueda en soledad, se torna una experiencia colectiva: Vicente descubre otros jóvenes que, como él, recrean las luchas de sus antepasados, sobreponiéndose al dolor y la ausencia. POLÍTICO sigue a un referente juvenil durante su crecimiento personal y político, desde su salida de la secundaria hasta sus primeros años en la universidad, explorando la nueva militancia de Derechos Humanos que se está gestando hoy en Argentina.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

FRANCISCO NOVICK

Francisco Novick is a film director and producer born in Buenos Aires, Argentina in 1993. He has a background in Economics (University of Buenos Aires) and Film Direction (ENERC). His shorts and debut fiction film premiered at international festivals such as Mar del Plata, BAFICI, DOK Leipzig and Biarritz. His projects have been selected by the Argentinian National Arts Fund and the Metropolitan Fund of Buenos Aires. POLITICO will become his debut documentary film as director/producer.

Francisco Novick es un director y productor de cine nacido en Buenos Aires en 1993. Estudió Realización Cinematográfica en ENERC y Economía en la Universidad de Buenos Aires. Su ópera prima TIEMPO PERDIDO y sus anteriores cortometrajes fueron estrenados en festivales internacionales tales como Mar del Plata, BAFICI, DOK Leipzig y Biarritz. Sus proyectos fueron seleccionados por el Fondo Nacional de las Artes de Argentina y el Fondo Metropolitano de Buenos Aires. POLÍTICO es su primer largometraje documental como director.

2022     POLITICO (first documentary feature)

2019     LOST TIME (first narrative future)

2017     STRENGTH AND CUNNING (documentary short film)

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

In 2017 I directed STRENGTH AND CUNNING, a direct cinema short film in which I followed a 15-year-old young man during the demonstration that occurs every year to commemorate the anniversary of the last military coup. In the last part of the short film, the boy seemed to be immersed in a deep transformation process that anticipated instances of greater politicization and social awareness. STRENGTH AND CUNNING, my directorial debut, premiered at the DOK Leipzig’s international competition and was screened through the international festival circuit. POLITICO takes up the same character at a very different time in his life. During the last year, I have been following the personal and political development of my protagonist. Through its subjective perspective, the film will bear witness to a generation in full formation: young people who, born in democracy, seek to update their activism from their particular historical moment, mixing old Human Rights struggles with a new class, race, gender, and sexual identity demands. POLITICO portrays the emergence of a new conception of politics from the unique gaze of a young man of the 21st century marked by the history of his country.

En 2017 filmé LA ASTUCIA Y LA FUERZA, un cortometraje observacional en el que seguía a un joven de 15 años durante la manifestación que se organiza todos los 24 de marzo para recordar el aniversario del último golpe militar. Hacia el final, el protagonista parecía inmerso en un proceso de transformación, que abría instancias de mayor politización y consciencia social. El corto, mi debut como director, se estrenó en la competencia de DOK Leipzig y recorrió diversos festivales internacionales. POLÍTICO retoma el mismo personaje en un momento muy distinto de su vida. Durante los últimos tres años vengo registrando el desarrollo personal y político de mi protagonista. A través de su mirada subjetiva, la película dará testimonio de una generación en plena formación: chicos y chicas que, nacidos en plena democracia, buscan actualizar la militancia desde su particular momento histórico, mixturando históricas luchas de derechos humanos con nuevas reivindicaciones de clase, raza, género e identidad sexual. POLÍTICO retrata el surgimiento de una nueva concepción de la política desde la singular mirada de un joven del siglo XXI atravesado por la historia de su país.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Francisco Novick         

Producer / Producción: Francisco Novick

DoF / DF: Delfina Margulis

Editing / Montaje: Manuel Margulis

Sound / Sonido Directo: Luciana Braga

Sound Design / Dirección de Sonido: Diego Martínez

Original Music / Música Original: Alfonso Bekes

Cast: Vicente Reati

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 37 Mar del Plata International Film Festival; 11/2022; Argentina

  • Links:

Trailer:

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Tindergraf

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:28:00 / 16:9 / Color / Sound: Stereo / filmación de dibujo contínuo, proyectado en un Cinegraf / Experimental Animation: portrait, women, relationships / Portugal-Argentina

  • Synopsis / Sinopsis:

Women in their thirties meet men through dating apps in Buenos Aires. They search for fun and sex but also for kindness and affinity. One doesn’t always find them, but these dates aren’t expressed as failures or achievements, they just draw with humor and tenderness the seek of one on another, and of one in oneself.

Mujeres en sus treinta exploran aplicaciones de levante en Buenos Aires. Buscan diversión y sexo, pero también afecto y afinidad. No siempre lo logran, pero estos encuentros no se traducen en sucesos o fracasos, sino que dibujan con ternura y humor el viaje en sí.

  • Synopsis / Sinopsis:

Women in their thirties meet men through dating apps in Buenos Aires. They search for fun and sex but also for kindness and affinity. One doesn’t always find them, but these dates aren’t expressed as failures or achievements, they just draw with humor and tenderness to seek one another, and one in oneself. TINDERGRAF is a filmed drawing: meters of drawn paper stripe enlarged through a seventy’s manual toy projector. An unpredictable analogic traveling in contrast with the pragmatism of random dating.

Mujeres en sus treinta exploran aplicaciones de levante en Buenos Aires. Buscan diversión y sexo, pero también afecto y afinidad. No siempre lo logran, pero estos encuentros no se traducen en sucesos o fracasos, sino que dibujan con ternura y humor el viaje en sí. TINDERGRAF es un dibujo filmado: metros de cinta de papel dibujada y proyectada a través de un Cinegraf (un juguete argentino de los años 70). Un travelling analógico e imprevisible en contraste con el pragmatismo de los encuentros retratados.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JULIA BARATA

Portuguesa/Argentina

Júlia Barata was born in 1981, Portugal. Architect and comic writer, published «Familia» (Arg/Es, 2022), “Quotidiano de Luxo” (Pt, 2019), “2 Historias de Amor” (Pt, 2019), “Gravidez” (Arg/Pt 2017). Illustrated books and magazines. In 2018 started drawing animated shorts for web media and videoclips. Teaches Graphic Project Clinic, Experimental Comic, and Motion Graphic narrative in Buenos Aires.

Júlia Barata nace en 1981, Portugal. Arquitecta y autora de novela gráfica, reside actualmente en Argentina. Publicó Familia (Arg/Esp, 2022), Gravidez (Arg/Pt, 2016), Quotidiano de Luxo (Pt, 2019), 2 Historias de amor (Pt, 2019). Ilustró revistas y libros. En 2018 empieza a dibujar cortos animados para web media y videoclips. Es docente de Clínica de proyecto gráfico e Historieta experimental en Buenos Aires.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I am a comic artist who explores the frontiers of graphic and motion narratives. I express movement without frames on still drawings through repetition and superposition of images. Tindergraf is my first short movie. It is not really an animation, but a filmed drawing – meters and meters of a comic strip, afterward cast with a toy projector, filmed, and sound editing. It is a graphic experiment that focuses on expressing sensations of loss and search, shaped by the original soundtrack from Pablo Bronzini, feat Luli Adano and Fernando Ramalho.

  • Overview / Ficha técnica:

Screenplay, Director, Producer / Guión, Dirección, Producción: Julia Barata

Animation, Camera & Editing / Animación, Cámara y Montaje: Julia Barata

Sound Editing / Diseño de Sonido: Pablo Bronzini

Original Music / Música Original: Pablo Bronzini

Voices / Voces: Sol de Angelis, Leo Flores, Luli Adano, Rafael Freire, Txus Molina, Alejandro Levacov, Júlia Barata, Paco Onnainty, Titi Gutiérrez

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 19 IndieLisboa, Lisboa International Independent Film Festival (Brand New Award); 04/2022; Portugal

– 29 L’Alternativa, International Independent Film Festival; 11/2022; Spain

– 22 Las Palmas International Film Festival; 04/2023; Spain

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/501222938/aeaf28f032

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  • Contact / Contacto:

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Extranjero

Foreigner

– Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:17:00 / ratio 16:9 / COLOR / SOUND 2.0 / Cámara Sony FS5 / 4k / 25 FPS / PAL / Argentina / First Documentary Feature Film

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A Kurdish man and an Argentine woman discuss traveling to the liberated territories of Rojava, where a revolution is taking place that is about to be exterminated.

Un kurdo y una argentina debaten en viajar a los territorios liberados de Rojava, donde se desarrolla una revolución que está a punto de ser exterminada.

Synopsis / Sinopsis:

How does a man, raised between Islam and Marxism, survive exile while a revolution led by women is taking place in his land? Why does an Argentine woman fall in love with a Utopia on the other side of the world and is able to give her life for her? Foreigner tells the story of a Kurd and an Argentinian traversed by utopias, loneliness, and death, as they debate about traveling to the liberated territories of Rojava, where a revolution is about to be exterminated.

¿Cómo sobrevive al exilio un hombre, criado entre el Islam y el Marxismo, mientras en su tierra se desarrolla una revolución liderada por mujeres? ¿Por qué una argentina se enamora de una utopía en la otra punta del mundo y es capaz de dar su vida por ella? Extranjero cuenta la historia de un kurdo y una argentina atravesados por las utopías, la soledad y la muerte, mientras se debaten sobre viajar a los territorios liberados de Rojava, donde se desarrolla una revolución que está a punto de ser exterminada.

– Director´s Biography / Biografía del Director:

ALFONSO GASTIABURO

Director, screenwriter, and film editor. Founder of La Conjura TV. He has participated in numerous alternative media and counter-information projects, making documentaries about human rights and social movements. Some of his works have been used as proof in human rights trials against the Argentinian State. He is working on the development of “The Adventures of Valentina Holmes and Bernardo Watson”, a transmedia series for children, and in the documentary´s postproduction stage of “Maize Daughters”. “Foreigner” is his first documentary feature film.

Director, guionista y montajista. Fundador de La Conjura TV (medio de comunicación alternativo en formato audiovisual). Ha participado en diversos proyectos de contrainformación realizando documentales sobre derechos humanos y movimientos sociales. Algunos de sus trabajos sirvieron como pruebas de violaciones a los derechos humanos y presentaciones judiciales contra el Estado. Su cortometraje de ficción “40 Tableros” fue ganador de varios premios internacionales. Actualmente se encuentra trabajando en el desarrollo de “Las aventuras de Valentina Holmes y Bernardo Watson” serie infantil transmedia y en la etapa final del documental en coproducción con México “Hijas del Maíz”. “Extrajero” es su Opera Prima Documental.

Director’s Statement / Declaraciones del Director:

There are only 7 Kurds in Argentina. They don’t even all come from the same country. Three of them are Turkish, one Iranian, two come from Iraq, and the last one from Syria. They share the same story: when each one of them arrived in Argentina they found themselves completely alone. Nowhere to turn to. Some years ago, we started an ambitious film project, which would bring together 2 different cultures, taking us to the core of a revolution through the voice of an exile who was returning to his homeland. It didn’t happen. Changes and setbacks are part of documentary projects’ nature. We should get used to that, ideally. I still don’t feel at ease with this film which is the result of the insurmountable obstacles we had to face. This is a film made out of odds and ends; bits we had initially discarded but after listening to Natalia and Delil, they made new sense and made the film take a completely new direction. Delil´s real name is “Che”. He also has a third name: the Turkish name imposed on every Kurd individual and the one that appears on their ID card. This third name would be uttered not even once throughout the whole movie. His father named him “Che” wishing he would resemble Che Guevara. This is what they called him at home. Only at home. How is it that someone who struggled from his early childhood and whose father gave his life for a cause, justifies not returning to his homeland to fulfill his father’s expectations: fighting for the liberation of his people? The answer is hidden in what is unsaid. How is it that an Argentine woman falls in love with a revolution that is taking place on the other end of the world and with which she has no ties; how come she starts crying when she hears a Kurd mother wearing a white headscarf sing? Delil and Natalia speak in order to finally be able to stop talking and remain silent. This film is about the relationship with utopia, the value of struggle when there are so few possibilities of winning, and of solitude. It is also about feelings of disappointment for which we can’t find words. In Argentina, the other end of the world, there is something that connects them. He won’t admit he doesn’t want to go back, that now he feels indifferent to the cause. She feels exactly the opposite. Rojava was totally annihilated even before its sociopolitical project really was brought into action. Still, in that place, you can feel that there’s another way of living and a different perspective for building up society. We already know that these kinds of experiences tend to end in perpetual wars that doom any project that may question our low-intensity democracies and intolerable inequalities. Utopias seem to be bleeding slowly to death, but how is it that those who still believe in them survive? There’s a moment in the film when Delil and Natalia are talking around a fireplace in the middle of the night. They laugh together at what it is to be an activist in Argentina for a cause that nobody is interested in, the Kurd cause. Suddenly, Natalia says: did you know that my brother was kidnapped in a concentration camp not far away from here? He survived, the other one didn’t, and the other one disappeared. Delil remains silent. It was at that very moment, that I felt I started to understand them. Delil and Natalia still dream. They feel outsiders, not in terms of a country, but of their own story.

En Argentina hay solo 7 kurdos. Ni siquiera provienen todos del mismo país. De esos siete, tres son turcos, uno iraní, dos iraquíes y uno de Siria. Todos comparten la misma historia: al llegar a Argentina ninguno de ellos tuvo a quien acudir. Estuvo sólo. Hace unos años comenzamos la que pensábamos sería una película ambiciosa, que uniera dos culturas llegando al corazón de una revolución de la mano de un exiliado que volvía a su tierra. Eso no pasó. Los cambios y las imposibilidades son algo tan común en los documentales que deberíamos estar acostumbrados. Deberíamos. A mi me cuesta reconciliarme con esta película que surgió de los escollos que no pudimos superar. Es una película que se fue construyendo con retazos, con materiales que habíamos descartado de antemano, y sin embargo, de escuchar a Natalia y Delil surgió otra cosa. Delil en realidad se llama Che, tiene un tercer nombre, el nombre turco que le imponen a toda familia kurda en el documento de identidad. Ese nombre jamás se pronuncia en la película. Che fue el nombre que le puso su padre deseando que se pareciera al Che Guevara, era el nombre que solo se usaba dentro de la casa, nunca afuera. ¿Qué excusa se da a sí mismo, alguien que luchó desde niño y cuyo padre dio la vida por una causa, para no volver a su tierra y cumplir su mandato: luchar por la liberación de su pueblo? La respuesta está ahí, en los silencios de Delil. ¿Por qué una argentina se enamora de una revolución en la otra punta del mundo con la que no tiene ninguna relación; por qué llora cuando escucha cantar a una madre kurda con un pañuelo blanco en la cabeza? Delil y Natalia hablan para poder por fin quedarse en silencio. Entre otras cosas esta película habla de la relación con las utopías, del valor de la lucha cuando parece perdida de antemano, y de la soledad. También habla de las decepciones que no sabemos nombrar. Allá, en la otra punta del mundo, hay algo que los atraviesa ambos. Él no puede admitir que no quiere volver, que esa lucha ya le es ajena. A ella le pasa lo opuesto. Arrasada antes siquiera de intentarlo, en Rojava late la posibilidad de otra forma de vivir y de pensar la sociedad. Ya sabemos que estas experiencias tienden a terminar sumergidas en guerras eternas que condenan al fracaso a cualquier propuesta que cuestione a nuestras democracias de baja intensidad y sus desigualdades intolerables. ¿Cómo sobreviven los que aún creen en las utopías? Hay un momento en la película cuando Delil y Natalia hablan en la noche alrededor del fuego, se ríen de lo que significa militar en Argentina en una causa que no le importa a nadie, la causa kurda, de repente Natalia dice: “¿vos sabías que mi hermano estuvo secuestrado en un campo de concentración aquí cerca? El que sobrevivió, no el que desapareció” y Delil se queda en silencio. En ese silencio empecé a entenderlos realmente. Delil y Natalia todavía sueñan, pero viven con la sensación de ser extranjeros, no de un país, sino de su propia historia.

– Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Alfonso Gastiaburo

Producer / Productor: Ana Taleb

DoP / Dirección de Fotografía: Alfonso Gastiaburo, Pablo Martínez 

Camera / Cámara: Pablo Martínez, Diego Martínez, Alfonso Gastiaburo

Animation / Animación: Estefanía Clotti

Film Editor / Montaje: Verónica Rossi

Sound design / Diseño de sonido: Santiago Zecca (ASA)

Música / Music: Martín Delgado

Cast / Elenco: Che Cetin, Natalia Benavídez, Remzi Pamukçu

Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

Links:

Trailer: https://vimeo.com/692495806

Social Networks:

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https://www.instagram.com/alfonso.gastiaburo/

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Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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Tartarus

Technical Info / Información Técnica:

(2021) Release: 19/11/2021 – 00:02:38 – Color – 24 FPS – PAL – Stereo – Ratio: 3840 × 1440, 2.35:1Software: Adobe animate, Harmony Toon Boom, Adobe After effects, Photoshop, IllustratorArgentina – animation short film – Cel animation, 2D traditional animation – Experimental, characters, creatures, 2d animation, craft

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Tartarus, a deity of conquest and destruction, took away from their Titans the ability to feel guilt and shame so these servants could impose their master’s vicious will. This short film is the result of a psychedelic 2D trip we embarked on with some multi-talented artists during the lockdown.

La diosa Tartarus. La fuerza de conquista y destrucción. Sus sirvientes, los titanes, serán quienes impongan su voluntad abrumadora, sin culpa ni vergüenza. Este corto es el resultado de un viaje psicodélico en 2D en el que embarcamos con artistas multi-talentosos durante varios meses de cuarentena.

Long Synopsis / Sinopsis Larga:

The deity Tartarus. The force of conquest and destruction. Tartarus sees themselves as the owner of everything, as they despise everything. Their servants—Titans—are to impose this deity’s will, with no guilt or shame. Without challenging it. It has been like this era after era. Until now, when primordial tears announce the end of the Eternal, and the Titans awaken. This short film is the result of a psychedelic 2D trip we embarked on with some multi-talented artists during the lockdown.

La diosa Tartarus. El abismo deambulante. La fuerza de conquista y destrucción. De todo se considera dueña, y todo desprecia. Sus sirvientes, los titanes, serán quienes impongan su voluntad, sin culpa ni vergüenza. Sin cuestionamientos. Ha sido así era tras era. Hasta este instante, donde las lágrimas primordiales señalizarán el fin de lo eterno. Este corto es el resultado de un viaje psicodélico en 2D en el que embarcamos con artistas multi-talentosos durante varios meses de cuarentena.

Director´s Biography / Biografía del Director:

MARIANO FERNÁNDEZ RUSSO

http://kilmo.tv/

Mariano Fernández Russo is an Argentine creative director with wide experience in animation and filmmaking. He has been working with 2D animation for over 15 years in renowned Latin American studios and is currently a partner and the creative mind behind Clubcamping. He loves moving things around in After Effects even more than he loves dinos.

Mariano Fernández Russo es un director creativo argentino con amplia experiencia en animación y cine. Lleva más de 15 años trabajando con animación 2D en reconocidos estudios latinoamericanos, actualmente es socio y la mente creativa detrás de Clubcamping. Es un apasionado del After Effects, incluso más que su pasión por los dinosaurios.

Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This short film is a result of a different approach to our creative process. A psychedelic creative trip we embarked on with the multitalented artists during several months of lockdown. It all started with a raging need to let our creative energy take some shape. We were looking for a project that could challenge our skills and understanding of our own craft at that moment. There were so many things we wanted to try—both technical and creative—we just couldn’t focus. It felt overwhelming at times. Then our friend and fascinating art director Juan Barabani jumped on board bringing his fresh vision, his deep love of art, and a collaborative spirit—and things started to get trippy. Juan pitched marvelous ideas to us, which in turn made us rethink and pitch new ideas to him (and to ourselves). For several days, this was the process. And our initial narrative concept felt more and more out of place after each new art exploration. And then the animatic came naturally, too: a reflexive, tranquil pace that let one dwell on the excruciating amount of little details we would be animating. Also, that rhythm felt cosmic and solemn. Clocking in at around 2 minutes, with few shots, complex designs, and subtle actions, we knew animation had to be challenging but survivable, so we set ourselves up for “traumatizing”. We then established two rules: 1- Economize. Animate at the lowest frame rate possible to force us to carefully draw each pose and set the right exposition for each keyframe so as to make the acting look fluid. 2- Be creative with the animation ideas, but don’t go beyond the tone suggested and inspired by the styleframes. Some of our most beloved and talented pals jumped on board to animate some shots, so we threw in a few directions, but we just let them do their thing. And they killed it. Some bold mofos even animated on 6s. The nerve! By this time we knew comp was going to be heavy, with lots of layers, glow, defocus, gradients, and all the usual cosmic stuff. So we had to carefully plan the workflow. One tricky part was the orb morphing into its angry mood. The base texture was animated using After Effects, then imported into Animate, where frame-by-frame adjustments were made. Those adjustments were then reimported into After Effects. Hope you all enjoy and get mesmerized by Tartarus. We recommend watching it on a bigger screen.

Este cortometraje es el resultado de diferentes enfoques en nuestro proceso creativo que probamos durante los meses de cuarentena. Todo comenzó con una imperiosa necesidad de dejar que nuestra energía creativa tomara forma. Estábamos buscando un proyecto que pudiera desafiar nuestras habilidades y comprensión de nuestro propio oficio en ese momento. Había tantas cosas que queríamos probar, tanto técnicas como creativas que simplemente no podíamos concentrarnos. A veces se sentía abrumador. Entonces Juan Barabani se subió a bordo trayendo su visión fresca, su profundo amor por el arte y espíritu colaborativo, y las cosas comenzaron a ponerse locas. Juan nos lanzó ideas maravillosas, que a su vez nos hicieron repensar y relanzar nuevas ideas a el (y a nosotros mismos). Durante varios días, este fue el proceso y nuestro concepto narrativo inicial se sentía cada vez más lejano después de cada nueva exploración de arte. Las ideas siguieron fluyendo de forma natural y nos permitimos en cada paso seguir nuestros instintos. Dejamos que nuestro subconsciente llene los vacíos narrativos y sublimaran las imágenes. Y así fue como el animatic también llegó de forma natural: un ritmo reflexivo y tranquilo que le permite a uno detenerse en la insoportable cantidad de pequeños detalles que estaríamos animando. Además, ese ritmo se sintió cósmico y solemne. Con aproximadamente 2 minutos, con pocas tomas, diseños complejos y acciones sutiles, sabíamos que la animación tenía que ser desafiante pero debíamos sobrevivir a ella, así que nos preparamos para “traumatizarnos”. Luego establecimos dos reglas: 1- Economizar.  Animar a la velocidad de fotogramas más baja posible para obligarnos a dibujar con cuidado cada pose y establecer la exposición correcta de cada keyframe para que la actuación se viera fluida. 2- Ser creativo con las ideas de animación, pero no irnos más allá del tono sugerido e inspirado por los Styleframes. Algunos de nuestros amigos más queridos y talentosos se unieron para animar algunas tomas, les dimos unas pocas directivas, simplemente les dejamos hacer lo suyo. Y la rompieron. Algunos malditos atrevidos incluso animaron de a 6s. ¡los nervios! Sabíamos que la compo iba a ser pesada, con muchas capas, brillo, desenfoque, degradados y todas las cosas cósmicas habituales. Así que tuvimos que ser cuidadosos planificando el flujo de trabajo. Una de las partes más complicadas fue la transformación de la esfera en su estado de ánimo. La textura base se animó con After Effects, y luego se importó a Animate, donde se hicieron ajustes fotograma a fotograma, que luego se volvieron a importar a After Effects. ¡Esperamos que les guste y sean hipnotizados por Tartarus! Recomendamos que lo vean en una pantalla grande.

Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Mariano Fernández Russo

Director / Director: Mariano Fernández Russo

Executive Production / Producción Ejecutiva: Ana Sieglitz, Juliana Millán

Animation Director / Dirección de Animación: Mariano Fernández Russo

Art Director / Director de Arte: Juan Barabani.

Sound Design / Diseño de Sonido: Fede Vilas

Original Music / Música Original: @pan.sonico (Victoria Baraga & Juan Barabani)

Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 7 FAF, Florida Animation Festival; 06/2022; US

– Prix Ars Electronica; 06/2022; Austria

Links:

Web:

https://www.clubcamping.tv/work/tartarus

Trailer: https://vimeo.com/644773762

Social Media:

https://www.behance.net/gallery/131656449/Tartarus-Short-Film

https://www.instagram.com/kilmo.tv/

https://www.instagram.com/clubcamping.tv/

https://www.instagram.com/ana.sieglitz/

https://www.instagram.com/jumihur/

https://www.instagram.com/films.to.festivals/

https://www.facebook.com/films2festivals

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

http://instagram.com/films.to.festivals

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La Casa de los Tíos

My Uncle’s House

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:15:00 / 16:9 / Color / Sound: 5.1 / PAL / 24 FPS / Nikon D7000 / 2k / First Documnetary Feature: portrait, family, politic, human rights / Santa Fé, Argentina

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

“Don’t kill the youth.” Mariano grows up wrapped in this phrase, as the most substantial legacy he receives from his aunt and uncle. Eight years after Aunt Hilda’s death, she returns to the house to empty it out.

“A la juventud no se la mata”. Mariano crece arropado en esta frase, como el legado más sustancial que recibe de sus tíos. Ocho años después de la muerte de su tía, regresa a la casa para vaciarla.

  • Synopsis / Sinopsis:

“Don’t kill the youth.” Mariano grows up wrapped in this phrase, as the most substantial legacy he receives from his aunt and uncle. Eight years after Aunt Hilda’s death, she returns to the house to empty it out. There is no one else who can perform this task. “My uncle’s house” is a place where memories and ghosts dispute the memory of a country in the face of the destruction of the passage of time.

“A la juventud no se la mata”. Mariano crece arropado en esta frase, como el legado más sustancial que recibe de sus tíos. Ocho años después de la muerte de tía Hilda, regresa a la casa para vaciarla. No hay nadie más que pueda realizar esta tarea. “La casa de los tíos” es un lugar donde recuerdos y fantasmas le disputan la memoria de un país ante la destrucción del paso del tiempo.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

“Don’t kill the youth.” Mariano’s entry into the family was signed by tragedy. He was only a baby when his militant cousins were murdered in the early ‘70s, in Argentina. In this context, Aunt Hilda and Uncle Miguel’s house, located in Río Ceballos on the Córdoba Mountain Range, lay on the comings and goings of loving refuge and pain, in the absence of the cousins. When Hilda dies, the place remains shuttered and abandoned. Eight years later, Mariano begins the process of emptying the house, the last task. A sacrilege and a release at the same time. His own sway between memories and ghosts. His eyes as a child witnessed the struggle of his aunt and uncle, the resistance against every single inhumane thing that took place during the last military dictatorship in the country. Now, Mariano’s little children are the ones that witness the path that they must follow to discover the final fate and solve the enigma of the story that the house keeps.

“A la juventud no se la mata”. La entrada de Mariano a la familia estuvo marcada por la tragedia. Era un bebé cuando asesinaron a sus primos militantes a comienzos de los 70 en Argentina. En este contexto, la casa de Río Ceballos en las sierras de Córdoba de los tíos Hilda y Miguel, existió en el vaivén de refugio amoroso y dolor ante la ausencia de los primos. Cuando Hilda muere, el lugar queda cerrado y abandonado. Ocho años después Mariano emprende el proceso de vaciar la casa, la última tarea. Un sacrilegio y una liberación. Su propio vaivén entre recuerdos y fantasmas. Sus ojos de niño fueron testigos de la lucha de sus tíos, de la resistencia ante todo lo inhumano que desplegó los años de la última dictadura militar en el país y ahora son los hijos pequeños de Mariano, los testigos del camino que deberá cumplir para resolver el destino final de la historia que guarda la casa.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

VERÓNICA ROSSI

From 1999 to 2013 I lived in Barcelona, where I worked as a film editor on documentaries for Televisión de Catalunya and Televisión Española. I was also part of the documentary projects team promoted by the international radio broadcasting company. After returning to Argentina, I continued participating in many documentary productions, and some of them have obtained proper recognition at festivals around the world. “La casa de los tíos” (My Uncle’s House) is my first documentary as a director.

Desde 1999 hasta 2013 residí en Barcelona donde trabajé como montadora en documentales para Televisión de Catalunya y Televisión Española, también formé parte del equipo de proyectos documentales impulsados desde la Unión Europea de Radiodifusión. A partir del regreso a Argentina, continué participando en numerosas producciones documentales, algunas fueron merecedoras de reconocimientos en festivales del mundo. “La casa de los tíos” es mi primer documental como directora.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

The day we left for Aunt Hilda and Uncle Miguel’s house, I borrowed a camera despite Mariano’s reluctance, and I followed him when he opened the door of the house eight years after Hilda’s death. We came back with a handful of images and the conviction of wanting to tell the story that was still burning inside. We were a family diving into enduring memories and kept secrets, pulling together the threads that unite us all: the present and the past. There was modesty in Mariano when opening the drawers of the house, and some self-confidence in our children. The fact that we were there was a historical consequence. A remnant of the Argentinian history when the foundations were established for what would later be the process of annihilation of a generation that today would be the age of our parents. Pepe and Migue were the cousins that Mariano knew from the paintings hanging on the walls and the clues that were inside the house. Militants of the People’s Revolutionary Army were assassinated as soon as the ’70s began. Migue Polti is one of those who fell in the Trelew Massacre, and soon it will be the 50th anniversary of that remarkable event. If Hilda and Miguel did anything, it was cling to love to resist every single inhuman thing that surrounded them back then. That was his battle, and we wanted that something of that spirit could be captured in the documentary.

El día que partimos hacia la casa de tía Hilda y tío Miguel, pedí una cámara prestada a pesar de las reticencias de Mariano y lo seguí cuando abrió la puerta de la casa ocho años después de que muriera Hilda. Volvimos con un puñado de imágenes y la convicción de querer contar la historia que seguía prendida en su interior. Éramos una familia buceando en los recuerdos y en los secretos guardados. Tensando los hilos que nos unen a todos, presente y pasado. Había pudor en Mariano al abrir los cajones de la casa y algo de desparpajo en nuestros hijes. Que nosotros estuviéramos ahí, era una consecuencia histórica. Un resabio de la historia argentina cuando se afirmaban las bases de lo que después fue el proceso de aniquilación de una generación que hoy tendría la edad de nuestros padres. Pepe y Migue eran los primos que Mariano conoció por los cuadros colgados en las paredes y las pistas que estaban dentro de la casa; militantes del Ejército Revolucionario del Pueblo, asesinados ni bien comenzaban los ´70. Migue Polti es uno de los caídos en la Masacre de Trelew, que pronto se cumplirán los 50 años de ese marcado suceso. Si algo hicieron Hilda y Miguel, fue aferrarse al amor para resistir a todo lo inhumano que les rodeaba en aquel entonces. Esa fue su batalla y nosotros quisimos que algo de ese espíritu quedará en el documental. 

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Verónica Rossi

Executive producer / Producción Ejecutiva: Ana Taleb

DoF / DF: Lucas Pérez, Verónica Rossi

Camera / Cámara: Cecilia Sarmiento, Claudio Perrin

Sound Design / Dirección de Sonido: Santiago Zecca

Editing / Montaje: Verónica Rossi

Original Music / Música Original: Pablo Sorini, Pablo Alfredo Vergara

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/680444564

Social Media:

https://www.instagram.com/lacasadelostios_documental/

https://www.instagram.com/anuktaleb/

https://www.facebook.com/anukt

https://www.instagram.com/cinespuma/

https://www.facebook.com/cinespuma/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

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https://www.facebook.com/films2festivals/

https://www.twitter.com/films2festivals/

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El Monte

The Bush

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:27:00 / Arri Alexa Classic 2K / ratio 1.85:1 / 24 FPS / PAL / COLOR / SOUND 5.1 / Argentina / Feature Film / Fantastic, leyend, Family

  • Logline:

A father, a son, and an ancient secret about to be revealed.

Un padre, un hijo y un secreto ancestral a punto de revelarse.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A father and a son, isolated in a dilapidated country house, try to survive a hellish summer. Hunting during the day and spending the nights by the campfire, the son starts to sense a strange connection between his father and the nature that surrounds them. An ancient secret is about to be revealed.

Un padre y un hijo, aislados en una ruinosa casa de campo, intentan sobrevivir a un verano infernal. Entre jornadas de caza y noches de fogón, el hijo empieza a percibir una extraña conexión entre su padre y la naturaleza que los rodea. Un secreto ancestral está a punto de revelarse.

  • Synopsis / Sinopsis:

Nicolás returns to Formosa to rescue Rafael, his father, who has suddenly and inexplicably abandoned his career, his home, and his friends and buried himself in a dilapidated house in the middle of the bush. Immersed in the infernal heat of the northern summer, father and son partake in survival tasks, rekindle past conflicts and rehearse possible reconciliations. As the days go by, Nicolás begins to sense a strange connection between his father and the nature that surrounds them. Little by little, Nicolás will discover that this place holds an ancient secret that could endanger their lives.

Nicolás vuelve a Formosa para rescatar a Rafael, su padre, que de manera repentina e inexplicable abandonó su carrera, su hogar y sus vínculos y se internó en una casa ruinosa en medio del monte. Inmersos en el calor infernal del verano norteño, padre e hijo comparten tareas de supervivencia, reavivan conflictos del pasado y ensayan posibles acercamientos. A medida que pasan los días, Nicolás empieza a percibir una extraña conexión entre su padre y la naturaleza que los rodea. Poco a poco Nicolás descubrirá que en ese lugar subyace un secreto ancestral que puede poner en peligro sus vidas.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

SEBASTIÁN CAULIER

Sebastián Caulier was born in 1984 in Formosa, Argentina. He graduated from the Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Scriptwriter and director of “Los extraños” (2008 – fictional short film included in the cycle “Historias Breves V”), “La inocencia de la araña” (2012 – fiction feature film), “Salvaje” (2012 – documentary medium length film), “El corral” (2017 – fiction feature film) and “The Bush” (2022 – fiction feature film).

Sebastián Caulier nació en 1984 en Formosa, Argentina. Egresado de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Guionista y director de “Los extraños” (2008 – cortometraje de ficción “Historias Breves V”), “La inocencia de la araña” (2012 – largometraje de ficción), “Salvaje” (2012 – mediometraje documental), “El corral” (2017 – largometraje de ficción) y “El monte” (2022 – largometraje de ficción).

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I think of ‘The Bush’ as a film that moves between three genres: drama, fantasy, and horror. I like the fusion of genres, not as a cinephile game of references but as a natural breathing process within the film. In this fluid movement of tones and atmospheres lies its identity. This film sheds a light on the scope and limits of the communication between parents and children. It is a plea for disagreement. There is no final reconciliation, no such moment in which the fog of our prejudices clears and we fully understand each other, in a transparent and lucid way, without any type of interference. The perfect communication, what an entelechy! If we accept this as valid, we must ask ourselves, is it possible to inhabit a bond even in dissent and mutual misunderstanding? Just as no one is born a father, no one is born a son. Both roles are built over time to the extent of each one’s tools and possibilities. Some do it better; some do it worse. Some do it right away, others take a little longer. In ‘The Bush’ we see two people trying, as much as they can and with what they have at hand, on the roles of how-to-be-a-father and how-to-be-a-son, in a constant tension between wanting to fulfill those roles and at the same time escaping them. Paradoxically, it is precisely this unsolvable tension that allows for a space and a possible encounter. What has always fascinated me to this day about the mythologies of northeastern Argentina, where I grew up, is that they do not require any explanation. Mythical creatures have no origin and their acts don’t follow any purpose. Things just happen and that’s it. Why should we project the logic of our rational world to the supernatural one? Even more so, can we draw such a clear border between both worlds? Or is what we call the supernatural nothing more than an infinite network of phenomena as natural as wind or rain, which we simply cannot access yet? Perhaps what the bush claims for itself is no different from what it already has and what it already is. The borders between the human, the animal, the vegetable and the mineral, between the earth and the claw that steps on it, between the river and the eye that beholds it may just be another fiction. A story we tell to calm ourselves down.

Pienso a “El monte” como una película que se mueve entre tres géneros: el drama, el fantástico y el terror. Me gusta la fusión de géneros, pero no como un juego de referencias cinéfilas sino como proceso de respiración natural de la película. En este desplazamiento continuo de tonos y atmósferas está su identidad. Esta película echa luz sobre los alcances y los límites del entendimiento entre padres e hijos. Una defensa del desacuerdo. No hay reconciliación definitiva, no existe ese momento en el que se dispersa la bruma de nuestros prejuicios y finalmente comprendemos cabalmente al otro, de manera transparente y lúcida, sin ningún tipo de interferencia. La comunicación perfecta, qué entelequia. Si aceptamos esto como válido, queda por preguntarnos: ¿es posible habitar un vínculo aún en el el disenso y la mutua incomprensión? Así como nadie nace padre, nadie nace hijo. Ambos roles se construyen en el tiempo a la medida de nuestras herramientas y posibilidades. Algunos lo hacen mejor, otros peor. Algunos lo hacen de entrada, otros demoran un poco más. En “El monte” vemos a dos personas buscando a tientas, como pueden y con lo que tienen, este cómo-ser-padre y este cómo-ser-hijo, en una tensión constante entre querer ocupar esos papeles y a la vez rehuir de ellos. Es esta tensión irresoluble, paradójicamente, lo que hace posible un espacio para el encuentro. Lo que hasta el día de hoy me fascina de las mitologías del nordeste argentino, con las que crecí, es que no necesitan explicación. Las criaturas míticas no tienen origen y sus actos no obedecen a ninguna finalidad. Las cosas simplemente acontecen y ya. ¿Por qué extrapolar al mundo sobrenatural la lógica de funcionamiento de nuestro mundo racional? Y más aún: ¿Podemos trazar una frontera tan definida entre ambos mundos? ¿O lo que llamamos sobrenatural no es más que una infinita red de fenómenos tan naturales como el viento o la lluvia a cuyo conocimiento todavía no podemos acceder? Tal vez lo que el monte reclama para sí no sea nada distinto de lo que ya tiene y de lo que ya es. Las fronteras entre lo humano, lo animal, lo vegetal y lo mineral, entre la tierra y la garra que la pisa, entre el río y el ojo que lo observa, tal vez sólo sean una ficción más. Un cuento que nos contamos para tranquilizarnos.

  • Overview / Ficha técnica:

Director / Director: Sebastián Caulier

Script / Guión: Sebastián Caulier

Production / Producción: Daniel A. Werner

Cinematography and Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Nicolás Gorla

Art Director / Dirección de Arte: Andrea Benítez

Wardrove / Vestuario: Manuela Maglio, Victoria Nana

Make-Up & Hairdress / Maquillaje y Peinados: Mariela García

Film Editor / Montaje: Tomás Pernich, Federico Rotstein

Sound design / Diseño de sonido: Manuel de Andrés

Original Music / Música Original:

Cast / Elenco: Gustavo Garzón, Juan Barberini

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 23 BAFICI, Buenos Aires International Independent Film Festival; 04/2022; Argentina

– 8 Festival de Cine de Las Alturas (Special Mention); 09/2022; Argentina

– 8 Cine a la vista! International Youth Film Festival; 09/2022; Argentina

– 10 FAB, Bariloche Audiovisual Festival (Best Sound Design/Best Editing/Best Actor); 09/2022; Argentina

– 19 Tandil Cine Film Festival; 10/2022; Argentina

  • Links:

Trailer English Subtitles: 

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  • Contact / Contacto:

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Cuerpos Juzgados

Judged Bodies

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 01:06:00 / ratio 16:1 / 25 FPS / PAL / COLOR / Stereo / El Salvador-Argentina / Documentary Feature / Women, Family, Political, Portrait, abortion, penality, human rights, feminist, sexual violence, justice

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

“JUDGED BODIES” explores through the arrival of a journalist in El Salvador, the struggle of the feminist activist Morena Herrera and the Citizen Group for the decriminalization of abortion to free women who have been unjustly imprisoned, accused of having abortions with sentences of up to 40 jail years.

“CUERPOS JUZGADOS” explora a través de la llegada de una periodista a El Salvador, la lucha de la activista Morena Herrera y la Agrupación Ciudadana para liberar mujeres que han caído presas injustamente, acusadas de practicarse abortos, con penas de hasta 40 años de cárcel.

  • Synopsis / Sinopsis:

Journalist Mariana Carbajal reveals the reality of women in El Salvador, where one of the strictest abortion prohibition laws in the world is in force. Criminalized in all its causes since 1998, the persecution and imprisonment of poor women facing an obstetric emergency are a constant. In the voice of Cinthia, Teodora, and Evelyn, victims of this network of violence, a question is intuited: What is the chances of being free when the State does not guarantee the right to life?

La periodista Mariana Carbajal revela la realidad de las mujeres de El Salvador, donde rige una de las leyes de prohibición del aborto más estrictas del mundo. Penalizado en todas sus causales desde 1998, la persecución y el encarcelamiento de las mujeres pobres que enfrentan una emergencia obstétrica es una constante. En la voz de Cinthia, Teodora y Evelyn, víctimas de este entramado de violencias, se intuye una pregunta: ¿Qué posibilidad hay de ser libres cuando el Estado no garantiza el derecho a la vida?

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARIANA CARBAJAL

Journalist at Pagina 12 and host of the Punto Género show. Trainer in journalism with a gender and rights perspective. For her journalistic works, she has received numerous awards and distinctions. She is the author of four books and numerous articles. In 2017 she won the Lola Mora Award for Career. She was a promoter of the Ni Una Menos movement. Cuerpos Juzgados is her first documentary film.

Periodista en Página 12 y conductora del programa Punto Género en DTV. Capacitadora en periodismo con perspectiva de género y derechos. Por sus trabajos periodísticos ha recibido numerosos premios y distinciones. Es autora de cuatro libros y numerosos artículos. En 2017 obtuvo el premio Lola Mora a la Trayectoria y en 2022 el “LASA Media Award”. Formó parte del colectivo Ni Una Menos. Cuerpos Juzgados es su primer film documental.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Every time I re-watch Judgment Bodies, I am deeply moved by the stories of the women we interview, on one hand, those whose rights are violated by an unjust law, and on the other, that feminist plot that is being woven to get them out of jail. Without this committed and loving activism, dozens of women would continue to be imprisoned, forgotten, in the women’s prisons of El Salvador. Amplifying those voices is what motivated me to film this documentary.

Cada vez que vuelvo a ver Cuerpos Juzgados me conmueven profundamente las historias de las mujeres que entrevistamos, por una lado  aquellas cuyos derechos son vulnerados por una ley injusta, y por el otro, esa trama feminista que se va tejiendo para sacarlas de la cárcel. Sin ese activismo, comprometido y amoroso, decenas de mujeres seguirían presas, olvidadas, en las cárceles de mujeres de El Salvador. Amplificar esas voces, es lo que me motivó a filmar este documental.

  • Overview / Ficha técnica:

Director / Director: Mariana Carbajal

Script / Guión: Guadalupe Docampo, Mariana Carbajal

Production / Producción: Fernando Collazo

Executive Producer / Producción Ejecutiva: Lucia Lubarsky

Camera / Cámara: Luciana Rodríguez DaCunto

Film Editor / Montaje: Luciana Rodríguez Dacunto

Sound design / Diseño de sonido: Pablo Orzeszko

Original Music / Música Original: Paula Ramírez

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 8 Guayaquil International Film Festival; 08/2022; Ecuador

– 6 Bannaba Fest, Human Rights Int Film Festival; 09/2022; Panama

– 7 FCEE, Ecuador Etnographic Film Festival; 09/2022; Ecuador

– 9 Festival de Cine Leonardo Favio; 10/2022; Argentina

– 9 El Cine nos une, HHRR International Film Festivals; 10/2022; Colombia

– 2 MUMA Fest, International Women Film Festival; 10/2022; Argentina

– 18 WIFTV Mx, Women International Cinema & TV Festival; 10/2022; Mexico

– 8 Felina, Linares International Film Festival; 12/2022; Chile

  • Links:

Trailer English Subtitles: https://vimeo.com/677860041/56e0ff46fb  

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Con un ovillo de lana

With a Wool Ball

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:04:31 / 16:9 / Color / Stereo / NTSC / 24 FPS / Canon 6D / Dragon Frame y Adobe Premiere / stop motion / Animation short film: musical, country life, animals, childhood, children, educational / Buenos Aires, Argentina

  • Logline:

A northwestern winter is full of ponchos, mates, and warm stories.

Un invierno norteño lleno de ponchos, mates y cuentos que abrigan.

  • Synopsis / Sinopsis:

Among the hills of northwestern Argentina, a girl spends the winter in her hut. She weaves colored ponchos and goes in search of her friends, native animals of the area, to keep them warm with her wool and to invite them to her hut to drink mate together and warm up with a story and a song.

Entre los cerros del noroeste argentino, una chica pasa el invierno en su choza. Teje ponchos de colores y va en busca de sus amigos, animales nativos de la zona, para abrigarlos con sus lanas e invitarlos a su choza a tomar mate y calentarse con un cuento y una canción.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

BELÉN RICARDES

She studied Image and Sound Design at the University of Buenos Aires, and Piano at Manuel de Falla Conservatory. She composed soundtracks for web series, films, and video games. In 2016, she directed her first short film and founded the Audiovisual Production Company Ojos de Ciclope, which she directs. Currently, she is directing an animated series for children for a renowned public channel.

Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la UBA, en paralelo al Conservatorio de Piano. Realizó bandas sonoras para series web, largometrajes y videojuegos. En 2016 dirigió su primer cortometraje y fundó la Productora Audiovisual Ojos de Ciclope, que actualmente dirige y con la que se especializo en técnicas 2D y 3D de animación. Actualmente dirige una serie animada infantil para un reconocido canal de la televisión pública.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

“With a Wool Ball” was born from a trip I made to the northwest of Argentina, where I was able to learn a little about the magic of the place and the warmth of its people. From that trip, this project grew with the aim of bringing children closer to the sounds, native animals, landscapes, beauty, and magic of this place. The needle felting technique that was used in the short film is a technique widely used and developed in the area in which it takes place. For this reason and because of the warmth of the technique, because of the material it uses, which directly alludes to the winter coat, it found it to be the right technique to make the short film. The technique, as well as the color palette and the sound palette, were inspired by the nature and spirit of northwestern Argentina, with the search to transmit something of that magic that I consider so necessary for childhoods in particular and for our culture in general.

“Con un Ovillo de Lana” nació de un viaje que realicé al noroeste de Argentina, en el cual pude conocer un poco la magia del lugar y la calidez de su gente. A partir de ese viaje, este proyecto creció con el objetivo de interiorizar a las infancias en los sonidos, los animales nativos, los paisajes, la belleza y la magia de este lugar. La técnica de lana y aguja a la que se acudió para realizar el cortometraje es una técnica muy utilizada y desarrollada en la zona en la que transcurre. Por esta razón y por la calidez de la técnica y el material que utiliza, el cual alude directamente al abrigo del invierno, me pareció que se trataba de la técnica justa para llevar a cabo el cortometraje. Tanto la técnica, como la paleta de colores y la paleta sonora fue inspirada en la naturaleza y el espíritu del noroeste argentino, con la búsqueda de transmitir algo de esa magia que considero tan necesaria para las infancias en particular y para nuestra cultura en general.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Belén Ricardes

Producer / Producción: Belén Ricardes

Animation & Art Director / Animación y Dir. de Arte: Belén Ricardes

Stage Design / Escenografía: Belén Ricardes, Emilia Uriarte, Victoria Ricardes

Sound Design / Dirección de Sonido: Andres Fortunato

Original Music / Músca Original: Belén Ricardes

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://youtu.be/2E-pkqwNjU4

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Las Olas

The waves – Les vagues – As ondas

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:20:00 / Sony A7 III / 24 fps / 2.35 / Color / Stereo / Argentina / short film: portrait

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

“Las Olas” explores the effects of leisure and social isolation in a one person household. A young man has decided to be confined in a huge apartment, which will lead him to experience different types of emotions.

“Las Olas» es un retrato minúsculo que explora los estados alterados en la solitaria vida de Santiago. Un joven que se ha confinado en un departamento tan amplio como desierto. 

  • Synopsis / Sinopsis:

Santiago leads a solitary lifestyle, confined at his own place. Nothing important has happened lately and he finds himself more and more isolated, living in an apartment with huge empty rooms. It seems like his only task is to look outside the window and confirm that things are working well. All of a sudden, and against his will, he decides to rent out one of those rooms. “Las Olas” is a short play that explores the effects of leisure and social isolation in a one person household.

Santiago vive en estado de soledad confinado en su casa. En sus días no sucede nada relevante y se encuentra cada vez más aislado en un enorme departamento con habitaciones vacías. Su única actividad parece ser mirar por la ventana y confirmar que afuera todo circula normalmente. Pero un día, contra su propia voluntad, decide poner en alquiler una de las habitaciones. “Las Olas” es un retrato minúsculo que explora los estados alterados del ocio y la solitaria vida en un hogar.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

GUILLERMO SAREDO

Filmmaker, teacher, and graduate in social communication. He was born in the city of Santa Fe and studied Social Communication in Paraná, at the National University of Entre Ríos. In 2014 he migrated to Buenos Aires and entered the National School of Cinematographic Experimentation and Realization (ENERC) to pursue an editing career. He has edited in multiple cinematographic projects and is currently an instructor for Editing II at ENERC NOA. He recently wrote and directed his first short film “The waves”, selected at BAFICI [22].

Director, docente y Licenciado en Comunicación Social. Nació en la ciudad de Santa Fe y estudió Comunicación Social en la Universidad Nacional de Entre Ríos. En 2014 migró a Buenos Aires y se especializo en la carrera de montaje en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Ha editado múltiples proyectos cinematográficos y actualmente es instructor de Montaje II en la sede Noa de la ENERC en San salvador de Jujuy. Recientemente escribió y dirigió su primer cortometraje “Las olas” seleccionado en el BAFICI [22].

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Coincidentally or not, the story is about isolation and confinement but the film was shot in Buenos Aires at the beginning of 2020 before we even knew what quarantine was. It is fascinating to me how a film can gain new meanings depending on the time and socio-cultural context it’s been watched and in the case of “the waves” those meanings have changed greatly.

Casualidad o no, la historia trabaja alrededor de la soledad y el confinamiento sin embargo la película fue grabada en Buenos Aires antes del comienzo de la cuarentena.  Es fascinante para mí como un película puede ganar nuevos significados dependiendo el tiempo y el contexto sociocultural en el que es vista; y en el caso de “Las olas” esos significados han cambiado considerablemente.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Guillermo Saredo

Producer / Productor: Guillermo Saredo

Director / Director: Guillermo Saredo

Director Assistant / Asistente de Dirección: Fernando Caruso

Director of Photography / Dirección de Fotografía: Alejandra Bustos

Art Director / Dirección de Arte: Cecilia Correnti

Film Editor / Edición: Paula Bugni

Sound design / Diseño de sonido: Lautaro Zamaro (ASA)

Sound / Sonido: Gabriel Sigillo

Cast / Intérpretes: Santiago Basaldua, Pablo Lo Fiego

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 22 BAFICI; 03/2021; Argentina

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/639273123  

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La ventana de una casa donde una vez fuimos felices

The Window of a House Where We Were Happy

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) – 00:11:58 – Color – 24 FPS – NTSC – 5.1 – 2048×1080– 16:9 – 4kdocumentary short film: essay, portrait – Buenos Aires, Argentina

  • Logline:

After the sale of my grandparents’ house, I return with my camera to the place where I was born and it will never exist. A final tour of my childhood memories.

Tras la venta de la casa de mis abuelos, regreso con mi cámara al lugar que me vió nacer y ya no quedará en pie. Un recorrido por última vez a mis recuerdos de infancia.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

One last tour of my childhood home. After the sale of my grandparents’ house, I return with my camera to the place where I was born. The empty spaces serve to evoke memories and ghosts. A succession of memories rushed through a random tour of the old family home. A series of notes and writings not to forget to shape the memory and build a farewell.

Un recorrido por última vez a la casa de mi infancia. Tras la venta de la casa de mis abuelos, regreso con mi cámara al lugar que me vió nacer y ya no quedará en pie. Los espacios vacíos sirven para evocar recuerdos y fantasmas. Una sucesión de memorias apuradas por un recorrido azaroso por la vieja casa familiar. Una serie de notas y escritos para no olvidar para darle forma a la memoria y construir una despedida.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MATÍAS TAMBORENEA

He produced the documentaries “The Assembly”, “Tango en el Tasso”, “Generación artificial” and “Mothers of the gods”. Your projects are supported by INCAA,Centre National du Cinéma e l Image Animée, Société Civile des Auteurs Multimedia, Fondo Nacional de las Artes, Fundación YPF, Banco Itaú, Banco Industrial.

Produjo los documentales “La asamblea”, “Tango en el Tasso”, “Generación artificial” y “Madres de los dioses”. Sus proyectos cuentan con el apoyo de: INCAA,Centre National du Cinéma e l Image Animée, Société Civile des Auteurs Multimedia, Fondo Nacional de las Artes, Fundación YPF, Banco Itaú, Banco Industrial, entre otros. “La ventana de una casa donde una vez fuimos felices” es su primer cortometraje.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

The already empty house of my childhood is the starting point of this film. Involved in a loop where we don’t let it go.  One day that mechanism will end and the house will no longer belong to my family but to new inhabitants. For a long time, I prepared for that moment, thinking about what that farewell would be like and I set out to film it, empty, naked. Just a tour. Like an intimate and random journey. A last look at a place I will never return to. At times they are memories, at times poetry. A blurred boundary between memory and essay. I proposed that this journey be for those who see it, a space where they can put their memories and their own voice. How do we build the memory? How do we recreate it? By exploring the delicate traces of existence. Textures of the past that will be replaced. Noise and heat transformed into silence and space. Save a sensation and mold it to feel it again.

La casa ya vacía de mi infancia es el punto de partida de esta película. Enredada en un loop en el que no la dejamos ir.  Un día esa mecánica terminará y la casa ya no pertenecerá a mi familia sino a nuevos habitantes. Durante mucho tiempo me preparé para ese momento, pensando cómo sería esa despedida y me propuse filmarla, vacía, desnuda. Apenas un recorrido. Como un viaje  íntimo y azaroso. Una última mirada a un lugar al que no regresaré  jamás. Por momentos son recuerdos, por momentos poesía. Un límite borroso entre la memoria y el ensayo. Me propuse que este viaje sea para quien lo vea, un espacio donde pueda poner sus recuerdos y su propia voz. Como construimos el recuerdo? Cómo lo recreamos? Indagar en las huellas sutiles de la existencia. Texturas del tiempo pasado que serán reemplazadas. El ruido y el calor transformados en silencio y espacio. Guardar una sensación y moldearla para volver a sentirla nuevamente.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Matías Tamborenea

Director / Director: Matías Tamborenea

Production / Producción: Matías Tamborenea, Julieta Sabanes

Camera / Cámara: Matías Tamborenea

Sound Design / Diseño de Sonido: Emiliano Biaiñ

Editing / Montaje: Florencia Gomes García

Voices / Voces: Matías Tamborenea

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/586047678

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No Lullaby

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:03:58 / HD 1920×1080 / 2d Cel Animation / Software Toon Boom / 24 fps / 16:9 / Color / Sound: Stereo / Argentina / Music Video, commissioned film: family, brotherhood, trip, fantasy

  • Logline:

A girl tries to go back home with her little brother while she protects him from this wild imagination.

Una hermana mayor intenta volver con su hermano menor a casa, mientras lo protege de su exacerbada imaginación.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

EZEQUIEL TORRES

http://www.rudocompany.com/

We are Rudo Company, a 2D animation studio funded and directed by Ezequiel Torres and Pablo Rafael Roldán. We produce publicity projects and content for music videos, short films, and films. In 2017 we produced the music video «The Wolf» which has had more than 145 million views on Youtube. We are thrilled about creating pieces with different universes and intellectual property projects.

Somos Rudo Company, un estudio de animación 2D fundado y dirigido por Ezequiel Torres y Pablo Rafael Roldán. Realizamos proyectos de publicidad y contenido para video clips, cortometrajes y películas. En 2017 realizamos el videoclip “The Wolf”, que lleva más de 145 millones de vistas en Youtube. Nos entusiasman los proyectos de propiedad intelectual y crear piezas con diferentes universos.

  • Filmography / Filmografía:

– The Wolf (2017) Music Video / co-director

– Mr. Fear (2019) Music Video / co-director

– Tomorrow (2019) Music Video / co-director

– Summer Nights (2020) Music Video / co-director

– Penguin and Whale (2021) commissioned short film / co-director

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Pablo Roldán, Ezequiel Torres

Producer / Producción: Ezequiel Torres, Pablo Roldán 

Director / Director: Ezequiel Torres

Animation Direction / Dirección de Animación: Ezequiel Torres

Animator / Animadores: Patricio Rey, Juan Pedro Ramos, Ezequiel Torres, Emanuel Gimenez, Esteban Dunand, Sol Ferrari, Eugenia Beizo, Mariano Fernandez, Stepan Nikitin, Leandro Vargas, Iván Greco, Alice Sien

Art Director / Dirección de Arte: Pablo Roldán

Character Design / Diseño de Personajes: Pablo R Roldán, Matias Basla

Layout: Malena Medel, Elisa Rey

Lead Drawing: Malena Medel

Background: Pablo R. Roldán, Mariano Albano, Elisa Rey, Ines Fragueiro

Original Music / Música Original: Siamés

  • Festivals and Awardss / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 13 Anibar, Animation Film Festival; 07/2022; Kosovo

  • Links:

Social Media:

https://www.facebook.com/rudocompany/

https://www.facebook.com/pablo.rafael.roldan

https://www.facebook.com/ezequiel.torres.790

https://www.instagram.com/rudo.co/

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https://www.instagram.com/prr__.v._/

https://www.behance.net/rudocompany

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No Tocar

Do not touch –  Ne pas toucher

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:07:33 / ratio 2.39:1 / COLOR / SOUND 5.1 / HD / 24 FPS / NTSC / Canon 7d Mark II / Mexico-Spain / documentary short film: Arty, essay

  • Logline:

An essay on how art transmits ideas that push people to know their own limits and want to overcome them.

Un ensayo de cómo el arte transmite ideas que impulsan a las personas a conocer sus propios límites y querer superarlos.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

The role that museums play in society is more than just displaying works. A series of metaphors illustrate how the sense of touch is an innate form for accessing knowledge. The hands featured in the works exhibited at the Hermitage Museum demonstrate how art can generate ideas that encourage people to know their own limits and want to overcome them.

El papel que juegan los Museos en la sociedad actual va más allá de exponer obras. Una serie de metáforas ilustran cómo el sentido del tacto es una forma innata de acceso al conocimiento, las manos representadas en las obras del Museo Hermitage demuestran cómo el arte produce ideas que impulsan a las personas a conocer sus límites y querer superarlos.

  • Synopsis / Sinopsis:

The important role that museums play as part of contemporary society is more than just displaying a collection of works. In this film, a series of metaphors illustrate how the sense of touch is an innate form for accessing knowledge. The hands featured in the different works exhibited at the Hermitage Museum are the protagonists who demonstrate how art can generate ideas that encourage people to know their own limits and want to overcome them.

El importante papel que juegan los Museos en la sociedad contemporánea va más allá de exponer un conjunto de obras. En esta película, una serie de metáforas ilustran cómo el sentido del tacto es una forma innata de acceso al conocimiento, las manos que figuran en las diversas obras del Museo Hermitage son las protagonistas que demuestran cómo el arte permite originar ideas que impulsan a las personas a conocer sus propios límites y querer superarlos.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

ARTURO AGUILAR

Mexico/España

https://www.linkedin.com/in/aarturoaguilar/

Director, Ph.D. student, animator, and sound designer. His short films “The scape of the 45″ (2016) and “Call Confession» (2018) have been considered in the official competition of several festivals, including Malaga, Sitges, Guadalajara, Shenzhen, and Hot-Docs where he won the award for the best international short film. «Spouses» is the last documentary feature film where he has collaborated as a post-producer.

Director, estudiante de doctorado, animador y diseñador de sonido. Sus cortometrajes “La fuga de los 45” (2016) y “Confeso” (2018) han sido considerados dentro de la competencia oficial de festivales como Málaga, Sitges, Guadalajara), Shenzhen y Hot-Docs en donde fue ganador del premio al mejor cortometraje internacional. “Conyuges” es el último largometraje documental dónde ha colaborado como postproductor.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This Documentary-Essay comes out of a trip I made to St. Petersburg, Russia, in December 2019. I attended by invitation to a media and journalism festival to present «Call Confession» at the theatre of the Hermitage Museum. The event organizers told us that we had the opportunity to get full access and permission to film inside the museum and make a film. I decided to shoot only the hands that appeared on the paintings and sculptures in the museum because I believe that they alone convey different meanings.  The documentary is a kind of manifesto about the challenges faced by the artist when starting a new work or project. I believe that this fear of the blank canvas, or the uncertainty that is generated when facing a new beginning, is an essential part of creating knowledge. With this documentary essay, I want to make an invitation to other people to get to know and overcome the frontiers of what we are unaware of in our own experience. The documentary begins by presenting the last stage of artistic creation, the exhibition of the work, and its main objective is to explain how this stage triggers another one where everything starts again, germinating a new idea in the mind of the person who is in front of the exhibited work. Likewise, the documentary suggests the importance that the sense of touch has in artistic practice, because it is a way to produce knowledge, and practice-led research implies new paradigms where the act of research is no longer treated as something monolithic. The synthetic and narrating voice of the documentary (artificial intelligence) has two meanings, one authoritative and the other suggestive, both of which can be interpreted as the internal dialogue that takes place at the beginning of a new project. The music of the documentary is composed of two drum sets, one located on the left of the sound field, and the other on the right, together, they are intended to be a sound metaphor for the two hemispheres of the human mind.

Este Ensayo-Documental surge a partir de un viaje que hice a San Petersburgo, Rusia, en diciembre de 2019. Asistí por invitación de un festival de medios audiovisuales y periodismo para presentar “Confeso” en el teatro del Museo Hermitage. Los organizadores del evento nos comunicaron que teníamos la oportunidad para tener acceso total y permiso para grabar al interior del museo y hacer una película. Decidí fotografiar únicamente las manos que aparecían en las obras pictóricas y escultóricas del museo porque considero que por sí solas transmiten diversos significados. El documental es una especie de manifiesto sobre los desafíos a los que se enfrenta el artista cuando inicia una nueva obra o proyecto. Creo que el miedo al lienzo en blanco, la incertidumbre que se genera frente a todo nuevo comienzo es parte esencial en la generación del conocimiento. Con este ensayo documental quiero hacer una invitación a otras personas a conocer y querer trascender las propias fronteras de aquello que desconocemos en nuestra experiencia. El documental inicia presentando la última etapa de la creación artística, la exhibición de la obra, y tiene como objetivo principal explicar cómo esta etapa desencadena otra donde todo vuelve a iniciar, con el germinar de una nueva idea en la mente de la persona que está frente a la obra expuesta. Asimismo, el documental sugiere la importancia que el sentido del tacto tiene en la práctica artística, porque es una vía para producir conocimiento, donde la investigación dirigida por la práctica supone nuevos paradigmas donde el acto de investigar deja de ser tratada como algo monolítico. La voz sintética y narradora del documental ( inteligencia artificial ) tiene dos acepciones, una autoritaria y otra propositiva, ambas pueden interpretarse como el diálogo interno que sucede frente al comienzo de un nuevo proyecto. La música del documental está compuesta por dos juegos de batería, uno localizado a la izquierda del campo sonoro, y el otro a la derecha, en conjunto, pretenden ser una metáfora sonora de los dos hemisferios de la mente humana.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Arturo Aguilar

Producer / Productor: Luis Manuel Renteria Pimentel

Director / Director: Arturo Aguilar

DoP / Dirección de Fotografía: Arturo Aguilar

Film Editor / Montaje: Arturo Aguilar

Sound design / Diseño de sonido: Arturo Aguilar

Original Musiv / Música Original: Arturo Aguilar

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/655245371/2752bb6ff7

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Puede una Montaña Recordar

Can a mountain recall

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:20:30 / ratio 1.89 / COLOR / SOUND 5.1 / HD / 24 FPS / NTSC / Mexico-Argentina / documentary short film: essay, women, social issues – student film

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

The smoke emerging from the volcano augurs a repressed but rebellious heart. Is there empathy between the volcanic eruption and the social claim?

El humo que emerge del volcán augura un corazón reprimido pero rebelde. ¿Existe una empatía entre la erupción volcánica y el hervor social?

  • Synopsis / Sinopsis:

A personal diary of a period living in Mexico and a portrait of the Popocatepetl, an active volcano. During the conquest, the Mexican revolution, the rise of the EZLN, and nowadays the feminist outburst, the volcano replied with its eruptions to the social claim. ¿Can a mountain recall? The smoke emerging from the crater augurs a rebel but suffocated heart, in the line that draws in the horizon a see a scar.

El diario de un período vivido en México y un retrato del Popocatépetl, un volcán activo. Durante la conquista, la revolución mexicana, el alzamiento del EZLN y hoy el estallido feminista el volcán replicó el hervor social con sus erupciones. ¿Puede una montaña recordar? El humo que emerge del cráter augura un corazón rebelde y sofocado, en la línea que dibuja en el horizonte veo una cicatriz.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

DELFINA CARLOTA VÁZQUEZ

https://cargocollective.com/delfinacvazquez

Delfina Carlota Vazquez, 1993, Mendoza, Argentina. Studied audiovisual arts in the UNA in Argentina and the BUAP in Mexico. She developed as DoP in several documentaries and video clips. Her photo book Kypros was a finalist in CDF Montevideo. Since 2018 she participates in Asolar and Proyectorazo, both artivist collectives. In 2021 she wrote and directed “Can a mountain recall”.

Delfina Carlota Vazquez, 1993, Mendoza, Argentina. Estudió cine en la UNA (Argentina) y en la BUAP (Mexico). Su foto-libro KYPROS participó como finalista en el encuentro de foto-libros de CDF Montevideo. Desde 2018 participa en los colectivos artivistas ASOLAR y PROYECTORAZO que intervienen el espacio público con proyecciones visibilizando reclamos de igualdad de género y derechos humanos. Escribió y dirigió el corto documental “Puede una montaña recordar” ganador de la competencia internacional de cortometrajes en E tudo verdade 2021.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

The morning I learned that in Argentina the decriminalization of abortion had been rejected by congress I felt a deep disappointment and remoteness, I went to the window and saw the volcano, it had launched a huge fumarole, then I felt that the tension between the people and the volcano existed. At distance from my place of origin, I wondered what it is that unites us to places. I learned that this volcano reacts to the transformative events that the society that surrounds it is going through and then the Popocatepetl revealed itself to me as the suffocated heart of the people.

Cuando me enteré que en Argentina la despenalización del aborto había sido rechazada me sentí aún más lejos, me acerqué a la ventana y ví el volcán, había lanzado una enorme fumarola. Supe que este volcán reaccionó a los sucesos que pusieron en disputa el territorio que lo rodea y entonces el Popocatepetl se me develó como el corazón sofocado del pueblo. Este trabajo nace desde el desarraigo, como una forma de sensibilizar acerca de la empatía entre lxs sujetxs y la tierra que habitan.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Delfina Carlota Vázquez

Producer / Productor: Florencia Azorin

Director / Director: Delfina Carlota Vázquez

DoP / Dirección de Fotografía: Evelyn Muñoz, Delfina Carlota Vázquez

Film Editor / Montaje: Tatiana Mazú González

Sound design / Diseño de sonido: Nina Corti

Narrator / Narrador: Delfina Carlota Vázquez

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 26 It’s All True, International Documentary Film Festival (Best Int Short Film); 04/2021; Brazil

– 32 Curta Kinoforum, Sao Paulo ISFF; 08/2021; Brazil

– 5 Black Canvas, Contemporary Film Festival; 10/2021; Mexico

– 17 FestiFreak, International Independent Film Festival; 10/2021; Argentina

– 24 RIDM, Montreal International Documentary Festival; 11/2021; Canada

– 16 Pravo Ljudski Film Festival; 12/2021; Bosnia & Herzegovina

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/542868125

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Mi Mamá se fue con las Vacas

My mother went with the cows

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:19:22 / 2K /Color / 24 fps/ 1.89:1 /NTSC / Stereo /Mexico/ narrative short film: Drama, family, childhood

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Elías is a 7-year-old boy who faces the abandonment of his mother. Accompanied by depression and lack of communication from his father, Elías escapes into his fantasies to feel free and will seek his mother to the last consequences.

Elías es un niño de 7 años que se enfrenta al abandono de su madre. Acompañado de la depresión y falta de comunicación por parte de su padre, Elías escapa hacia sus fantasías para sentirse libre y buscará a su madre hasta las últimas consecuencias.

  • Synopsis / Sinopsis:

Elías is a 7-year-old boy who faces the abandonment of his mother. Elías lives in a low-income house, for which he must work long hours in the family business: a taqueria in town. His father, José, faces depression and does not know how to communicate with his son, which causes frustration in Elías. Elías decides to escape into his fantasies to feel free and will seek for his mother until the last consequences.

Elías es un niño de 7 años que se enfrenta al abandono de su madre. Elías vive en una casa de bajo ingreso económico, por lo cual debe trabajar largas jornadas en el negocio familiar: una taquería del pueblo. Su padre, José, se enfrenta a una depresión y no sabe cómo comunicarse con su hijo, esto ocasiona frustración en Elías. Elías decide escapar hacia sus fantasías para sentirse libre y buscará a su madre hasta las últimas consecuencias.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARÍA JOSÉ IBARRA VALDÉZ

María José Ibarra Valdez is a Mexican born in Sinaloa, Mexico. Passionate about cinema from a very young age, she decides to study filmmaking in New York and Mexico City to become a writer and director. Inspired by the emotions and conflicts of the human being, Maria presents her vision of life to express her inner self.

María José Ibarra Valdez es una mexicana nacida en Sinaloa, México. Apasionada por el cine desde muy pequeña, decide estudiar en Nueva York y Ciudad de México realización cinematográfica para convertirse en escritora y directora. Inspirada en las emociones y conflictos del ser humano, María presenta su primer cortometraje para expresar lo más profundo de su interior

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:
  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: María José Ibarra Valdéz

Producer / Producción: María José Ibarra Valdéz

Director / Director: María José Ibarra Valdéz

Director Assistant / Asistente de Dirección:

DoP / Dirección de Fotografía: Marta Moreno

Art Director: Aretha Romero

Wardrove / Vestuario: Maria Alejandra Herrera

Make-up / Maquillaje: Leticia Toledo

Film Editor / Edición: Iván Pelayo

Sound design / Diseño de sonido: Andrés Coria

Cast / Elenco: Raúl Briones: José; Ismael Uribe: Elías; Ricardo Velderrain: Chuy; Priscila: Roxana Cisneros; Majo Ibarra: María

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 49 Huesca Film Festival: 06/2021

– 17 Monterrey International Film Festival; 08/2021

– 16 Shorts Mexico International Film Festival; 09/2021

– Portland International Film Festival; 10/2021

– 8 Alexandria Short Film Festival; 02/2022; Greece

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Dulce

Sweet

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) – 00:21:59 – Color – 2K – 24 FPS – PAL – Stereo – 1.85:1Argentina/Germany – narrative short film – dramedy, social issue, health

  • Synopsis / Sinopsis:

When starting a sugar-free diet, the subjugated father of an Italian family tries to rise up against a dietary dictatorship in a home ruled by his astute wife.

Tras comenzar una dieta restrictiva en azucares, el subyugado padre de una familia italiana busca rebelarse contra una dictadura dietética en un hogar dominado por su astuta esposa.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JOSÉ MARÍA CARRIZO

https://vimeo.com/user12052733

He graduated as producer and director for TV in the National Institute of Radio and Television (ISER) in 2009 to later take a Bachelor in Audiovisual Arts in the National University of Arts (UNA). In 2015 he moved to Berlin, Germany where he developed a thriving career as an international producer, managing audiovisual projects for different companies in South America, Europe, and Asia, filming around the globe. He released “Fiambre” in 2019, his first work as director and writer. The narrative of his films shows a preference for dark comedy, putting in evidence the absurd of the Argentinian middle-class environment where he grew up.

Se graduó como director de TV en el Instituto Superior de Enseñanza Radiofónica (ISER) en 2009 para luego cursar la Licenciatura en Artes Audiovisuales en la Universidad Nacional del Arte (UNA) en Argentina. En 2015 se mudó a Berlín donde desarrollo una prospera carrera como productor internacional, administrando proyectos audiovisuales para diferentes compañías en Sudamérica, Europa y Asia, filmando alrededor del mundo. En 2019 presentó “Fiambre”, su primer trabajo como director y guionista. La narrativa de sus películas muestra una preferencia por la comedia negra, donde se pone en evidencia el absurdo de la clase media Argentina, ambiente donde creció.

  • Director’s Statement:

SWEET points out the limit between health and happiness. Our moral is constantly influenced by nutritionists (and now also virologists) that, with an endless amount of data and numbers, dictate what we have to do. This dark comedy suggests that “healthy” cannot be the only moral rule of our decisions.

DULCE señala el límite entre la salud y la felicidad. Nuestra moral está constantemente influenciada por nutricionistas (y ahora además virólogos) que, con un sinfín de datos y números, predican lo que debemos hacer. En código de comedia negra, DULCE sugiere que lo saludable no puede ser el único rector moral de nuestras decisiones. 

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: José María Carrizo

Director / Director: José María Carrizo

Production / Producción: José María Carrizo

Cinematography / Dirección de Fotografía: Pablo Orellana  

Art Director & wardeobe / Directora de Arte y Vestuario: Agustina Iezzi

Make Up / Maquillaje: Lorena Nieves, Bárbara Velinsone

Editing / Montaje: Alejandro Ramos Corral

Sound / Sonido: Eddie Frutos

Sound Design / Diseño de Sonido: Gastón Ibarroule

Original Music / Música Original: Roberto Vincenti

Cast / Intérpretes: Cesar Genovesi, Paula Rocha

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 23 BAFICI, Buenos Aires International Independent Film Festival; 04/2022; Argentina

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1% Milk

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) – 00:06:43 – Color – 24 FPS – NTYC – Stereo – 16/9: 1280*720– HD 3D computer – animation short film – environmental, work, ecology – student film – Peru

  • Logline:

A young milk goat discovers the ugly truth behind the dairy farm that she works for.

Una joven cabra descubre la verdad detrás de la fábrica explotadora donde trabaja.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

The story takes place in the «Milkily» ice cream factory where Goya, a young goat, works amazingly giving her milk like many others, ignorant to the outside world. Goya spends the day in an exhausting routine, locked in a cubicle while working on the production line until an accident with the extraction machine changes her life forever.

La historia toma lugar en la fábrica de helados “Milkily” donde Goya, una cabra joven, trabaja incansablemente dando de su leche como muchas otras, ignorantes al mundo exterior. Goya pasa el día en una rutina agotadora, encerrada en un cubículo, siendo ordeñada mientras trabaja en línea de producción, hasta que un accidente con la máquina extractora cambia su vida para siempre.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

The story takes place in the «Milkily» ice cream factory where Goya, a young goat, works amazingly giving her milk like many others, ignorant to the outside world. Goya spends the day in an exhausting routine, locked in a cubicle while working on the production line until an accident with the extraction machine changes her life forever. In an attempt to escape from the guard for fear of being punished after that incident, Goya stumbles upon the big boss’ office. Who she thought was kind and considered turned out to be a greedy dwarf, wasteful of the money he obtains from the hard work of Goya and her companions. Unable to take the abuse any longer, Goya bravely lashes out at the boss and frees the other workers from the office control panel. This is how they managed to recover the fruits of their labor and leave behind the tyrannical chains that imprison them in the factory.

La historia toma lugar en la fábrica de helados “Milkily” donde Goya, una cabra joven, trabaja incansablemente dando de su leche como muchas otras, ignorantes al mundo exterior. Goya pasa el día en una rutina agotadora, encerrada en un cubículo, siendo ordeñada mientras trabaja en línea de producción, hasta que un accidente con la máquina extractora cambia su vida para siempre. En un intento de escapar del guardia por miedo a ser castigada después de aquel incidente, Goya se topa con la oficina del gran jefe, Don Halib Ghani. Quien pensó que era un hombre amable y considerado resultó ser un chivo enano, avaro y dispendioso del dinero que obtenía del duro trabajo de Goya y sus compañeras. Incapaz de seguir soportando el abuso, Goya arremete contra el jefe en un acto de valentía y libera a las demás trabajadoras desde el panel de control de la oficina. Así es como ellas logran recuperar los frutos de su labor y dejan atrás las tiránicas cadenas que las mantenían presas en la fábrica.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

GREY ENDRUHN

www.grrey.net

Student graduated from the Toulouse Lautrec Design Institute in Lima, Peru; director of renowned award-winning student short films: «Merenguito» (2020) the story of a little piñata boy victimized by school bullying, and «1% MILK» a film about a young milk goat suffering from exploitation in an ice cream factory.

Estudiante egresadx Instituto de Diseño Toulouse Lautrec en Lima, Perú; directorx de reconocidos cortometrajes estudiantiles ganadores de premios: «Merenguito» (2020), una tragedia sobre un pequeño niño piñata víctima del acoso escolar, y «1% MILK» (2022), una historia en 3D sobre una joven cabra lechera que sufre explotación en una fábrica de helados.

  • Filmography:

Merenguito (2020) 2d Animated, Student Short

  • Director’s Statement / Declaraciones de la Directora:

Why is 43% of all wealth concentrated in the hands of 1% of the population? With each passing year, the rich get richer, and the poor get poorer. It seems like a slogan that is shouted against capitalism to discredit the wealth of certain people, but this fact becomes real and measurable every year. MILK 1% arose from this reality. It is a satirical story that encourages thinking about the unfair workings of the industrial labor system and the lack of morality of its leaders, things that are often overlooked when we enjoy their products. In 1% MILK, the problem of labor exploitation and wealth accumulation is portrayed through an analogy and symbolic character, each one representing a different group and social role. From the exploited worker to the greedy bourgeois and the corrupt policeman. The milk is extracted from the poor goats in the same way that the fruits of labor are snatched from the hands of the working class, hence the title. Generation Z and millennials tend to be the most frustrated by the flaws in the system we live in. The prominence of anti-capitalist ideas in this age range is overwhelming. That is why we seek to appeal to those sensitivities with the theme of the short, and encourage reflection and thought about the problems of the capitalist model.

Porqué el el 43% de toda la riqueza esté concentrada en manos del 1% de la población? Con cada año que pasa, los ricos cada vez más ricos, y los pobres cada vez más pobres. Parece una consigna que se grita contra el capitalismo para desprestigiar la riqueza de ciertas personas, pero este dato se hace real y medible cada año. 1% MILK surgió de esta realidad. Es un relato satírico que fomenta el pensamiento sobre los funcionamientos injustos del sistema laboral industrial y la falta de moral de sus dirigentes, cosas que muchas veces pasamos por alto cuando disfrutamos de sus productos. En 1% MILK, el problema de la explotación laboral y acumulación de riqueza se retrata a través de una analogía y personajes simbólicos en el corto, cada uno representando un grupo y rol social distinto, desde el trabajador explotado, al burgués avaro y el policía comprado. La leche se extrae de las pobres cabras de la misma forma que los frutos del trabajo se arrebatan de las manos de la clase trabajadora, de allí proviene el título. La generación Z y los millenials tienden a ser la que se siente más frustrada por las fallas del sistema en el que vivimos. La prominencia de las ideas anticapitalistas en este rango etario es abrumadora. Es por eso que buscamos apelar a esas sensibilidades con la temática del corto, y fomentar la reflexión y el pensamiento sobre los problemas del modelo capitalista.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Grey Endruhn

Director / Director: Grey Endruhn

Production / Producción: Grey Endruhn

Art Director / Dirección de Arte: Grey Endruhn

Animation Director / Dirección de Animación: Grey Endruhn

3D Animation Director / Dirección de Animación 3D: Víctor Arriojas

3D Modeling / Modelado 3D: Victor Arriojas, Jesus Jimenez, Felipe Melgarejo, Leonardo Mejia

Editing / Montaje: Grey Endruhn

Sound Design / Diseño de Sonido: Grey Endruhn

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

– 15 Animart Festival; 07/2021; Greece

– 6 Ajayu, International Animation Film Festival; 09/2021; Peru

– 4 LAN Workers’ Film Festival; 09/2021; Spain

– 5 Chaniartoon, International Comic & Animation Festival; 09/2021; Greece

– 5 Anima Latina, Latin American Animation Festival; 10/2021; Argentina

– 20 Animae Caribe International Animation & Digital Media Festival; 12/2021; Panama

  • Links:

Trailer: https://youtu.be/7GNQ0sjOpXM

Social Networks:

https://www.facebook.com/ONEPERCENTMILK/

https://www.facebook.com/mvendruhn/

https://www.instagram.com/arsontek/

http://instagram.com/films.to.festivals

https://www.facebook.com/films2festivals/

https://www.twitter.com/films2festivals/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

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  • Training Institution:

Toulouse Lautrec

Animación Digital

https://www.toulouselautrec.edu.pe/carreras-profesionales-tecnicas/animacion-digital

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Pilona

Bedwetter

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:15:00 / RED Dragon / 2K /Color / Fps: 24/ 2:35:1 /Stereo /Peru/ dramedy, children, family, child abuse

  • Logline:

A stalked girl, a Nanny who will try to prove that good wishes can come true.

Una niña acechada, una Nana que intentará probar que los buenos deseos se pueden hacer realidad.

  • Synopsis / Sinopsis:

LEA, a 10-year-old girl, still urinates in bed. Gloria, her mother, divorced and almost absent, is looking for a babysitter. This is how MARIA arrives, a young woman who believes with the fervor that good wishes can come true. Maria will try to overcome Lea’s hostility and discover a dark secret.

LEA, a sus 10 años aún se orina en la cama. GLORIA, su madre, divorciada y casi ausente, le busca una nana.  Así llega MARÍA, una joven que cree con fervor que los buenos deseos se pueden hacer realidad. María tratará de vencer la hostilidad de Lea y en este intento descubrirá un oscuro secreto.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

LEA, a 10-year-old girl wets the bed every night. Behind this disorder, there is a hidden secret that makes her a hostile and incredulous child. GLORIA, her mother, divorced and almost absent, is looking for a nanny for her daughter. This is how MARÍA will arrive, a woman from the Peruvian highlands who fervently believes that good wishes can come true. It will be thanks to those fervent wishes that LEA will find the way to her freedom and happiness.

LEA, una niña de 10 años se orina en la cama todas las noches. Detrás de este trastorno hay un secreto oculto que hace de ella una niña hostil e incrédula. GLORIA, su madre divorciada y casi ausente busca una nana para su hija.  Así llegará MARÍA, una mujer de la sierra peruana que cree con fervor que los buenos deseos se pueden hacer realidad. Será gracias a esos fervientes deseos que LEA encontrará el camino hacia su libertad y felicidad.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JULY NATERS

Peruvian

Founder of PATACLAUN, a theater group that has achieved great success in Peruvian theater and television for several years. She has created and directed theater shows and TV series, and is currently developing an animated feature film, “BOBO”, winner of the financing contest of the Ministry of Culture of Peru. PILONA is her first cinematographic work.

Fundadora de PATACLAUN, agrupación teatral que alcanza por varios años gran éxito en el teatro y la televisión peruana. Ha creado y dirigido espectaculos de teatro y series de TV, actualmente desarrolla un largometraje de animación, “BOBO”, ganador del concurso de financiamiento del Ministerio de Cultura de Perú. PILONA es su primera obra cinematográfica.

July Naters created in Peru a highly successful entertainment brand: Pataclaun. For more than 25 years she has created a dozen shows, 5 TV series, a short film and is currently creating his first 3D animated feature film. Director of the PATACLAUN School of Improvisation and Claun, she was the main promoter of the research of Theatrical Improvisation in Peru for more than 15 years, leading her cast to be runners-up of Improvisation Match in Spain and Champions in Peru. She worked with Ivonne Leduc, creator of the Improvisation Match (Canada). She has participated in several Festivals in Colombia, Ecuador, Chile, Argentina, Uruguay, Puerto Rico, Spain and the US, and has taught in different countries and cities in her own country.

July Naters creó en el Perú una marca de entretenimiento de gran éxito: Pataclaun. Durante mas de 25 años ha creado una docena de espectáculos, 5 series de tv, un cortometraje cinematográfico y actualmente se encuentra creando su primer largometraje de animación en 3d. Directora de la Escuela de Improvisación y Claun de Pataclaun, fue principal promotora de la investigación de la Improvisación Teatral en el Perú durante mas de 15 años, llevando a su elenco a ser sub campeones de Match de Improvisación en España y Campeones en el Perú. Trabajó de la mano de Ivonne Leduc creador del Match de Improvisación (Canadá). Ha viajado a diferentes Festivales en Colombia, Ecuador, Chile, Argentina, Uruguay, Puerto Rico, España y EEUU, y ha enseñado en diferentes países y ciudades de su país.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: July Naters

Producer / Producción: Beto Benites

Producer Manager / Dirección de Producción: Beyker Bances

Director / Director: July Naters

Director of Photography / Dirección de Fotografía: Alexandra Henao

Art Director: Marissa Nuñez

Film Editor / Edición: Fabiola Sialer

Sound design / Diseño de sonido: Rosa María Oliart

Original Music / Música Original: Magali Luque

Cast / Elenco: LEA: Uma Mikati Bernaola; NANA: Santa Ventura; MADRE: Kareen Spano; ESTEBAN: Luis Herrera; PADRE: José Miguel Arbulú

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 26 Regard International Short Film Festival (Best short Film); 03/2022; Canada

– 10 BioBio Cine, International Film Festival; 07/2022; Chile

– 26 Lima Film Festival; 08/2022; Peru

– 45 LUCAS International Festival for Young Film Lovers; 10/2022; Germany

– 36 AFI Fest; 11/2022; US

– 25 Olympia International Film Festival for Children and Young People; 12/2022; Greece

  • Links:

Social Network:

https://www.instagram.com/july_naters/

https://www.facebook.com/betobenites

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  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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SOW

Sow / Semer

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:08:27 / 4K 3996 x 2160 / Stop Motion Puppets – Sets Scaled Technique / Camera: Canon 5D Mark II / Software: Dragonframe / 1.85:1 / 24 FPS / Color / Sound: 5.1 / Argentina-Denmark / animation short film, environmental, activism

  • Logline:

A scientist sowing a plant that takes all over the cities and changes the world as we know it.

Un científico siembra una planta que invade las ciudades y cambia el mundo tal como lo conocemos.

Un scientifique sème une plante qui envahit les villes et change le monde tel que nous le connaissons.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Ricky, an activist scientist has been accused of committing a terrorist attack by sowing a plant that destroys electrical and communications networks all over the world. He hides from his persecutors in his former lab while trying to find an answer for why the plant is not giving fruit.

Ricky, un científico activista, acusado de cometer un ataque terrorista por sembrar una planta que destruye la red de electricidad y comunicaciones, se esconde de la policía en donde solía ser su laboratorio mientras intenta encontrar la respuesta a porque las plantas no están dando fruto.

Ricky, un scientifique activiste, accusé d’avoir commis une attaque terroriste en plantant une usine qui a détruit le réseau électrique et de communication, se cache de la police où se trouvait son laboratoire alors qu’il essaie de trouver la réponse à pourquoi les plantes ne portent pas de fruits .

  • Synopsis / Sinopsis:

Ricky, an activist scientist, has been accused of committing a terrorist attack that consisted in sowing a plant that grew and took all over the cities, destroying the electrical and communication networks, changing the world as we know it. The story begins when Ricky hides from his persecutors in what used to be his laboratory and remembers how it all began. Standing anguished in this scenario, he tries to find an answer for why the plant is not giving fruit.

Ricky, un científico activista, es acusado de cometer un ataque terrorista que consistió en sembrar una planta que invadió las ciudades, destruyendo la red de electricidad y de comunicaciones, cambiando el mundo como lo conocemos. La historia comienza cuando Ricky se esconde de la policía donde solía ser su laboratorio y recuerda cómo empezó todo. Angustiado en este escenario, intenta encontrar la respuesta a porque las plantas no están dando fruto.

Ricky, un scientifique activiste, est accusé d’avoir commis un attentat terroriste consistant à planter une usine qui a envahi les villes, détruit le réseau électrique et de communication, changeant le monde tel que nous le connaissons. L’histoire commence lorsque Ricky se cache de la police où se trouvait son laboratoire et se souvient comment tout a commencé. Désemparé dans ce scénario, il essaie de trouver la réponse aux raisons pour lesquelles les plantes ne portent pas de fruits.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

AGOSTINA RAVAZZOLA

https://vimeo.com/agostinaravazzola

Agostina Ravazzola based in Buenos Aires has directed two short films and two music videos. The bridge (2012), Pixied (2017), Mofletes (2018), and Ostrich (2019) were selected in many festivals such as Festival Internacional de Mar del Plata among others. Sow (2022) her latest short film was selected to be part of Open Workshop residency in The Animation Workshop, where she did the post-production (Denmark).

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Imagine one day you wake up, and the whole city is green, full of plants. Imagine one day there is no power or internet because of this invasion of nature. Welcome to Sow´s world, a dystopian place where the system has been shut down from one day to another. Where human beings are forced by nature to change the way they live. Where past and present merge into our eyes and only the force of change, of difference, moves and disturbs our audiovisual experience, making space for reflection. 

Imagina un día, despertar y encontrarse con toda la ciudad invadida por plantas. Imagina que ese día, no hay más electricidad o internet por esta invasión. Bienvenidos al mundo de Sembrar, un lugar distópico donde el sistema ha sido apagado de un día para el otro. Donde los humanos son forzados por la naturaleza a cambiar el modo en el que viven. Donde pasado y presente se funden en nuestros ojos y solo la fuerza del cambio mueve y perturba nuestra experiencia audiovisual, haciendo lugar para la reflexión.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Agostina Ravazzola

Producer / Producción: Agostina Ravazzola

Director / Director: Agostina Ravazzola

Cinematography / Dirección de Fotografía: Bela Tagliabue, Carolina Rolandi

Animation Direction / Dirección de Animación: Agostina Ravazzola

Animation / Animación: Agostina Ravazzola, Miriana Bazán Cibeira, Verónica Vargas

Art Director / Dirección de Arte: Agostina Ravazzola

Editing / Montaje: Agostina Ravazzola

Sound Design / Diseño de Sonido: Thomas Christian Richard

Original Music / Música Original: Thomas Christian Richard

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/agostinaravazzola/sowteaser

https://www.instagram.com/agos_ravazzola

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

https://www.instagram.com/films.to.festivals/

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FUEGO

Fire

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:01:52 / HDV / 2D, 3D Digital / Software: Photoshop + After Efects / 1:1 / Color / Sound: Stereo / Argentina / animation short film, experimental

  • Logline:

Fire is action. Where everything converges and melts together. The meeting point, the turning point. What lets us be in this world, take charge of that fire and re-signify what’s inherently human.

Fuego es la acción. Donde todo confluye, el centro de reunión, un punto de inflexión y expansión. Aquello que nos permite ser en el mundo, hacernos cargo del fuego y revalorizar el patrimonio de lo humano.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARO MARGULIS

www.maromargulis.com

Maro Margulis, was borned on July the 30 1991, in Buenos Aires, Argentina. He is a Graphic Designer, graduated from Buenos Aires University (UBA) where he also taught. Currently, he is working freelance on different projects as an art director and illustrator. At the same time, he explores several animation techniques, including traditional and digital. Fire is his first personal short film created during the Covid pandemic in 2020, in which several of the explored techniques converge.

Maro Margulis, nacido el 30 de junio de 1991 en Buenos Aires, Argentina. Es Diseñador Gráfico recibido en la UBA en la cual también fue docente. Actualmente trabaja de manera independiente en distintos proyectos como director de arte e ilustrador. A su vez explora distintas técnicas de animación tradicional y digital. Fuego es su primer corto animado realizado durante la pandemia en 2020 en el cual confluyen varias de las técnicas exploradas.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

An exploration of image and sound that builds from the introspective. A vessel in which love and rage converge, the turning point, contraction, and expansion, reflecting the contemporary world. It invites us to dive into boundless action, on a loop. Being a part of what surrounds us, sparking passion but burning at the same time. Dancing lava, a mixture in motion.

Fuego. Del lat. focus ‘hogar’, ‘hoguera’. Fuego es un corto dirigido, ilustrado y animado por Maro Margulis. Una exploración visual y sonora que parte desde lo introspectivo. Una vasija en la que confluyen el amor y la ira, el punto de inflexión y expansión, reflejo del mundo contemporáneo. Invita a sumergirse en la acción, sin freno, en loop. Ser parte de aquello que nos rodea, enciende la pasión, y quema al mismo tiempo. Baile de lava, mixtura en movimiento.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Maro Margulis

Producer / Producción: Maro Margulis

Director / Director: Maro Margulis

Animation Direction / Dirección de Animación: Maro Margulis

Art Director / Dirección de Arte: Maro Margulis

Sound Design / Diseño de Sonido: Artmoss (Juan Covarrubias, Giacomo Picasso)

Original Music / Música Original: Artmoss (Juan Covarrubias, Giacomo Picasso)

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/600530996

https://www.instagram.com/maromargulis/

https://www.behance.net/MaroMargulis

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

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https://www.instagram.com/films.to.festivals/

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SUMMER SONG FOR A BEACH GIRL

Canción de Verano para una Chica de la Playa

Fille de la plage

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:08:08 / 4K / 3840×2160 / Motion Cómic / Software: DAZ 3D Studio, After Effects / 30 fps / 16:9 / Color / Sound: Stereo / Argentina / animation short film, portrait

  • Logline:

During the summer break, a lonely teenage musician falls madly in love with an unknown girl while at the beach, leading him accidentally to fame within the music industry, and later to a decadent success.

Durante las vacaciones de verano, un solitario cantautor adolescente se enamora perdidamente de una desconocida chica en la playa, lo cual lo llevará accidentalmente hacia la fama en la industria de la música, y posteriormente hacia un éxito decadente.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

NICOLÁS MONTES

Graduate in Visual Storytelling, as well as a degree in TV Production, Nicolas Montes works mainly as a 3D Artist whose career path was largely forged in advertising and in the video game industry. Works also in various branches of post-production, such as color grading and compositing, in both film and TV.

Licenciado en Comunicación Audiovisual y graduado de tecnicatura de Producción y Realizador Televisivo, oficia como Animador 3D, cuya trayectoria profesional fue forjada mayormente en la publicidad y en la industria de los videojuegos. También trabajo en diversas ramas de la post-producción, como colorista y compositor, en cine y TV.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

The project is based on a story originally published in the prestigious anthology publication Metal Hurlant. My main interest remained in telling a story with a beginning, middle, and an end – along with characterized protagonists – mostly with images pictorial in nature, supported by the bare minimum of words as possible, in a quasi-telegraphic way. In other words; create narrative meaning of the combination of images supported by a few words, these allusive and complimentary, but never descriptive of what is seen on the screen. There are multiple theoretical influences regarding the narrative. On the one hand, the most elementary is the Kuleshov effect; Although it is a theory of montage rather than one of visual compositing, the notion persists that the result of the juxtaposition of two images is more narratively effective than the isolated images, as well as the text. Another of my intentions was to apply the narrative theory of the comic-book medium to the cinematic language and give depth to the image as well. The language of the ninth art is the result of the fusion of the linguistic code, that is, of the graphemes, with the iconic code being images. Parallels can be drawn between the Kuleshov effect and the fundaments of Will Eisner and Scott McCloud, in which they stipulated that the language of the graphic novel is based on the transmission of a story through the combination of words and images. According to these authors, in some way, the interest in each of these components is inversely proportional to the interest in the other. In the comic, the word and the image build meaning together so they cannot be separated from each other. Scott McCloud describes how the reader unconsciously fills in the spaces between vignettes to establish continuity and reconstruct the story and especially the movement; otherwise, a comic would be nothing more than a series of disjointed and fragmented images. The space that separates two vignettes of a comic is known as gutter (or visual ellipsis) and it is there where the reader fills in the gaps through the closed; this being the point of contact between the comic-book narrative and one of film, or rather, between the comic book narrative and Kuleshov’s postulate. Regarding the graphic style, this mainly is based on the tradition of classic animation, with particular emphasis on the work of Ralph Bakshi. The intention in replicating this art style consists of making the backgrounds mimic the look of an oil painting, and the figures being flat colored.

El proyecto está basado en una historia originalmente publicada en la prestigiosa publicación antológica Metal Hurlant. Mi principal interés fue en narrar una historia con un principio, desarrollo y desenlace -con personajes delineados mediante – mayormente con imágenes pictóricas sustentadas por la menor cantidad de palabras posibles, de un modo cuasi telegráfico. Dicho de otro modo; crear sentido de la combinación de imágenes apoyadas por escasas palabras, alusivas y complementarias, pero no descriptivas a lo que se ve en pantalla. Las influencias teóricas en cuanto a la narrativo son varias. Por un lado, la más elemental, el efecto Kuleshov; si bien es una teoría de montaje más que de la composición visual, persiste la noción de que el resultado de la yuxtaposición de dos imágenes es más efectivo narrativamente que las imágenes en sí mismas, amén del texto. Otra de mis intenciones fue aplicar la teoría narrativa propia del cómic a lo audiovisual, además de darle profundidad a la imagen. El lenguaje del cómic es el resultado de la fusión del código lingüístico, es decir de los grafemas, con el código icónico (imágenes). Se pueden trazar paralelos entre el efecto Kuleshov y los planteos de Will Eisner y Scott McCloud, en los cuales estipularon que el lenguaje del cómic se basa en la transmisión de una historia mediante la combinación de palabras e imágenes. Según estos autores, de alguna manera, el interés por cada uno de dichos componentes es inversamente proporcional al interés por el otro. En el cómic, la palabra y la imagen construyen el sentido juntas por lo que no pueden separarse la una de la otra. Scott McCloud describe cómo el lector rellena inconscientemente los espacios entre viñetas para establecer una continuidad y reconstruir la historia y sobre todo el movimiento, pues de lo contrario un cómic no sería más que una serie de imágenes inconexas y fragmentadas. El espacio que separa dos viñetas de un cómic se conoce como gutter (o elipsis visual) y es allí donde el lector rellena los huecos a través del cerrado, este es el punto de contacto entre el comic y el cine o, mejor dicho, entre la narrativa de cómic y el postulado de Kuleshov. En cuanto al estilo gráfico, este está principalmente la tradición de la animación clásica, haciendo énfasis en particular en la obra de Ralph Bakshi, la intención en replicar dicho semblante consistió en realizar los fondos imitando el aspecto de una pintura al óleo y las figuras con un relleno de color plano.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Nicolás Montes

Producer / Producción: Nicolás Montes

Director / Director: Nicolás Montes

Animation Direction / Dirección de Animación: Nicolás Montes

Art Director / Dirección de Arte: Nicolás Montes

Voice: Jordan Elsass

Basado en la obra escrita por Jean-Luc Fromental e ilustrada por Philippe Berthet

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 23 BAFICI, Buenos Aires Int Independent Film Festival; 04/2022; Argentina

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/586901135

https://www.facebook.com/Nicolas.L.Montes/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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info@filmstofestivals.com

https://www.instagram.com/films.to.festivals/

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WIZARD EMPORIUM

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:00:30 / HD 1920×1080 / 2d cell animtion / Software Toon Boom Harmony + Adobe Premiere / 24 fps / 16:9 / Color / Sound: Stereo / Argentina / animation short film

  • Logline:

A young wizard apprentice faces the last challenge in his long way to becoming the ultimate wizard, but he doesn’t know that he’s about to awaken a bonkers new world.

Un joven aprendiz de mago enfrenta el último desafío en su largo camino para convertirse en el hechicero definitivo, sin saber que en realidad está apunto de despertar un locomundo oculto.

  • Synopsis / Sinopsis:

A young wizard apprentice has to face the last challenge in his long way to becoming the ultimate wizard. Holding tight the key of the hidden ocean fortress, our small hero jumps into the abyss without knowing that he’s about to awaken a bonkers new world.

Un joven aprendiz de mago enfrenta el último desafío en su largo camino para convertirse en el hechicero definitivo. Aferrándose a la llave de la impenetrable ciudadela marina, el pequeño héroe se lanza al abismo sin saber que en realidad está apunto de despertar la locura de un nuevo mundo.

  • Synopsis / Sinopsis:

A young wizard apprentice prepares himself for the last challenge in his long journey all across the magical world. After countless adventures, the small hero has found the key to open the hidden stone city. To fulfill his training and to become the ultimate sorcerer he will have to jump into the abyss of his final test without knowing that he’s about to awaken a bonkers new world of endless surprises.

Un joven aprendiz de mago se prepara para el último desafío en su largo camino por el mundo mágico. Después de mucho aprendizaje e incontables aventuras, el pequeño héroe ha logrado encontrar la llave que le permitirá adentrarse en la impenetrable ciudadela de piedra. Para cumplir con su entrenamiento y transformarse en el hechicero definitivo, deberá lanzarse al abismo de su prueba final sin saber que en realidad está apunto de despertar un mundo de locas e infinitas sorpresas.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

Bonkers Animation

Bonkers Animation is a young animation studio from Mendoza-Argentina. The team is formed by 5 crazy professionals named Memé Candia, Julián Castro, Melisa Pereyra, Diego Frachia and Alida Pereyra. Since its foundation in 2018, the studio has worked with many talented advertising agencies, animation studios and brands like Gatorade, Cartoon Network, Disney, Kellogg’s, among others.

Bonkers Animation es un joven estudio de animación de Mendoza, Argentina. El equipo está formado por 5 locos profesionales llamados Memé Candia, Julián Castro, Melisa Pereyra, Diego Frachia y Alida Pereyra. Desde su fundación en 2018, el estudio ha trabajado con talentosas agencias de publicidad, estudios de animación y marcas como Gatorade, Cartoon Network, Disney, Kellogg ‘s, entre otras.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Wizard Emporium reflects the affection of Bonkers Animation team, for each other and for the magical world. It symbolizes the first step into the adventure of becoming a multidisciplinary group, combined with the excitement before every new open door.

Wizard Emporium cristaliza el cariño de los integrantes de Bonkers Animation y refleja nuestro amor por la magia. Simboliza nuestro primer salto a la aventura como un equipo multidisciplinario y conjuga nuestra emoción ante cada puerta que se abre.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Memé Candia, Julián Castro

Producer / Producción: Bonkers Animation

Director / Director: Bonkers Animation

Animation Direction / Dirección de Animación: Julián Castro, Memé Candia, Diego Frachia

Art Director / Dirección de Arte: Memé Candia, Diego Frachia

Character Design / Diseño de Personajes:

Background Design: Memé Candia, Diego Frachia

Sound Design / Diseño de Sonido: Nicolás Montaruli, Juan Binckoski

Original Music / Música Original: Nicolás Montaruli

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Web: https://bonkersanimation.tv/

Facebook: https://www.facebook.com/BonkersAnimation

Instagram: https://www.instagram.com/bonkers.animation/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

https://www.instagram.com/films.to.festivals/

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PORSCHE – LA LEYENDA DE PEDRO RODRÍGUEZ | DIRECTOR’S CUT

Porsche – The legend of Pedro Rodríguez | Director’s Cut

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) Release: 13/09/2021 – 00:01:00 – Color – 24 FPS – PAL – Stereo – Ratio: 2202×2202, 1:1Software: Adobe animate, Harmony Toon Boom, Adobe After effects and Cinema 4DArgentina – commissioned animation short film – Cel animation/2D traditional animation – sport, portrait, tribute

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Racing driver Pedro Rodríguez was one of a kind, a legend in Latin America, and an idol to Porsche fans all over the world. Fifty years after his tragic demise while racing in Germany, we teamed up with The Community and Porsche to honor some of his feats with this 2D craft film.

El piloto de carreras Pedro Rodríguez era único, una leyenda en América Latina y un ídolo para los fans de Porsche de todo el mundo. 50 años después de su trágico fallecimiento, nos unimos con La Comunidad y Porsche para honrar algunas de sus hazañas con este corto craft hecho en 2D tradicional.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Racing driver Pedro Rodríguez was one of a kind, a legend in Latin America, and an idol to Porsche fans all over the world. And not only because he was a crazy skilled driver: he made history driving the iconic 917k, which we can only assume was based on a discarded Batmobile design deemed too unrealistic. 50 years after his tragic demise while racing, we teamed up with The Community and Porsche to honor some of his feats with this 2D craft film. Get ready for a 60-second trip at 300 km/h.

El piloto de carreras Pedro Rodríguez era único, una leyenda Latinoamericana y un ídolo para los aficionados a Porsche. No sólo porque era muy hábil, también porque hizo historia conduciendo el icónico 917k, que se parece a un diseño descartado del Batimovil. 50 años después de su trágico fallecimiento mientras corría, nos unimos con The Community y Porsche para honrar algunas de sus hazañas con esté corto craft hecho en 2D tradicional. Prepárate para un viaje de 60 segundos a 300 km/h.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARIANO FERNÁNDEZ RUSSO

http://kilmo.tv/

Mariano Fernández Russo is an Argentine creative director with wide experience in animation and filmmaking. He has been working with 2D animation for over 15 years in renowned Latin American studios and is currently a partner and the creative mind behind Clubcamping. He loves moving things around in After Effects even more than he loves dinos.

Mariano Fernández Russo es un director creativo argentino con amplia experiencia en animación y cine. Lleva más de 15 años trabajando con animación 2D en reconocidos estudios latinoamericanos, actualmente es socio y la mente creativa detrás de Clubcamping. Es un apasionado del After Effects, incluso más que su pasión por los dinosaurios.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This is our director’s cut version for The Legend of Pedro Rodríguez! Let’s start by saying we were granted unprecedented creative freedom in this project by both the agency and the client. But even before the slightest idea came to our minds, we knew one thing for sure: we needed the car to look perfect in 2D. Animating the Porsche 917k frame by frame, without a reference, sounded like the premise of the next Saw movie, so we decided that a 3D model of the car to produce some sweet 3D layouts was a fundamental asset to get our hands-on. To build Pedro’s world we thought about the ‘60s and early ‘70s graphic design, movies, cartoons, and tv shows, and discussed with Juan Barabani, the art director, what pop culture and art milestones had left a mark on our styles. We agreed we wanted an overall vintage vibe but with modern visuals and animation ideas that would challenge our craft. “Speed Racer meets Akira” was our pitch. In a process we like to call “blind parkour design”, we started importing materials into After Effects and mixing them to see what happy accidents we encountered. Jumping from After, to Animate, to Photoshop, to C4D, trying things out, not thinking whether something might work or not but simply doing it. Letting our subconscious sublimate. An intense animatic process ensued, where tons of new ideas and references kept flowing and popping up spontaneously. We wanted the animation timing to feel a little limited, but with lots of super-sharp poses and eases. We chose to work at 24fps and its multiples, focusing mainly on animating in 3s, with 4s and 1s as extremes. The comp was going to be extra heavy⁠—we knew it and wanted it to be that way. Lots of glows, defocus, and grain. But the hardest comp ever was the one with the oil monster. It required a tremendous amount of coordination, organization, and patience, constantly going back and forth between layout, animation, cleanup, and comp. That shot alone took about a whole month to produce. We promise you everything was under painful control. One last thing you might be wondering: what about the square format, with rounded edges? We worked in a 2202 x 2202 1:1 format so as to easily come up with different versions later. The idea all along was to deliver a 16:9 format. As we went on, new details and compositions increasingly made sense when displayed in 1:1. We sat on it a little, and then El Señor Rodriguez himself inspired the final touch: what if we added a nice frame with rounded corners, giving it a lovely super-8 vibe like the footage of Pedro we were already showing at the end? That was the last touch. The vintage vibe was exactly what we needed to close the circle. We raise our cups to Pedro and what his star at 300km/h might bring us.

Este es nuestro director’s cut  para: ¡La Leyenda de Pedro Rodríguez! Empecemos diciendo que tanto la agencia como el cliente nos concedieron una libertad creativa sin precedentes en este proyecto. Pero incluso antes de que se nos ocurriera la más mínima idea, teníamos una cosa clara: necesitábamos que el auto tuviera un aspecto perfecto en 2D.  Animar el Porsche 917k fotograma a fotograma, sin una referencia, sonaba como la premisa de la próxima película de Saw, así que decidimos que generar un modelo 3D del coche era un recurso fundamental para poner nuestras manos en acción. Para construir el mundo de Pedro pensamos en el diseño gráfico de los años 60 y principios de los 70, en las películas, los dibujos animados y los programas de televisión,  discutimos con Juan Barabani, el director de arte, qué hitos de la cultura pop y del arte habían dejado huella en nuestros estilos. Estuvimos de acuerdo en que queríamos un ambiente general de la época, pero con visuales modernas e ideas de animación que desafiaran nuestro oficio. Nuestra premisa  fue «Speed Racer conoce a Akira». En un proceso de diseño que nos gusta llamar «parkour a ciegas», empezamos a importar materiales a After Effects y a mezclarlos para ver con qué accidentes felices nos encontrábamos. Saltando de After  a Animate a Photoshop a C4D, probando cosas sin pensar si  podrían funcionar o no, sino simplemente haciéndolo y dejando que nuestro subconsciente se sublime, entramos en un intenso proceso de animatic, en el que surgieron toneladas de nuevas ideas y referencias que fluyeron espontáneamente. Queríamos que el tiempo de la animación se sintiera un poco limitado, pero con un montón de poses claras y ablandes. Optamos por trabajar a 24 fps y sus múltiplos, centrándonos principalmente en animar a 3s y a  4s y 1s en las puntas. La compo iba a ser muy pesada, lo sabíamos y queríamos que así fuera; Muchos brillos, desenfoques y granos. Pero la toma más difícil fue la del monstruo de petróleo; nos demandó una enorme coordinación, organización y paciencia, idas y vueltas constantes entre el diseño, la animación, la asistencia y la composición. Solamente esa toma nos llevó un mes entero de producción. Les juramos que todo estuvo bajo un doloroso control. Una última cosa se deben estar preguntando: ¿por qué el formato cuadrado, con los bordes redondeados? Trabajamos en un formato de 2202 x 2202 1:1 para poder realizar fácilmente diferentes versiones más adelante, sin embargo, la idea siempre fue entregar la pieza en formato 16:9. Pero a  medida que avanzábamos, los nuevos detalles y composiciones tenían cada vez más sentido cuando se mostraban en 1:1.  Lo pensamos un poco y luego el propio Señor Rodríguez inspiró el toque final: ¿qué tal si añadimos un bonito marco con esquinas redondeadas, dándole un encantador aire de súper 8, como las imágenes reales de Pedro que ya estábamos mostrando al final? Y así fue!, ese fue el último toque, El ambiente vintage era exactamente lo que necesitábamos para cerrar el círculo. Levantamos nuestras copas por Pedro y por lo que nos depare su estrella a 300 km/h.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Mariano Fernández Russo

Director / Director: Mariano Fernández Russo

Executive Production / Producción Ejecutiva: Ana Sieglitz, Juliana Millán

Animation Director / Dirección de Animación: Mariano Fernández Russo

Art Director / Director de Arte: Juan Barabani.

Illustration / Ilustraciones: Juan Barabani, Victoria Farelli

Sound Design / Diseño de Sonido: Felipe Barandalla

Original Music / Música Original: Facundo Capece

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Social Media:

https://www.instagram.com/kilmo.tv/

https://www.instagram.com/clubcamping.tv/

https://www.instagram.com/ana.sieglitz/

https://www.instagram.com/jumihur/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

http://instagram.com/films.to.festivals

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Niebla

Mist – Brouillard

  • Technical Info / Información Técnica:

(2020) – 00:10:26 – Color – 24 FPS – PAL – 5.1 – 16/9– Full HD 2D computer – animation short film –childhood, nature, family

  • Logline:

They are close but we can see them.

Están cerca pero no podemos verlos.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Nicolas is a kid who has moved with his parents to the suburbs near to an ancient fog forest. The place takes on a new meaning when he starts to have mysterious encounters with native animals. He will discover a forest full of life and will understand the importance between humans and nature.

Nicolás, es un niño que se ha mudado con sus padres a una casa en las afueras de la ciudad, cerca de un antiguo bosque de niebla. En este lugar, conocerá seres del bosque que le ayudarán a entender la importancia del balance entre seres humanos y la naturaleza.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Nicolas, a 12-year-old boy, who has recently moved with his family to a country house in a foggy forest, witnesses the drama of a family of foxes that mysteriously appear to him first as specters of the forest, but then, after investigating and understanding them, he erases the veil of fear that does not allow him to see them as they really are and takes the determination to help them away from the danger of the road that crosses the forest.

Nicolás, un niño de 12 años, que recientemente se ha mudado con su familia a una casa campestre en un bosque de niebla, es testigo del drama de una familia de zorros que misteriosamente ante él parecen primero como espectros del bosque, pero que luego, tras investigarlos y entenderlos, borra el velo de miedo que no le permite verlos como realmente son y toma la determinación de ayudarlos alejándolos del peligro de la carretera que atraviesa el bosque.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

LEONARDO ROMERO ZARZA

http://www.romeroleo.com/

Graphic designer graduated from the Pontificia Bolivariana University, currently dedicated as an animator in series like «Elinor Wonders Why» and «Legend Quest», broadcasted on Netflix. “Niebla” is his first animated short film produced by Lúmina studio.

Diseñador gráfico egresado de la Universidad Pontificia Bolivariana, dedicado actualmente como animador en series animadas como «Elinor Wonders Why» y «Legend Quest», emitida en Netflix. “Niebla” es su primer cortometraje animado producido por Lúmina estudio.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Juan David Ortíz Martínez

Director / Director: Leonardo Romero Zarza

Executive producer / Producción Ejecutiva: Catalina Vásquez Salazar

Production / Producción: Catalina Vásquez Salazar, David Castaño Luján, Juan David Ortíz Martínez, Julián Henao Echeverri

Editing / Montaje: David Castaño Luján

Sound Design / Diseño de Sonido: Miguel Isaza Morales

Original Music / Música Original: Miguel Isaza Morales

Voices: Daniela Sierra Mejía, Óscar Rojo Gaviria

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

– 67 Oberhausen International Short Film Festival (Children and Youth Competition); 05/2021; Germany

– 10 Chilemonos International Animation Festival; 07/2021; Chile

– 32 Curta Kinoforum, Sao Paulo Short Film Festival; 08/2021; Brazil

– 8 Zero Plus, International festival of films for children and youth; 09/2021; Russia

– 9 Le Chien Qui Aboie; 10/2021; France

– 5 Anima Latina, Latin American Animation Festival; 10/2021; Argentina

– 13 Popoyán Short Film Festival; 10/2021; Colombia

– 35 CineKid Festival; 10/2021; The Netherlands

– 25 Internationale Kurzfilmtage Winterthur; 11/2021; Switzerland

– 5 Psaroloco International Children’s & Young People’s Film Festival; 04/2022; Greece

– 24 Mo&Friese Junges Kurzfilm Festival Hamburg; 05/2022; Germany

– 24 FICMEC, Canarias Environmental Film Festival; 05/2022; Spain

– 10 Cinema in Sneakers, Children Film Festival; 05/2022; Poland

– 26 FANTASIA International Film Festival (Bronze Hourse); 07/2022; Canada

– 12 SUPERTOON, International Animation Festival; 07/2022; Croatia

– 18 Lago Film Fest, International Festival of Independent Cinema; 07/2022; Italy

– 11 Ojo de Pescado, International Children Film Festival; 08/2022; Chile

– 6 Chaniartoon, International Comic & Animation Festival; 09/2022; Greece

– 13 Bogota Children and Youth Film Festival; 09/2022; Colombia

– 11 VAF, Viborg Animation Festival; 09/2022; Denmark

– 21 Florianopolis Children’s Film Festival; 10/2022; Brazil

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/401210994

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El Grillo

The Hopper

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:15:12 / 2.35:1 / Color / Sound: Stereo / NTSC / 24 FPS / Sony FS7 / Narrative short film: portrait, men, sport, fatherhood, male practices / Cd Mx, México

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

«El Grillo» trains with his best friend «Espinas» and other young boxers. The dynamics of the gym are altered when «El Grillo» brings his little newborn baby girl.

«El Grillo» entrena con su mejor amigo «Espinas» y otros jovenes boxeadores. La dinámica del gimnasio se altera cuando «El Grillo» lleva a su pequeña bebé recién nacida.

  • Synopsis / Sinopsis:

«El Grillo» is a young boxer who trains with his best friend «El Espinas» and other boxers. «El Grillo» becomes a father and brings the newborn baby girl to the gym. “El Grillo´s” training partners are upset to have the baby among them, especially “El Espinas”. The new dynamic threatens to end the boxers’ friendship.

«El Grillo» es un joven boxeador que entrena junto a su mejor amigo «El Espinas» y otros boxeadores. “El Grillo” se convierte en padre y comienza a llevar a la beba recién nacida al gimnasio. Los compañeros de entrenamiento de “El Grillo” se molestan por tener a la beba entre ellos, especialmente “El Espinas”.  La nueva dinámica amenaza con terminar la amistad de los boxeadores. 

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

CARLOS HERNÁNDEZ VÁZQUEZ

A lawyer from the National Autonomous University of Mexico (UNAM). He graduated from the Cinematographic Training Center (CCC) production course. Talents Berlin 2018 and EAVE Puentes 2020. He has produced 9 feature films. As a director, his documentary debut «De Puro Aire» was nominated for Best Documentary at the Diosas De Plata academy award (2019, Mexico).

Abogado por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es egresado del curso de producción Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Talents Berlin 2018, y EAVE Puentes 2020. Ha producido 9 largometrajes. Como realizador su opera prima documental “De Puro Aire” fue nominado a Mejor Documental al premio Diosas De Plata (2019, México).

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

«The Cricket» begins as a reflection on gender equality. At the beginning of the pandemic in 2020, my partner in the film company that we have in Mexico City (Mandarina Cine) had been a mother for a few months. In dialogue with her, we remember the case of Carolina Bescansa, a Brazilian deputy who was highly applauded for taking her baby to a session at the Brazilian congress and breastfeeding her baby in session. Of course, it was an important event and it has been seen as an advance towards gender equality. However, despite how valuable the image was, our reflection was diverted to thinking that the deputy’s partner was not carrying the same responsibility and for sure the next day or in the next few months he wouldn´t do it. The idea that parenting is a female act continues to run deep in the idiosyncrasies of Western cultures, and that’s where this project came from. Imagine a totally masculine world that is interrupted by the presence of a baby who in theory should be cared for by her mother and not by her father, who is a young professional boxer. The short film questions what we understand as masculinity. The boxers observe the presence of the baby as a threat and the young boxer as a person who does activities exclusively for women. The hostile environment is transformed until the acceptance of the baby, however, the best friend of our protagonist represents that machismo that refuses to change despite the circumstances. The short film was shot with real professional boxers. The young boxers have 2 to 4 fights as professionals. It was important to me that the fights and training were real. In addition, as a director who came more from the documentary field, I wanted boxers to adopt the dialogues and actions marked in the script and transform them into their daily lives, a world that only they know. The presence of El Jaguar, the boxers’ couch was fundamental. The Jaguar was four times the national champion in Mexico, today retired, he trains many young boxers and he has all the respect of his pupils. During shooting, the dynamic between the coach and the pupils moved to the screen and El Jaguar gave a tone to the shoot that was natural to his conception of a boxing coach. The shooting was all in Mexico City in one of the traditional boxing neighborhoods.

El Grillo parte de una reflexión acerca de la equidad de género. A inicios de la pandemia en 2020, mi socia en la casa productora que tenemos en Ciudad de México (Mandarina Cine) llevaba escasos meses de ser mamá. Dialogando con ella recordamos el caso de Carolina Bescansa, diputada Brasileña que fue muy aplaudida por llevar a su bebé a sesión en el congreso brasileño y amamantar a su bebé en sesión. Claro que fue un evento importante y se vió como un avance hacia la equidad de género, una mujer en un puesto sumamente importante de su país, puede llevar a su bebé al trabajo y amamantarlo en plena sesión. Sin embargo, a pesar de lo valioso que fue la imagen nuestra reflexión se desvió a pensar que la pareja de la diputada, no estaba cargando con la misma responsabilidad y que seguramente al día siguiente o en los próximos meses tampoco lo haría. La idea que la crianza es un acto solo de mujeres sigue estando muy profundo en la idiosincrasia de las culturas occidentales. Y de ahí surgió este proyecto. Imaginar un mundo totalmente masculino que se ve interrumpido ante la presencia de una bebé que en teoría debería ser cuidada por su madre y no por su padre, que es un boxeador joven profesional. El cortometraje cuestiona lo que entendemos por masculinidad. El gimnasio observa la presencia de la bebé como una amenaza y al joven boxeador como una persona que hace actividades exclusivas de mujeres, como es la crianza y que son actividades que no le corresponden. El ambiente hostil se va transformando hasta la aceptación de la bebé, sin embargo, el mejor amigo de nuestro protagonista, representa ese machismo que se niega a cambiar a pesar de las circunstancias. El cortometraje está protagonizado por verdaderos boxeadores profesionales. Los jóvenes cuentan con 2 a 4 peleas como profesionales. Para mí era importante que las peleas y los entrenamientos fueran reales. Además, como director que viene más del ámbito documental, quería que los boxeadores adoptaran los diálogos y las acciones marcadas en el guion y las transformarán a su cotidianeidad, un mundo que solo ellos conocen. La presencia de El Jaguar, el coach de los boxeadores fue fundamental. El Jaguar fue cuatro veces campeón nacional en México, hoy retirado, entrena muchos jóvenes boxeadores y él cuenta con todo el respeto de sus pupilos. Durante el rodaje, la propia dinámica entrenador y los pupilos se trasladó a la pantalla y El Jaguar dotaba de un tono al rodaje que era natural a su concepción de entrenador de box. El rodaje fué todo en la Ciudad de México en uno de los barrios tradicionales del boxeo.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Carlos Hernández Vázquez

Producer / Producción: Gabriela Gavica, Carlos Hernández Vázquez, Daniela Uriza, Isabel Barajas

DoP / Dirección de Fotografía: Claudia Becerril

Production Design / Diseño de Producción: Liliana Cortés

Wardrobe / Vestuario: Ximena Herrerías

Make-Up & Hair / Maquillaje y Peinado: Beatriz Vera

Editing / Montaje: Nancy Cruz Orozco

Sound / Sonido Directo: Liliana Villaseñor

Sound Design / Dirección de Sonido: José Miguel Enríquez

Original Music / Música Original: Carlo Ayhllón

Cast / Intérpretes: Alan Rosas, Moisés Sixto, Rodrigo “Jaguar” Ortiz, Iván “Motor” Salazar, Jonathan Castillo, Aline Hernández Ramírez, Bárbara Samadhi Rubio Rodríguez

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/615308384/9606f8a6f8

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YON

Call me Jonathan

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:08:08 / 4:3, 1:1, 16:9 / Color / Sound: Stereo / Panasonic Digital 8mm, celular Samsung, Mini DV / experimental documentary short film: portrait, chilhood, LGBTIQ, gender identity / Buenos Aires, Argentina

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

After finding the video material from her childhood, the director reprograms her mythology as an infant and reflects on her body traversed by affections, fiction, and years.

Ante el hallazgo del material videográfico de infancia, Bárbara Lago reprograma su mitología de infante y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y años.

  • Synopsis / Sinopsis:

Faced with the discovery of videographic archive material from their childhood, Bárbara Lago reprograms their childhood mythology and reflects on their body traversed by affections, fiction, and the passing of time. In these intimate materials, they finds a possibility of thinking about dissident sexualities, the relationship between technology and the human body, language, and childhood. The images capture what cannot be named and prepare for the possibility of a fragmented and subjective metamorphosis. Jonathan/Yon is the body outside of social domestication. How does such a body grow in our contemporary societies?

Ante el hallazgo del material videográfico de infancia, Bárbara Lago reprograma su mitología de infante y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y años. En esos materiales íntimos, encuentra la posibilidad de pensar sexualidades disidentes, la relación entre tecnología y cuerpo, lenguaje y niñez. Las imágenes capturan lo que no se puede nombrar y anuncian la posibilidad de una metamorfosis fragmentada y subjetiva. Yon es el cuerpo fuera de la domesticación social. ¿Cómo crece un cuerpo así en nuestras sociedades contemporáneas?

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Faced with the discovery of videographic archive material from their childhood, Bárbara Lago reprograms their childhood mythology and reflects on their body traversed by affections, fiction, and the passing of time. In these intimate materials, they finds a possibility of thinking about dissident sexualities, the relationship between technology and the human body, language, and childhood. Mothers, fathers, children, and siblings coexist in this ecosystem, assembling a fabric of affections where the different times that weave the family history circulate. Bodies grow, images change their texture, and in these metamorphoses, we find ways of how childhood can be experienced freely. The images capture what cannot be named and announce the possibility of a film that also recovers the formal procedures of that filmed body. A fragmented and subjective narrative runs through Jonathan/Yon: is the body outside of social domestication. How does such a body grow in our contemporary societies? Is filming a way to generate new social utopias?

Ante el hallazgo del material videográfico de infancia, Bárbara Lago reprograma su mitología de infante y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y años. En esos materiales íntimos, encuentra la posibilidad de pensar sexualidades disidentes, la relación entre tecnología y cuerpo, lenguaje y niñez. En ese ecosistema cohabitan madres, padres, hijxs, hermanxs armando un tejido afectivo donde circulan los distintos tiempos que van tramando la historia familiar. Los cuerpos crecen, las imágenes cambian su textura y en esas metamorfosis encontramos las formas de vivir la niñez sin velos. Las imágenes capturan lo que no se puede nombrar y anuncian la posibilidad de una película que también recupere los procedimientos formales de ese cuerpo filmado. Una narrativa fragmentada y subjetiva recorre a Yon: es el cuerpo fuera de la domesticación social. ¿Cómo crece un cuerpo así en nuestras sociedades contemporáneas? ¿Filmar es una forma de generar nuevas utopías sociales?

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

BÁRBARA LAGO

Bárbara Lago is an audiovisual creator based in Buenos Aires, Argentina. They studied Film Directing at the FUC (Universidad del Cine) and works as a scriptwriter and director in various fiction and documentary projects. They work to explore links between the media and their narratives, in a discursive and material hybridization with video, cinema, and digital technologies.

Bárbara Lago es unx realizadorx audiovisual con base en Buenos Aires, Argentina. Estudió Dirección cinematográfica en la FUC (Universidad del Cine) y se desempeña como guionistx y directorx en diversos proyectos de ficción y documental. Sus trabajos exploran vínculos afectivos entre los soportes y sus narrativas, en una hibridación discursiva y material con el video, el cine y las tecnologías digitales.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Bárbara Lago

Producer / Producción: Bárbara Lago

Executive Production / Producción Ejecutiva: Florencia Jaworowski, Florencia Caset

DoP / Dirección de Fotografía: Diego Lago, Bárbara Lago

Editing / Montaje: Germán Cortes, Bárbara Lago

Sound Design / Dirección de Sonido: Bárbara Lago

Post Production / Post Producción: Iván Cardoso

Coloring / Corrección de Color: Pedro Razzari

Cast / Intérpretes: Bárbara Lago

Graphic Design / Diseño Gráfico: Josefina Alonso

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 22 BAFICI, Buenos Aires International Independent Film Festival; 03/2021; Argentina

– 5 Bendita Tú, Women’s Film Festival with a Gender and Diversity Perspective; 10/2021; Argentina

– 4 GRABA, Audiovisual Film Festival (Special Mention); 11/2021; Argentina

– 9 FIDBA, Buenos Aires International Documentary Film Festival; 12/2021; Argentina

– 68 Oberhausen Int Short Film Festival (Principal Prize: International Jury); 04/2022; Germany

– 33 São Paulo International Short Film Festival; 08/2022; Brazil

– 20 VLAFF, Vancouver Latin American Film Festival; 08/2022; Canada

– 8 Bogotá Experimental Film Festival; 08/2022; Colombia

– 17 Shorts Mx, Mexico International Short Film Festival; 09/2022; Mexico        

– 18 Camden Int Film Festival; 09/2022; US

– 26 Queer Lisboa, International Queer Film Festival; 09/2022; Portugal

– 5 PORTO FEMME International Film Festival; 09/2022; Portugal

– 41 VIFF, Vancouver Int Film Festival; 09/2022; Canada

– 30 GAZE, Ireland LGBT Film Festival; 09/2022; Ireland

– 4 FICCE, Corporalidad Expandida Int Short Film Festival; 10/2022; Argentina

– 5 Eneagrama International Experimental Film Festival; 10/2022; Argentina

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/635577014

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Un Finde

One Weekend

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:06:39 / Sony A7sII / 25 fps / 16:9 / Color / PAL / Sound: Stereo / Argentina / Drama, social issues, relationship, virtuality

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

“Un finde” could be defined as the visual description of ‘ghosting’ someone. This short film reminds us that ‘virtual’ is not an antonym for ‘real’.

“Un finde” podría definirse como la descripción visual del ‘ghosting’. Este corto nos recuerda que ‘virtual’ no es antónimo de ‘real’.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

LUDMILA KREICHMAN

Argentina

Ludmila Kreichman was born in Buenos Aires in 1989. She is a sworn English<>Spanish translator and a photographer. In addition, she also took 5 years’ worth of acting lessons. This is the first short she has directed. She also wrote the script and starred in it. Nowadays she is living between Buenos Aires and NYC, where she works managing The Inside Out Project, a platform for photographic projects created by the French artist JR.

Ludmila Kreichman nació en Buenos Aires, en 1989. Es traductora pública de inglés (UBA) y fotógrafa. Además, estudió actuación durante 5 años. Este es el primer corto que dirige. Además escribió el guión y lo protagonizó. Actualmente vive entre Buenos Aires  y Nueva York donde trabaja manejando The Inside Out Project, una plataforma de proyectos fotográficos creada por el artista francés JR.

  • Director Statement / Declaraciones del Director:

“One weekend” was conceived in order to provide a real-life experience with an alternative, fictional ending. I believe that cinema allows us to create not only worlds but also entire universes that we can modify as we please and I decided to make use of that and transform a personal experience that I had and give it a different ending.

“Un finde” fue concebido con la idea de darle una vuelta de tuerca a algo que pasó en la realidad pero no terminó de la manera de la que me hubiera gustado. Creo que el cine nos permite crear no solo mundos sino universos enteros que podemos manejar a nuestro antojo y decidí hacer uso de eso para transformar una experiencia personal y darle un final distinto al que tuvo.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Ludmila Kreichman

Production / Producción: Ludmila Kreichman, Andrea Villagrán

Executive Productor / Productor Ejecutivo: Ludmila Kreichman

Director / Director: Ludmila Kreichman

Cinematography & Camera / DF y Cámara: Carolina Rolandi

Art Director / Director de Arte y Vestuario: Paola Braile

Make-up / Maquillaje: Agustina Guerreiro

Editing / Edición: Camila Adaro Liloff

Sound Editor / Edición de Sonido: Ariel Conti

Cast / Actores: Ludmila Kreichman, Thiago Batistuta, Natacha Voliakovsky, Milagros Villamil

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/588591721

https://drive.google.com/file/d/12bJWr0dbLwyl2vPh0jBrpG5LVrj-id-f/

Social Networks:

https://www.instagram.com/ludmilakreichman/

https://www.facebook.com/rubilu

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El Desarmadero

Damaged

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 01:19:14 / ratio 16:9 / COLOR / SOUND 5.1 / 24 fps / DCP / Argentina / 5.1 / Horror, Fantastic

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Bruno is a plastic artist who, after suffering a very traumatic experience, finds refuge at a chop shop where he must look after his property. On one night, he has a revelation that will make him go to great extremes to enter the world of the dead.

Bruno es un artista plástico que después de un hecho traumático se refugia en un desarmadero de autos chocados donde deberá vigilar el predio. Una noche tendrá una visión reveladora y hará lo imposible por ingresar al universo de los muertos.

  • Synopsis / Sinopsis:

Bruno is a plastic artist who, after suffering a very traumatic experience, abandons his art to begin a new life. He finds refuge with his only friend Roberto, who offers him a job and a place to stay at a chop shop, where he must look after his property, assisted by a gun and a flashlight. He spends his time divided between work and diversion. But on one night, as he is roaming around the damaged cars, he has a revelation. Absences and presences will coexist inside Bruno’s mind. A scrapyard is a place of both horror and pleasure. Roberto will notice a change in his friend’s mental state, which rejects the idea of leaving the premises. Lost in a labyrinth of junk and memory, Bruno will go to great extremes to enter the world of the dead.

Bruno es un artista plástico que después de un hecho traumático, abandona las artes para iniciar una nueva vida. Busca refugio en su único amigo Roberto, quien le ofrece trabajo y vivienda  en su desarmadero de autos chocados donde deberá vigilar el predio con un arma y una linterna. Allí reparte su tiempo entre el trabajo y la  distracción. Pero una noche, mientras hace su recorrida  habitual entre los autos chocados, tendrá una visión reveladora. Ausencias y presencias habitarán la mente de Bruno. El desarmadero es una zona de horror y de placer para el. Roberto advertirá el cambio del estado psíquico de  su amigo,  que se  opone a abandonar el predio. Perdido en ese laberinto de chatarra y memoria, Bruno hará lo imposible por ingresar al universo de los muertos.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

EDUARDO PINTO

Eduardo Pinto is an Argentine-Portuguese director, screenwriter and director of photography. He directed the feature films «Palermo Hollywood» (Sundance Festival ‘05), «Dora, la jugadora» (Best Actress Award Mar del Plata Film Festival ‘07), «Buen día día» (Bafici ‘10), «Caño Dorado» (Manheim ‘09/ Mar del Plata Film Festival ‘10 Best Director Award), and «Corralón» (Bafici 2019).

Eduardo Pinto: Argentino-portugués es director, guionista y director de fotografía. Dirigió las películas “Palermo Hollywood” (Sundance ’05), «Dora, la jugadora” (“Mejor Actriz” Festival de Mar del Plata ’07), “Buen día día” (Bafici ’10), “Caño Dorado” (Mannheim ‘09/ Mar del plata ‘10, Mejor director), «Corralon» (BAFICI19).

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Eduardo Pinto

Producer / Producción: Pablo Pinto,  Luciano Cáceres, Eduardo Pinto, Fernando Pérez

Director / Director: Eduardo Pinto

Director of Photography / Dirección de Fotografía: Fernando Lugones

Camera / Cámara: Daniel Ponce, Martin Kaspersky, Fernando Lugones, Eduardo Pinto

Art Director / Dirección de Arte: Cintia Español

Wardrobe / Vesturio: Paula García

Make-Up / Maquillaje: Gabriela Castillo

Film Editor / Montaje: Joaquín Mustafá Torres

Sound design / Diseño de sonido: Pablo Irrazábal

Original Music / Música Original: Manuel Pinto, “Morella” Ciro y Los Persas

Cast / Elenco: Luciano Cáceres, Pablo Pinto, Clara Kovacic, Malena Sánchez, Diego Cremonesi, Fernando Pérez, Amelia Cáceres Currá, Gerónimo Pérez- Joaquín Cáceres, Pablo Ríos

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 36 Mar del Plata IFF; 11/2021; Argentina

– 22 Buenos Aires Rojo Sangre Horror Film Festival (Best Director, Best Production); 12/2021; Argentina

– 11 Acocollona’t, Fantastic Film Festival; 12/2021; Spain

– 20 DIFF, Dhaka Int Film Festival; 01/2022; Bangladesh

  • Links:

Trailer English Subtitles: https://vimeo.com/597767235  

  • Contact / Contacto:

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Una Aprendiz Invisible

An Invisible Apprentice

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:12:00 / Arri / 16 mm /Color / 24 fps/ 16:9 /NTSC / 5.1 /Argentina/ narrative short film: Drama, family, childhood, sport, desease

  • Synopsis / Sinopsis:

Inés is a 12-year-old girl that starts taking roller skating classes, encouraged by her parents that are trying to keep her away from home while they’re dealing with her sister’s illness.

Inés, una niña de 12 años comienza a tomar clases de patín estimulada y alentada por sus padres, buscando que no esté en casa mientras atravesaban la enfermedad de su hermana.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

EMILIA HERBST

Emilia Herbst is an Argentine director, producer, and actress. She studied at EMAD and Universidad del cine. She works in film and television. “An invisible apprentice” is her first short film.

Emilia Herbst es directora, productora y actriz Argentina. Estudió en la EMAD y la Universidad del cine.  Trabaja en cine y televisión. “Una aprendiz invisible“ es su primer cortometraje.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Emilia Herbst, Denise Umaschi, Mariana Planella

Producer / Producción: Eduardo Driuzzi

Director / Director: Emilia Herbst

DoP / Dirección de Fotografía: Santiago Cantillo

Art Director: Macarena Iara Fernández

Wardrove / Vestuario: Sofía Davies

Make-up / Maquillaje: Belén Álvarez

Film Editor / Edición: Denise Umaschi

Sound design / Diseño de sonido: Alejandro Marani

Cast / Elenco: Moe Kaplan Arias, Cecilia Rainero, Agustín Mendilaharzu

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 72 Berlinale: Generation Kplus; 02/2021; Germany

– 21 NYICFF, NY Int Children Film Festival; 02/2022; US

– 34 Rencontres de Toulouse Latin American Film Festival; 03/2022; France

– 23 BAFICI; 04/2022; Argentina

– 5 Psaroloco International Children’s & Young People’s Film Festivals; 07/2022; Greece

– 16 Filem’on International Film Festival for young audiences; 10/2022; Belgium

  • Links:

Trailer:

Social Network:

https://instagram.com/emiherbst

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  • Contact / Contacto:

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Alpapuyo

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) – 00:05:24 – Color – 24 FPS – NTSC – Stereo – 2.35:1Argentina – animation music video – 3D – Blender cycles / Substance 3D Painter / Marvelous Designer

  • Logline:

Three characters tell the story of Alpapuyo, that low cloud that covers the mountain. And each with their fears and concerns, run from the unknown.

Tres personajes cuentan la historia del Alpapuyo, esa nube baja que cubre la montaña, cada uno con sus miedos y preocupaciones, huyen de lo desconocido.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Pieces come together and create three masks. Surrounded by rocks, one of them finds itself with someone who is identical to itself. The second one, as part of a ritual, decides to throw itself into the void. The third one dances in a mirror hall until its own shape becomes too much to bear.

Piezas se encastran y forman máscaras, una de piedra, otra de madera y la última, de plástico. Rodeada de piedras, una de ellas se encuentra con un ser idéntico a sí. La segunda, como parte de un ritual, se arroja al vacío. La tercera baila en un salón espejado hasta que su propia imagen la abruma.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Pieces come together and create three masks, one made of stone, the other made of wood, and the last one made of plastic. They are three humans waking up in a land of fantasy. Surrounded by rocks, one of them finds itself with someone who is identical to itself. The second one, as part of a ritual, decides to throw itself into the void. The third one dances in a mirror hall until its own shape becomes too much to bear. In each moment of crisis, a cloud reaches every character, covers them in smoke, and disarms their masks.

Piezas se encastran y forman tres máscaras, una de piedra, otra de madera y la última, de plástico. Son personas despertando en terrenos de fantasía. Rodeada de piedras, una de ellas se encuentra con un ser idéntico a sí. La segunda, como parte de un ritual, decide arrojarse al vacío. La tercera baila en un salón de espejos hasta que su propia imagen la abruma. En cada momento de crisis, una nube alcanza a cada personaje, les cubre de humo y desarma sus máscaras.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

FIONA LENA BROWN

www.behance.net/fionalenabrown

Fiona Lena Brown was born in 1994 in Tucumán, Argentina. In 2020 she graduated as a graphic designer. Over the last few years, she has developed 2D and 3D animation techniques, directing several projects for documentaries, music bands and currently working for the Canadian company Designstripe. Since 2017, she is directing her feature film debut, “Carrero”, together with Germán Basso.

Fiona Lena Brown nace en 1994 en Tucumán, Argentina. En 2020 se gradúa de diseñadora gráfica en la UBA. A lo largo de los últimos años se desarrolla en técnicas de animación 2D y 3D, dirigiendo varios proyectos para documentales, bandas de música y actualmente para la empresa canadiense Designstripe. Desde 2017 dirige junto a Germán Basso su ópera prima de largometraje “Carrero”.

GERMÁN BASSO

Germán Basso, 1984, La Plata, Bs As. In 2010 he graduated as a historian. After venturing into the production of a show hosted by Roberto Pettinato, he completed his Master’s Degree in Documentary Film (FUC) in 2015, and in 2017 he finished his first short film: Cosas Viejas. He works as an editor at Vialidad Nacional, Argentina. Since 2017 he has directed his debut feature, «Carrero», with Fiona Brown.

Germán Basso, 1984, La Plata, Bs As. En 2010 se recibe de Lic. en Historia. Luego de incursionar en la producción de un late night show conducido por Roberto Pettinato, cursó en 2015 la Maestría en Cine Documental (FUC), y en 2017 terminó su primer cortometraje “Cosas Viejas”. Trabaja como editor. Desde el 2017 dirige junto a Fiona Brown su ópera prima “Carrero”.

  • Directors’s Statement / Declaraciones de lxs Directorxs:

With this music video, we wanted to enhance the concepts that appear in the song ‘Alpapuyo’. The Alpapuyo is that enclosure or thick low fog that envelops the environment, and we used that concept metaphorically to speak of a mental cloud, of that fog that generates any crisis or internal conflict, including the difficulty of the creative process of making this same music video. For this project, we combined different languages: 3D illustration (character design, clothing design, environment, objects, and subsequent post-production treatment of the image), animation of objects and characters, rendering, and the subsequent montage of the scenes. In the second reading, the project tells us about the identity of people, about the different costumes or masks that we can wear to face the world and the unknown. This video clip was sketched on paper in the Tigre Delta, rendered in Buenos Aires and Bariloche, and represents music that comes from Tucumán (all places from Argentina). We like to feel from many places. Somewhat also this language speaks a more universal language.

Con el videoclip, quisimos potenciar los conceptos que aparecen en la canción ‘Alpapuyo’. El Alpapuyo es esa cerrazón o niebla gruesa baja que envuelve el ambiente, y utilizamos ese concepto metafóricamente para hablar de una nube mental, de esa neblina que genera cualquier crisis o conflicto interno, incluyendo la dificultad del proceso creativo de hacer este mismo videoclip. Para ello combinamos diferentes lenguajes: ilustración 3D (diseño de personajes, diseño de indumentaria, de ambientes, de objetos, y un posterior tratamiento de postproducción a la imagen), animación de objetos y personajes, renderizado y posterior montaje de las escenas. Se plantean, en segundas lecturas, algunos temas que quizás pasan más desapercibidos en un primer momento. Nos habla de la identidad de las personas, de los distintos disfraces o máscaras que podemos vestir para hacerle frente al mundo y a lo desconocido. Este videoclip fue bocetado en papel en el Delta de Tigre, renderizado en Buenos Aires y Bariloche y representa música que viene de Tucumán. Nos gusta sentirnos de acá y de allá, de muchos lugares. Un poco también este lenguaje habla un lenguaje más universal.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Princesa Feona, Germán Basso

Director / Director: Princesa Feona, Germán Basso

Production / Producción: Princesa Feona, Germán Basso

Animation / Animación: Princesa Feona

Art Director / Director de Arte: Princesa Feona

Editing / Montaje: Germán Basso

Original Music / Música Original: Mango Lafruta, Javier Nadal Testa

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 15 Festival Internacional de Cine Independiente de Villa de Leyva; 11/2021; Colombia

– 6 BMVF, Bogotá Music Video Festival (Special Mention); 11/2021; Colombia

– 3 BAMV Fest, Buenos Aires, Music Video Festival (Best Animation); 12/2021; Argentina

– 35 SECIME, Medina del Campo ISFF; 03/2022; Spain

– 3 Kaboom Animation Festival; 03/2022; The Netherlands

  • Links:

Social Media:

https://www.instagram.com/princesa_feona/

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https://instagram.com/germanbasso

https://www.facebook.com/german.basso.7

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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info@filmstofestivals.com

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Pintango

Paintango

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) – 00:11:20 – Color – 25 FPS – PAL – Stereo – 16/9Canon RevelArgentina – animation short film: stop motion – satire, dramedy, cultural, art

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Pacho y Mimí están pasando una mala racha e improvisan un espectáculo de tango para interesar a un galerista norteamericano en sus cuadros figurativos y tangueros. Pero es su paleta la que obtiene un éxito inesperado.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Pacho y Mimí viven dentro de una maqueta de un estudio de animación, en el barrio de La Boca de Buenos Aires. Él es pintor y ella cantante de tangos, y están pasando una racha de mishiadura. Para pagar sus facturas, intentan venderle un cuadro al animador, pero como éste no puede  transgredir el guión, les manda de visita unos turistas norteamericanos que tienen galería de arte en Nueva York. Aunque Mimí los agasaja con un espectáculo de tango, la pintura tanguera y figurativa de Pacho no les interesa. Sin embargo, su paleta tiene un éxito inesperado.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

RODOLFO PASTOR

Español/Argentino

Specialized in stop-motion techniques for over 40 years, Rodolfo Pastor created advertising films, animated TV pieces, and series. His production company «Estudio Rodolfo Pastor» produced the internationally awarded “CAPELITO” series, among others. Rodolfo also has been teaching animation in different centers in Spain, Argentina, Portugal, and Paraguay. He was a member of the Jury at several international festivals like Annecy or CINANIMA.

Dedicado a la animación de stop-motion por más de 40 años, RODOLFO PASTOR creó numerosos clips de publicidad, piezas de TV y series en España y Argentina, entre los que se cuenta la serie CAPELITO, premiada en numerosos festivales internacionales. Rodolfo también se ha dedicado intensamente a la enseñanza de animación en diversos centros de estudios de Argentina, España, Paraguay y Portugal. Fue jurado en numerosos festivales, como el de Annecy o Cinanima.  

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I made this short film in homage to my father, the painter SIGFREDO PASTOR, nicknamed “the greatest brush of tango”. The project was a winner of the INCAA-2018 competition for short film projects and has been financed with this award.

Realicé este cortometraje en homenaje a mi padre, el pintor SIGFREDO PASTOR, apodado “el pincel mayor del tango”. El proyecto fue ganador del concurso de proyectos de cortometrajes del INCAA-2018 y financiado con dicho premio.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Rodolfo Pastor

Director / Director: Rodolfo Pastor

Production / Producción: Petra Steinmeyer

Cinematography / Dirección de Fotografía: Rodolfo Pastor

Animation / Animación: Bea Blankenhorst, Rodolfo Pastor

Puppets / Muñecos: Cecilia Centeno, Petra Steinmeyer, Rodolfo Pastor

Art Director / Director de Arte: Petra Steinmeyer

Sound Design / Diseño de Sonido: Pablo de la Reta

Original Music / Música Original: Marcelo Boccanera

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 15 Baixada Animada, Animation Film Festival (Best International Short Film); 01/2022; Brazil

– 26 Animac, International Animation Film Festival; 03/2022; Spain

  • Links

Trailer:

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https://www.facebook.com/petra.ilustradora

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Maragato

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) – 00:27:50 – Color – 25 FPS – PAL – ESTEREO  – 16/9– 2kMisiones, Argentina  –  war, social issue, freedom

  • Logline:

Una guerra decadente.  Un prisionero obligado a matar para no morir. La frontera y el río son la esperanza de liberación.

Uma guerra decadente. Um prisioneiro forçado a matar para não morrer. A fronteira e o rio são a esperança da libertação.

A decadent war. A prisoner is forced to kill in order to avoid death. The frontier and the river are the hope of liberation.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Uno de los conflictos bélicos más sangrientos en la historia de una región: la guerra das Degolas. El último prisionero de un ejército decadente. El río como única salvación. Una frontera se abre paso entre la vida y la muerte.

Um dos conflitos de guerra mais sangrentos da história de uma região: a guerra das Degolas. O último prisioneiro de um exército decadente. O rio como única salvação. Uma fronteira corta a vida e a morte.

One of the bloodiest war conflicts in the history of a region: The War of Degolas. The last prisoner of a declining army. The river is the only salvation. A border that cuts through life and death.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

Born in Misiones, Argentina, graduated from the Eliseo Subiela Cinema School. He made films following the environmental theme and mixing documentary with fiction. In 2018, he made the series “Urú and other stories” (Málaga Film Festival). In 2019 he founded Estudio 2527 and produced “Night Falconer” animation and “Maragato” (recently finished).

Nacido en Misiones, Argentina, se recibió en la Escuela de Cine de Eliseo Subiela. Hizo películas siguiendo la temática ambiental y mezclando documental con ficción. En 2018 realiza la serie “Urú y otros relatos” (Festival de Málaga, España). En 2019 funda Estudio 2527 y produce la animación “Cetrero Nocturno” y MARAGATO  (terminada actualmente).

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

El proyecto de cortometraje MARAGATO, está contextualizado geográficamente en la actual región fronteriza que actualmente componen la provincia de Misiones (Argentina) en su margen sur recostada contra el río Uruguay y poblados de Río Grande do Sul (Brasil). Temporalmente, la ficción se recrea aproximadamente entre los años 1893 y 1895, años entre los cuales se desarrolla la llamada Revolución Federalista en el sur brasileño. El conflicto se dio entre brasileños unitarios (Pica Paus) y brasileños federalistas (maragatos) con apoyo de argentinos y uruguayos. Para la elaboración del guion, se realizó una investigación referida principalmente a las características históricas de aquel conflicto, señalado como uno de los “más crueles y terribles” episodios bélicos de la historia de una región. Pero también, se investigó la historia de la población “negra” o afro-descendiente en el Brasil de entonces y su posible involucramiento en el conflicto. El personaje principal, Teodoro, está fuertemente inspirado en la historia real de Teodoro Alvez, un hijo de esclavos que tras haber sido capturado por el Ejército Pica Pau en el conflicto antes mencionado es obligado a degollar prisioneros, escapó a través del río Uruguay y se estableció en el poblado sureño de la provincia argentina de Misiones, llamado Puerto Azara. Teodoro es interpretado en esta ficción por su bisnieto Andrés Alvez.  Una cámara al hombro que llamamos “cámara viva” sigue a los personajes que deambulan en el final de una nefasta guerra en la frontera de la realidad y la locura.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Sergio Alvez

Director / Director: Elian Guerin

Production / Producción: Elian Guerin

Cinematography / Dirección de Fotografiá y cámara: Iñaki Echeverría.

Production Design / Direccion de Arte: Leticia Álvarez

Wardrove / Vestuario: Luciana Bobadilla

Ambientador: Leandro Gimenez

Make up & FX / Maquillaje y FX: Mónica Acuña.

VFX: Horacio Iaboni

Sound Design / Diseño de Sonido: Hernán Ruiz Navarrette

Original Music / Música Original: Juan Pablo López

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/580910873

Instagram: https://www.instagram.com/maragatofilm/

Facebook: https://www.facebook.com/Maragato-Film-109292524738185

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Acordate dame un beso al despertar

Remember to Kiss Me When You Wake Up

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:23:54 / RATIO / Color / Sound: Stereo / PAL / 24 FPS / Analogic Rotoscopy? / Animation Documnetary: portrait, women, family ties, essay, relationships / Santa Fé, Argentina

  • Synopsis / Sinopsis:

For fifteen years, while living in the same house my mother, sisters and I, wrote letters to each other. In this animated essay, the words of that epistolary experience dialogue with images of today’s daily life, as a way of exploring the emotional bonds between the women of my family.

Durante quince años, viviendo en la misma casa con mi mamá y mis hermanas nos escribíamos cartas. En este ensayo animado las palabras de aquella experiencia epistolar (testimonio)  dialogan con imágenes del cotidiano actual, intervenidas para explorar los vínculos afectivos entre las mujeres de mi familia.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

ESTEFANIA CLOTTI

Web: https://vimeo.com/user7397024    

Animator and visual artist. She directed the short films JUAN MUTANT (2016), THE DOMAIN OF STONES (2017), and HOW TO MAKE A HOUSE (2018). She won INCAA Childhood contests and various subsidies. She was part of the Art exhibitions «16 lonely hearts» 2018, «The drawing as a house» 2018/19, and «Urban Interventions» 2018/19. Graduated from EPCTV and the School for animators. She teaches «Experimental animation».

Estefanía Clotti (Rosario, Argentina, 1985). Animadora y dibujante. Dirigió los cortometrajes  JUAN CAMBIANTE (2016), EL DOMINIO DE LAS PIEDRAS (2017) y CÓMO HACER UNA CASA (2018). Ganó concursos Infancias INCAA y subsidios varios. Formó parte de las muestras colectivas “16 corazones solitarios” 2018, “El dibujo como casa” 2018/19 e “Intervenciones Urbanas” 2018/19. Graduada de la EPCTV y de la Escuela para Animadores. Es docente de «Animación experimental».

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

It all started as a game. I would select videos that I recorded with my phone; I would print them and paint silhouettes over the real image of my grandmother, my mother, or my sisters. It was motivating to explore the contrast between those two images. The first voice-over would go along this way, describing what these people were like underneath the coat of paint. They were like exercises that, without me noticing it, began to accumulate in a timeline. The letters came afterward and started to sneak in until they completely replaced the descriptions. It seemed to me that describing with a piece of the letter was a much more open, metaphorical, and challenging game. To account for an intimate exchange without exposing my family resulted in an emotional encounter with whoever was exposed to the film, perhaps even in those animated figures, which are only left with their voices and surroundings as the last remnants of their originality. In times, those figures are nothing but stains, allow for anyone to identify themselves or others in them, turning an intimate play into a universal one. To grab these words circulated in writing in my family and recreate a new “letter” that would speak of me about them was the final trigger, without solemnity, without splendor, without efficiency, and leaving room for play and chance.

Al principio fue un juego. Seleccionaba videos que grababa con el celular, los imprimía y pintaba una figura sobre el cuerpo real de mi abuela, mi mamá o mis hermanas. Me motivaba explorar sobre el contraste de esas imágenes. La primera voz en off iba sobre esa línea, describía como eran esas personas debajo de la pintura. Me lo tomaba más bien como ejercicios que casi sin darme cuenta se estuvieron acumulando en un timeline. Las cartas llegaron después y fueron filtrándose hasta tomar la posición de esas descripciones. Describir tomando un trozo de una carta me pareció un juego más abierto, metafórico y desafiante. Dar cuenta de un intercambio íntimo, sin exponer a mi familia resulto en un encuentro sensible con quien se dispone ante el cortometraje, tal vez en esas figuras animadas, a las que solo les queda el entorno y su voz como vestigio de su originalidad, y que por momentos no son más que manchas, hace que cualquiera pueda tomar esa forma e identificarse, o identificar a otrx tornando el juego que parte de lo íntimo en un tema universal. Hacerme de esas palabras que circularon de forma escrita por mi familia y armar una nueva “carta” que hable de mí en relación a mi familia fue al final lo convocante, pero sin solemnidad, sin espectacularidad, sin eficiencia y sin dejar de darle espacio al azar y al juego.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Estefanía Clotti

Executive producer / Producción Ejecutiva: Ana Taleb

Sound Design / Dirección de Sonido: Fernando Romero de Toma

Animation & Editing / Animación y Montaje: Estefanía Clotti

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 25 Ji.hlava Int Documentary Film Festival; 10/2021; Czech Republic

– 23 BAFICI Int Independent Film Festival; 04/2022; Argentina

– 3 El Ojo Iluso, International Animation Festival; 05/2022; Venezuela

– 5 Our Fest, Stop Motion International Film Festival (Special Mention); 06/2022; Argentina

– 10 BioBio Cine, International Film Festival; 07/2022; Chile

– 8 Bogotá Experimental Film Festival (Best Short Film); 08/2022; Colombia

– 6 MUTA, International Experimental Film Festival; 08/2022; Peru

– 10 International Animation Film Festival Nikozi; 09/2022; Georgia

– 10 FICCS, Cuenca del Salado Int Film Festival; 10/2022; Argentina

– 12 ANIMA, Córdoba International Animation Festival (RAMA Award); 10/2022; Argentina

– 9 Corriente, Non Fiction Film Festival; 10/2022; Peru

– 5 Eneagrama International Experimental Film Festival; 10/2022; Argentina

– 11 Ultracinema, Experimental Film Festival; 10/2022; Mexico

– FAN, Neuquén Audiovisual Festival; 10/2022; Argentina

– 8 BitBang International Animation & Digital Art Festival; 10/2022; Argentina

– 39 Kassel Documentary Film and Video Festival; 11/2022; Germany

– 6 Bendita Tú, Women Film Festival; 11/2022; Argentina/Spain

  • Links:

Trailer:

https://vimeo.com/606576813

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Las Vigilias de la Noche

The Vigils of the Night

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) – 00:06:30 – Color – 24 FPS – PAL – Stereo – 16/9 Full HDArgentina – animation short film – 2D digital – software: Open Toonz, Photoshop, After Effects, Premiere Pro, Ableton Live, Reaper – fantastic, oneiric

  • Logline:

Three creatures in a desolate place, build reed birds as long as they talk about their own future and existence. The conversation illustrates a huge difference between their personalities and their perspective of reality.

En un extraño paraje, tres seres construyen muñecos de pájaros con juncos mientras mantienen una charla sobre la naturaleza de su existencia y su devenir, mostrando la diferencia de sus personalidades y su visión del mundo circundante.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

When the sun goes down DREAMS wake up. Three creatures dare to judge a mysterious DREAMER. They judge his existence and motivations as long as they question their own fears and cravings by playing to be creators. 

Cuando cae la noche despiertan los SUEÑOS. Tres seres oníricos muy observadores se atreverán a juzgar al enigmático SOÑADOR ausente, interrogándose sobre la existencia y motivaciones de aquél, que en definitiva son las suyas propias y encierran los miedos y anhelos que los representan. Entretanto, jugarán ellos mismos a ser creadores.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

In the vestiges of a world created by the DREAMER, a landscape shows traces of a splendid and remote past. Three surreal creatures: SOMBRILLA, BASTÓN y GARROTE, chat at the gaps shore as long as they build toy birds made from reeds. They talk about the world around them and an absent and mysterious DREAMER. GARROTE and BASTÓN are not lucky with their creations which are born dead or broken as their ideas of reality. On the other hand, SOMBRILLA will show them everything they set aside with a spectacular living bird as a symbol of his perspective of life.

En un mundo en ruinas creado por el SOÑADOR, el paisaje desolado da cuenta de un tiempo pasado más próspero. SOMBRILLA, BASTÓN y GARROTE, tres seres oníricos, se reúnen al margen de una pequeña laguna y construyen pájaros de juncos mientras conversan. Cada uno expone su visión del mundo onírico que los rodea y del ausente SOÑADOR. GARROTE y BASTÓN no tienen éxito con la construcción de sus pájaros, los destruyen o nacen inanimados, en una representación de sus ideas. SOMBRILLA les hará notar aquello que les pasa inadvertido y dará vida a un pájaro que simboliza su mirada de las cosas.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

NICOLÁS R. SÁNCHEZ

www.behance.net/nico_nigsar

Nicolás Sánchez (Buenos Aires, 1988) is a filmmaker and illustrator. He was educated as a Film and Animation Director at Da Vinci´s Institute and as an Audiovisual and Artistic Designer at UNRN. After co-directing his own graduation thesis “Pendiente” (2011), he worked as a freelancer in illustration, graphic design, and animation. In 2018 to date, he founded Kodixe Studio with his business partners and he is working by the moment in “The Silence of the Nobodies” and “The Vigils of the Night”.

(Buenos Aires, 1988) es realizador audiovisual e ilustrador. Cursó sus estudios en Dirección de Cine de Animación en el Instituto DaVinci y en Diseño Artístico Audiovisual en la UNRN. Después de co-dirigir su cortometraje de graduación Pendiente (2011), trabajó de manera independiente en ilustración, diseño gráfico y animación. En 2018 co-fundó Estudio Kodixe, donde trabaja en “El Silencio de los Nadies” y “Las Vigilias de la Noche”.

ESTANISLAO A. CORTADA

Estanislao A. Cortada (El Bolsón, Río Negro, 1989) is an illustrator, writter and filmmaker. He studied Political Science at UNPSJB. He released the electronic music albums “Non Nova Sed Nove” (2011) and “Oniria: Regnum Somnia” (2013). Since 2014 he publishes “Aquello Insólito”, and edited a book in 2016. In 2018 to date, he founded Kodixe Studio with his business partners and he is working by the moment working in “The Silence of the Nobodies” and “The Vigils of the Night”.

(Río Negro, 1989) es escritor, ilustrador y realizador audiovisual. Cursó sus estudios de Lic. en Cs. Políticas en la UNPSJB. Editó los álbumes de música electrónica “Non Nova Sed Nove” (2011) y “Oniria: Regnum Somnia” (2013). Desde 2014 publica la tira “Aquello Insólito”, editando un libro en 2016. En 2018 co-funda Estudio Kodixe donde trabaja en “El Silencio de los Nadies” y “Las Vigilias de la Noche”.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This project was born in the first few months of the Covid-19 pandemic. The context was pessimistic and hopeless. Because of the obstacles at that moment, we try on transmitting an encouraging message of the future.  Based on this idea, we created some characters with the values of the present and future and we chose a perspective about the persistence of the dreams beyond challenges. From the beginning, the project was designed as an animation short film because of the affinity we both feel about this format that, we assume, is the ideal way to tell the best of our stories. Animation has a huge attribute to create as surrealistic worlds as we imagine and that’s why we chose this way to tell our story taking into account the skills we both have. We are very satisfied with the results.

Este proyecto nació en pleno inicio de la pandemia mundial por el Covid-19, los primeros esbozos conceptuales y de guión se dieron durante los meses iniciales del aislamiento. El clima de época, el contexto y los sentimientos generalizados bajo los cuales comenzamos nuestro trabajo fueron por lo tanto de neto pesimismo, desesperanza e incertidumbre. Frente a estas perspectivas nuestro concepto rector, nuestra intención principal, fue dar un mensaje de esperanza, una visión de futuro positiva, una mirada que vislumbre posibilidades y oportunidades más allá del difícil presente. Con esta idea en mente la historia y los personajes se convirtieron a su modo en portavoces de posiciones encontradas sobre el presente y el futuro, y la posición que predomina en definitiva es aquella que sostiene la permanencia de los sueños, las aspiraciones y las ideas. Ante la desesperanza nuestro mensaje es la convicción o incluso la certeza de los sueños y las utopías. Llevar a cabo este proyecto en animación fue tanto un objetivo personal como una propuesta estética que nos planteamos desde el comienzo. Un objetivo personal en el sentido de que somos amantes del género y lo vemos como una forma privilegiada de llevar adelante la expresión de ideas. Una propuesta estética dado que las posibilidades de mostrar un mundo y personajes oníricos a través de este arte se nos presentaba como la vía más apropiada, generando un planteo visual cuidado en la construcción de los escenarios, diseño de personajes, iluminación, fotografía y diseño sonoro, capaces de expresar la atmósfera surreal que buscábamos. Y viendo el resultado de nuestro trabajo estas aspiraciones resultaron más que satisfechas.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Estanislao Cortada

Director / Director: Nicolás Sanchez, Estanislao Cortada

Production / Producción: Nicolás Sanchez, Estanislao Cortada

Cinematography / Dirección de Fotografía: Nicolás Sanchez, Estanislao Cortada

Animation / Animación: Nicolás Sanchez, Estanislao Cortada

Art Director / Director de Arte: Nicolás Sanchez

Editing / Montaje: Nicolás Sanchez, Estanislao Cortada

Sound Design / Diseño de Sonido: Nicolás Sanchez, Estanislao Cortada

Original Music / Música Original: Leandro Maria (Proyecto CALU)

Voices / Voces: Melina Cánova, Estanislao Cortada, Nicolás Sanchez

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

  • Links:

Trailer: https://youtu.be/ICTlWIAIBYk

Social Media:

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  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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Kokoro

  • Technical Info / Información Técnica:

(2020) / 00:15:53 / HD / COLOR/ NTSC/ Stereo / Japón /Argentina

  • Logline:

Un chico será deslumbrado por la belleza de una chica en el subte, que luego perderá entre la gente, partiendo en una búsqueda que mutará fortuitamente hacia un viaje interior.

A guy will be astonished by a chance encounter with a girl in the subway that then dissipates, launching him into a search for her, which will fortuitously mutate in a personal pursuit.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Akihiro (18) es poeta. En un viaje de subte se encontrará a Qyoko (20), una chica que lo deslumbrará con su belleza. Luego de algunos intentos de acercamiento, deberá dejar el subte, perdiéndola entre la gente. Esto desencadenará en una búsqueda apasionada por la noche de Tokyo, no dando con ella y encontrándose con Chiyo (45), una mujer de un servicio de acompañantes, quien compartirá su desamparo, y lo guiará hacia el entendimiento verdadero de su propia búsqueda.

Akihiro (18) is a poet. On a subway trip, he will see Qyoko (20), a girl that will baffle him with her beauty. After a couple of attempts of being noticed by her, he will have to leave the subway, losing her among the people. This will trigger his passionate search for her in the night of Tokyo, leading to Chiyo (45), a kind woman from a company service agency, with whom he will share his angst, and from whom he will receive powerful hints about what his real search is about.

  • Director´s Biography / Biografía de los directores:

Francisco del Sel estudió dirección de cine en ESCAC (Escola Superior de Cine y Audiovisuals de Catalunya). Luego de diversas prácticas en ficción dentro de la Universidad en 2017, viajó a Tokyo para grabar Kokoro en 2018/19. Dirigió algunos videoclips y fashion films tanto en Barcelona como en Buenos Aires, con su productora S.O.V.O., que lleva adelante junto con su primo.

Francisco del Sel obtained a film direction degree in ESCAC (Catalunian Film and audiovisual superior school). After several practices in writing and directing short films, he traveled to Tokyo where he shot Kokoro, in 2018/19. As well, he directed some music videos and fashion films, both in Barcelona and in Buenos Aires, with his production company S.O.V.O., which he runs with his cousin.

  • Director’s Statement / Declaraciones de los  directores:

El proceso de creación y producción fue realmente apasionante. La historia se fue construyendo en fragmentos de un viaje que hice desde Europa hasta Asia. Producir y rodar en Tokyo fue toda una aventura, teniendo que crear un equipo desde cero y dirigir en un idioma que desconozco absolutamente. Imposible pedir más del equipo con el que tuve el privilegio de trabajar: son ellos el contenido de la obra, quienes le dieron vida. Enormemente agradecido por eso.

The creative process was absolutely thrilling. The story originated in a fragmented manner during my Europe to Asia trip. Shooting in Tokyo was a true adventure, in the sense that I had to build a working team from scratch, and direct in a language completely alien to me. Glorious teammates and friends, who truly are the whole content of the project, made from all this a living thing. Immensely grateful for that.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Francisco del Sel

Director /  Director: Francisco del Sel

Producer / Producción: Francisco del Sel

DoP & Camera / Dirección de Fotografía y cámara: Francisco del Sel

Directora de Arte / Art Direction: Sascha Piskun

Vestuario / Wardrobe: Sascha Piskun

Film Editor / Montaje: Manuel Salomón y Francisco del Sel

Sonido directo/ Sound: Thomas Deane

Sound design / Diseño de sonido: Ezequiel Tarica

Original Music / Música Original: Muromuk, HHHH, Gauchos de medianoche y Milagros Yaya

Color / Grading: Daniel Carrizo

Traductor / Translator: Qyoko Kudo y Daniel Gevorgyan

Cast: Seijiro Konno, Nagisa Chauveau y Qyoko Kudo

  •  Festivals & Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 18 Shnit Worldwide Shortfilmfestival: Playgrund Buenos Aires (Audience Award); 10/2020; Argentina

  • Links:

Trailer:

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals

info@filmstofestivals.com

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Volver a Hamlet Siempre

Visions of a Hamlet Scene

  •  Technical Info / Información Técnica:

(2020) / 01:04:00 / Color/ Blanco y negro / 4:3 y 16:9/FORMATO/ NORMA/ 25fps / Stereo / Argentina / Documental/ Documentary

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Un colectivo de cinéfilos, a comienzos de los ’90, se propuso filmar en VHS una versión de Hamlet en un teatro incendiado durante la Dictadura. El Príncipe sería entonces un motor para visibilizar la lucha por la reapertura de la Carrera de Cinematografía que la misma Dictadura había clausurado, entendiendo que una forma de hacer cine es formar a nuevas generaciones para que lo realicen.

A group of moviegoers, in the early ’90s, set out to film a version of Hamlet on VHS in a theater that was burned down during the dictatorship. The Prince would then be an engine to make visible the fight for the reopening of the Cinematography Career that the Dictatorship itself had closed, understanding that one way of making cinema is to train new generations to do it.

  • Director’s Biography / Biografía del director:

Trained at the University of Fine Arts of the UNLP and in workshops with Pino Solanas, Dalmiro Sáenz, Alejandro Agresti, has been a fellow of the last Script Workshop given by Gabriel García Márquez during 2008, in San Antonio de los Baños, Cuba. He has published chronicles, children’s books and directed the theatrical version of El Eternauta, with the cast of Comedy and the participation of Cristina Banegas, Lorenzo Quinteros and Víctor Laplace.

Formado en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP y en talleres con Pino Solanas, Dalmiro Sáenz, Alejandro Agresti, ha sido becario del último Taller de Guión impartido por Gabriel García Márquez durante 2008. Ha publicado crónicas, libros infantiles y ha dirigido la versión teatral de El Eternauta, con el elenco de la Comedia y la participación de Cristina Banegas, Lorenzo Quinteros y Víctor Laplace.

  • Overview / Ficha técnica:

Dirección, Guión y Producción General / Director, Script & Productor:

Gustavo Alonso

Producción General / Productor: Noemí Fuhrer

Producción Ejecutiva / Executive Production: Graciela Maza, Jorge Rocca

Fotografía / Cinematography: Pablo Huerta

Diseño Sonoro y Música / Sound Design & Original Soundtrack: Manque La Banca

Edición / Editor: Pilar Falco, Tobías Cédola, Pablo Huerta

  •  Festivals & Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Festival de Cine Latinoamericano de La Plata (FESAALP, 2019), Premio La Plata Filma
  • Festival Shakespeare Buenos Aires, 2021

  • Links:

Trailer:  https://vimeo.com/441849462

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals

info@filmstofestivals.com

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El Camino de Martín Negri

The road of Martin Negri

2020 / 01:43:00  /HD/ 25FPS/ COLOR/ SONIDO  / 16:9/ Argentina/ +18

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Martín Negri es un controlador ambiental que vive en Bahía Blanca, y su zona más caliente a cargo es el Polo Petroquímico de esa ciudad ubicado en Ingeniero White.  Martín sufre represalias laborales al no dejarse corromper y enferma.

Martin Negri is an environmental controller who lives in Bahia Blanca.  He is mainly in charge of monitoring the troubled Petrochemical Pole of the city, located in Ingeniero White. As a result of refusing to accept bribes, Martin suffers labor retaliation and gets sick.

  • Long Synopsis/ Sinopsis Larga:

Martín Negri es un controlador ambiental que vive en Bahía Blanca, y su  zona más caliente a cargo es el Polo Petroquímico de esa ciudad ubicado en  Ingeniero White. También tiene a cargo el control de industrias en lugares  más alejados como Tres Arroyos, a casi 300 km de distancia, por lo que recorre grandes distancias. A partir de una carta en reclamo al director del organismo provincial, para el  que trabaja, Martín consigue volver a tener una camioneta después de casi  tres meses sin vehículo en los que se tuvo que manejar en colectivo. Si bien el  reclamo tuvo un efecto positivo a priori, logró que le den otro vehículo ya que  el suyo llevaba tres meses en el taller, la carta lo lleva a generar un conflicto  con la Jefa de Controladores; quién toma represalias sacando los mensajes  de texto del teléfono del organismo.

Martin Negri is an environmental controller who lives in Bahia Blanca. He is mainly in charge of monitoring the troubled Petrochemical Pole of the city, located in Ingeniero White. He also supervises other industries in remote places such as Tres Arroyos, almost 185 kilometers away, and in consequence, has to travel long distances. After a complaint letter to the Head of the Province Body, Martin manages to have his truck returned, a truck he was not allowed to drive for three months, which resulted in him having to travel by bus. Initially, his claim has a positive effect, as he is given another vehicle, but it leads to conflict with the Head of Controllers. She retaliates by canceling his text messages over his work phone. 

Director´s Biography / Biografía del director:

Nacido en Algarrobo (Buenos Aires), ejerce como Abogado desde 1997,  especializado en Derecho penal y Criminología. Ha actuado en causas  judiciales relacionadas con problemáticas ambientales y vinculadas a la  defensa de los derechos humanos. Estudió guión en GUIONARTE, Buenos  Aires en 2010.  Su ópera prima “¿Dónde está Daniel Solano? Diario de una causa” (2013),  de la cual es guionista, productor y director aborda la lucha de un padre  por encontrar el cuerpo de su hijo, un trabajador golondrina de Salta,  desaparecido en el Valle medio de la Patagonia. Fue premiada en el Festival Latinoamericano de Cine Independiente de Bahía Blanca 2013 como  mejor película por el voto del público.

He was born in Algarrobo, Province of Buenos Aires and he has been a lawyer since 1997. He has specialized in Criminal Law and Criminology.  He has been a lawyer in court cases that deal with environmental issues and defend human rights. He studied screenwriting in GUIONARTE in 2010 in Buenos Aires. Where is Daniel Solano? Diary of a cause (2013), his first feature film as a screenwriter, producer, and director, tells a father’s struggle to find the body of his son, a migrant laborer from Salta, who disappeared in Valle Medio in Patagonia. It was awarded Best Film at the Bahia Blanca Latin American Independent Film Festival in 2013, a prize is chosen by its audience.

  • Director’s Statement / Declaraciones del director:

El proyecto nace en el año 2013 cuando la madre de Martín Negri, Norma  Braunbreck me da acceso a más de 500 horas de grabaciones laborales y  personales de Martín, que grabó con su teléfono celular entre 2009 y 2012.  Después de su muerte, nos pusimos en contacto, cuando declaré en el juicio  que ella le realizó a la provincia por el mobbing laboral al que fue sometido  Martín Negri. Norma después de ver mi primera película me entrega ese  material, con la intención de que difunda su causa dándome acceso a su  mail, miles de fotos y algunos videos. A Martín Negri lo conocí cuando estaba en una situación laboral difusa  después de varios años de conflicto con la gestión del organismo de control  ambiental para el que él trabajaba, aunque hacía un tiempo que no le asignaban tareas pero tampoco era despedido formalmente. Cuando lo conocí  tomé dimensión del compromiso ambiental de Martín quién fue el único  que clausuró la planta de refinado liviano de Petrobras en diversas ocasiones en años anteriores, y quién fue felicitado por su trabajo desde distintos  municipios en los que se desempeñaba antes de que llegue la gestión del  organismo con la que Martín se enfrenta. Martín me da información valiosísima para demostrar en la justicia que la empresa Petrobras operó con permisos vencidos varios años lo que valió su clausura.  Lamentablemente esto Martín no lo pudo ver, y tomó una decisión drástica,  altruista, quizás considerando que de este modo su causa y las distintas  causas de contaminación del medio ambiente en las que se vio envuelta  esa gestión que comenzó en el año 2007 y terminó poco después, probable mente a raíz de sus denuncias y su decisión final. Dar a conocer esta historia es la motivación de la película.

This project was born in 2013 when Norma Braunbreck, Martin Negri’s mother, gave me access to more than 500 hours of personal and work recordings Martin had been taping on his cell phone between 2009 and 2012. After Martin’s death, we established a relationship with his mother when I testified at their trial overwork harassment against the State.  After she watched my first film, Norma gave me access to all this material that included emails, pictures, and videos, in hopes that it would raise awareness of the cause. I met Martin Negri when he was in a very unclear employment situation due to years of conflict with the Environmental Control Agency where he worked. It had been a while since he had been assigned new tasks, yet he was never formally fired. When I met Martin I understood his commitment to the environmental cause. He was the only person to close down Petrobras’s refining plant on many occasions during the course of past years. He used to be recognized by many districts for his hard work before his confrontation with this administration. Martin provided me with very valuable information to expose Petrobras in court and how it had been operating under expired licenses over the years, which led to its closure. Unfortunately, Martin was unable to see this happen as he took a very drastic and altruistic decision. He probably understood that, by doing so, his cause and every other environmental cause involving this particular administration would be noticed, an administration that ran since 2007 and didn’t last long, presumably as a result of Martin’s complaints and due to his final decision. To raise awareness of this cause and this story is my own personal statement.

  • Crew List / Ficha técnica:

Director, Productor y Guionista / Director, Producer & Script: Leandro Aparicio

DoP & Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Julián Cantaro

Film Editor / Edición y Dirección técnica y Puesta en Escena: Rafael Guzmán

Sound design / Diseño de sonido: Tomás Frontroth

Post Production Coordinator / Coordinador de Post Producción: Rafael Guzmán

Animation / Animación: Rafael Guzmán

Sonido Directo / Sound: Nicolás Canale

Música / Music: Juan Pedro Santoro

Cast: Edgardo Pascualini, Silvana Seewald, Ramiro Gatti, Martín Pavlosky, Natalia Díaz, Christian Thorsen, Seba Berenguer, Sebastián Cardillo

  •  Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 5 Bannabá Fest, HHRR International Film Festival (Best Feature Film); 09/2021; Panamá

  • Links:

www.elcaminodemn.com.ar

Trailer: https://youtu.be/v1kd3KyE5PI

  • Contacto / Contact:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals

info@filmstofestivals.com

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Barrio Frontera

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:18:17 / ratio 1.85:1 / COLOR / Stereo / Camara Alexa Mini / 2K / 24 FPS / US-Argentina / Drama, Family, Social Issues, Migration, Inequalities

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A teenage girl from a poor rural village in northern Argentina moves to a huge informal urban settlement in Buenos Aires and she must quickly adapt to this radically different urban environment.

  • Synopsis / Sinopsis:

A teenage girl from a poor rural village in northern Argentina moves to Buenos Aires to pursue a life with more opportunities and the hopes of helping her family back home. Sharing a small room in a huge informal settlement with her older cousin’s family, she must quickly adapt to this radically different urban environment.

Una adolescente de pocos recursos llega del norte de Argentina para mudarse a la ciudad de Buenos Aires en busca de más oportunidades, con la esperanza de ayudar a su familia. Allí, se instala en un asentamiento informal y comparte un cuarto con la familia de su prima. Así, tendrá que adaptarse a un ambiente urbano radicalmente nuevo para ella.  

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

A freelance editor and aspiring filmmaker from Seattle WA, Reed spent several years living in Buenos Aires working on a documentary film focused on urban issues. For over a year, he lived in the neighborhood where this film was shot and became integrated into the community.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This film is based on personal experiences and real-life situations and people, some of whom play themselves in the film. I spent three years in the neighborhood (an informal urban settlement) portrayed in the film. I also lived in the house for over a year that is used as the protagonist’s rental room in the film. In fact, the only way I was even able to make this film is because I had lived there and I am a friend with the family who owns the house, some of the tenants, as well as knowing the local community and neighbors who live on this street. All the characters who appear in the film are local residents and non-professional actors with the exception of the protagonist. The story for the film was inspired by a real teenage girl who lived across the street from my room at the time. I noticed her on several occasions gazing fixedly out the very same doorway Marisel gazes out of at the end of the film. I had spent a couple of years in this neighborhood at that point as well as various others in Buenos Aires and it was obvious to me that this girl had just moved from the countryside and had never seen an urban environment like that. As well, I’ve had various friends (both male and female) who explained to me the fear, uncertainty, and expectations to succeed they felt when they first moved to this neighborhood in their teens and 20’s. With this film, I hope to convey this fear and uncertainty of someone who has just arrived in this place to start a new life, as well as immerse the viewer in the daily life and culture of this “unique” urban environment. I write “unique” because although this type of neighborhood is foreign to North Americans, Europeans, and the middle/upper classes, it’s regular daily life for roughly a quarter of the world’s population. There have been various phases of rural-to-urban migration over the decades in the 20th and 21st centuries in Argentina and due to extreme levels of poverty – partly due to deforestation, mostly driven by large scale cattle and soy production in northern provinces such as Santiago Del Estero – there are still migrants arriving from these provinces for chances at a better life in Villa 31, located in the center of Buenos Aires. The opportunities the city provides as well as the strength of the communities in Villa 31 easily outweigh the precariousness of living in an informal settlement where there are higher levels of street crime and violence and where residents often face discrimination from the middle and upper classes of the city as well as the media.

Esta película se basa en experiencias personales y situaciones y personas de la vida real, algunas de las cuales se interpretan a sí mismas en la película. Pasé tres años en el barrio (un asentamiento urbano informal) retratado en la película. También viví en la casa durante más de un año que se utiliza como habitación de alquiler del protagonista en la película. De hecho, la única forma en que pude hacer esta película es porque había vivido allí y soy amigo de la familia propietaria de la casa, algunos de los inquilinos, además de conocer la comunidad local y los vecinos que viven en esta calle. Todos los personajes que aparecen en la película son residentes locales y actores no profesionales a excepción del protagonista. La historia de la película se inspiró en una adolescente real que vivía al otro lado de la calle de mi habitación en ese momento. La noté en varias ocasiones mirando fijamente por la misma puerta por la que mira Marisel al final de la película. Había pasado un par de años en este barrio en ese momento y en varios otros en Buenos Aires y era obvio para mí que esta chica se acababa de mudar del campo y nunca había visto un entorno urbano como ese. Además, he tenido varios amigos (tanto hombres como mujeres) que me explicaron el miedo, la incertidumbre y las expectativas de éxito que sentían cuando se mudaron por primera vez a este vecindario en su adolescencia y veinte años. Con esta película, espero transmitir este miedo e incertidumbre de alguien que acaba de llegar a este lugar para comenzar una nueva vida, así como sumergir al espectador en la vida cotidiana y la cultura de este entorno urbano “único”. Escribo «único» porque aunque este tipo de vecindario es ajeno a los norteamericanos, los europeos y las clases medias y altas, es la vida cotidiana de aproximadamente una cuarta parte de la población mundial. Ha habido varias fases de migración del campo a la ciudad durante las décadas de los siglos XX y XXI en Argentina y debido a los niveles extremos de pobreza, en parte debido a la deforestación, principalmente impulsada por la producción de soja y ganado a gran escala en las provincias del norte, como Santiago del Estero – Todavía hay migrantes que llegan de estas provincias en busca de oportunidades de una vida mejor en Villa 31, ubicada en el centro de Buenos Aires. Las oportunidades que brinda la ciudad, así como la fortaleza de las comunidades en Villa 31, fácilmente superan la precariedad de vivir en un asentamiento informal donde hay niveles más altos de delincuencia y violencia callejera y donde los residentes a menudo enfrentan discriminación de las clases media y alta de la población, así como los medios de comunicación.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Reed Purvis

Producer / Producción: Reed Purvis

Executive Producer / Productor Ejecutivo: Marcelo Vitali

Director / Director: Reed Purvis

Director Assistant / Asistente de Dirección: Ramiro Gómez Bustamante

DoP / Dirección de Fotografía: Flavio Dragoset (ADF)

Camera / Cámara: Martin Goiri

Art Director / Dirección de Arte: Victoria Cachan (ADF)

Sound design / Diseño de sonido: José E. Caldararo (ASA)

Editing / Montaje: Reed Purvis

Cast / Elenco: Mónica Córdoba, Florencia Salas

  • Festivals & Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 25 LA Shorts, International Film Festival; 07/2021; US

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/522562373

Social Networks:

https://www.instagram.com/reedpurvis/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

Gisela@filmstofestivals.com

https://www.instagram.com/reedpurvis/

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Latimos

Beats

  • Technical Info / Información Técnica:

(2020) – 00:07:18 – Color/B&W – 24 FPS – PAL – Stereo – 16/9Argentina – animation short film – 2D digital, cut out, cel – women, music, portrait, point of view

  • Logline:

Discover someone else’s heartbeats and, in the process, find your own.

Descubrir los latidos del corazón del otro y, en el camino, encontrar los propios.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Olivia is a pianist who uses her lovers’ heartbeats to compose the songs for her album. This story speaks about that moment prior to artistic creation, that moment when we turn to someone else to find something that, actually, lies within us.

Olivia es pianista y usa los latidos del corazón de sus amantes para componer los temas de su disco. Su historia nos habla de ese momento previo a la creación artística, ese tiempo en el que buscamos en el otro lo que, en realidad, está en nosotros mismos.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Olivia is a pianist who uses her lovers’ heartbeats to compose the songs for her album. One day, she finds a stethoscope on her piano and while her cat takes a stroll on the piano keys she takes the opportunity to listen to its heartbeat. Then, an idea pops up: seeking hearts to use heartbeats as melodies. This story speaks about that moment prior to artistic creation, that moment when we turn to someone else to find something that, actually, lies within us.

Olivia es pianista y usa los latidos del corazón de sus amantes para componer los temas de su disco. Descubre un estetoscopio sobre su piano y aprovecha el paseo de su gato sobre las teclas para escucharle el corazón. Encuentra así un método infalible de composición, salir al encuentro de corazones para usar los latidos como melodías. Su historia nos habla de ese momento previo a la creación artística, ese tiempo en el que buscamos en el otro lo que, en realidad, está en nosotros mismos.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

TAMARA AJZENSZTAT

https://www.imdb.com/name/nm3422673/

Tamara Ajzensztat has a Director of Photography diploma and since 2009, she works as a camera assistant and DIT in films and advertising. A few years ago she started training in writing and script. In 2020 she directed his first short film LATIMOS with the support of the National Film Institute INCAA, Cultural Sponsorship from Buenos Aires City and the Mauricio Kagel Art Institute, UNSAM.

Tamara Ajzensztat egresó como Directora de Fotografía de la ENERC. Desde 2009 trabaja como asistente de cámara y DIT en cine y publicidad. Hace unos años empezó a formarse en escritura y guión. En 2020 dirigió su primer cortometraje de animación LATIMOS con el apoyo del Instituto Nacional de Cine INCAA, Mecenazgo Buenos Aires y el Instituto de Arte Mauricio Kagel de la UNSAM.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

We believe that the only way to grasp the deep sense of this story is through real interdisciplinary work, because, as Bresson said, we don’t film to illustrate a thesis or to show only the external appearance of men and women, but to discover the stuff they are made of. To reach an unreachable heart.

Creemos que la única manera de alcanzar el sentido profundo de esta historia es a través de un verdadero trabajo interdisciplinario porque, en palabras de Bresson, no filmamos para ilustrar una tesis o para mostrar a hombres y mujeres limitados a su aspecto externo, sino para descubrir la materia de la que están hechos. Alcanzar ese corazón que no se deja atrapar.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Tamara Ajzensztat

Director / Director: Tamara Ajzensztat

Producer / Producción: Florencia Franco

Executive Production / Producción Ejecutiva: Florencia Franco, Tamara Ajzensztat

Production Manager / Coordinación de Producción: Paola Ovejeros

Animation Director / Dir. De Animación: Florencia Vilardebó

Animation / Animación: Emilia Abot,Analia Ciccone, Ulises Díaz López, Gastón Herrera, Ariel Martínez Herrera, Ivan Stur, Agustina Tuduri, Damila Veniani, Florencia Vilardebó

Art Director / Director de Arte: Elda Broglio

Art / Arte: Elda Broglio, Juana De Marco

Sound Design / Diseño de Sonido: Juan Manuel Ponce

Original Music / Música Original: Francisco Ponce, Juan Manuel Ponce

  • Festivals & Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 6 Bit Bang International Animation Film Festival (Special Mention); 11/2020; Argentina           

– 1 Multiversos Animation Film And Video Games Festival; 12/2020; Argentina

– 20 LALIFF, Los Angeles Latino International Film Festival; 06/2021; US

– 16 Shorts Mexico, International Short Film Festival; 09/2021; Mexico

– 5 Chaniartoon, International Comic & Animation Festival; 09/2021; Greece

– 9 FAB, Festival Audiovisual Bariloche (Best Sound Design); 09/2021; Argentina

– 11 ANIMA, Córdoba International Animation Festival; 10/2021; Argentina

– 9 FICCS, Cuenca del Salado Int Film Festival; 10/2021; Argentina

– 5 Dulcísimo Ovario, International Women Film Festival; 10/2021; Mexico

– 5 Anima Latina, Latin American Animation Festival (RAFMA Award); 10/2021; Argentina

– 9 Prime the Animation! New Talent International Festival; 10/2021; Spain

– 14 BANJALUKA, International Animated Film Festival; 10/2021; Bosna I Hercegovina

– 8 ISFMF, International Sound & Film Music Festival; 10/2021; Croatia

– 27 Rosario Latin American Film Festival; 10/2021; Argentina

– 10 Cartón International Animation Festival; 11/2021; Argentina

– 3 Equis Feminist Film Festival; 11/2021; Ecuador

– 12 Cine en Femenino, International Women Film Festival; 11/2021; Colombia

– 3 ICONA, Ionian Contemporary Animation Festival; 12/2021; Greece

– 9 MAFICI; 01/2022; Argentina

– 5 Calzate estos cortos, Festival de Cine Nacional; 02/2022; Argentina

– 13 Ciné Court Animé, Roanne Animation SFF; 03/2022; France

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/455947456

Social Media:

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https://www.instagram.com/tamara.ajz/

https://www.instagram.com/flor.franco/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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Palito Bombón Helado

POPS VS. RAISINS

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:14:00 / ratio 1.85 / COLOR / SOUND 5.1 / Alexa mini ProRes 4444 2K / 24 FPS / NTSC / Argentina / Drama, family, children, relationships, new beginning

  • Logline:

A grandmother and her grandson. A quiet afternoon in the park during springtime. A ruthless duel where the wittiest one will prevail.

Una abuela y su nieto, una bella tarde de primavera en la plaza, y un duelo despiadado donde el más ingenioso ganará.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Adolfito and her grandma Isadora meet in the park after a while without seeing each other. The distance between both benches will become shorter when their ruses fight to reach the weak point of the other.

Adolfito y su abuela Isadora se reencuentran en una plaza luego de un tiempo sin verse. La distancia de un banco al otro se verá rápidamente acortada cuando sus artimañas se ponen en movimiento para herirse hasta llegar a los puntos más débiles del otro.

  • Synopsis / Sinopsis:

Adolfito and her grandma Isadora meet at the park after a long time without seeing each other. The distance between both benches will become more narrow as they trick each other trying to find their weaknesses.  A tender short film with a black tone inspired by the characters of Jean-Pierre Jeunet’s and Sylvain Chomet’s films.

Adolfito y su abuela Isadora se reencuentran en una plaza luego de un tiempo sin verse. La distancia de un banco al otro se verá rápidamente acortada cuando sus artimañas se ponen en movimiento para herirse hasta llegar a los puntos más débiles de cada uno. Un cortometraje grotesco, tierno, y  con humor negro en un tono que la directora concibió inspirado en el cine francés de Jean-Pierre Jeunet y Sylvain Chomet.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

LUCÍA PAZ

Lucia Paz is a filmmaker who has directed three short films “A family recipe”, “Hic Locus” and “A great smoker” and two documentaries “What my body expresses” and “Wrinkles”. She has won the Historias Breves Prize for produce “Palito Bombon Helado”. In 2019, she won a scholarship and travelled to China to shoot “Jiaotong”. At present, she is post-producing a web series and she is developing her first feature film.

Lucía Paz es realizadora cinematográfica. Dirigió los cortometrajes de ficción “Una receta familiar”, “Hic Locus”, “Un gran fumador”; y los documentales “Lo que dice mi cuerpo” y “Vejeces”. En 2017 obtuvo el Premio Historia Breves para producir “Palito Bombón Helado”, y en 2019 viajó becada a China rodando allí “Jiaotong”. Actualmente se encuentra postproduciendo una serieweb y en desarrollo de su ópera prima.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

“Pops vs Raisins” is about a game, one of many games grandparents and grandchildren share together. There are no reservations with our grandparents. There is only a funny and honest audacity that makes that bond special. There are also some bad grandparents. How many times have we heard the expression ´My kind Grandma´ versus ´my bad Grandma´? This short film tries to empathize and vindicate that unique playful battle of crucial learning that exists among grandparents and their grandchildren.

“Palito Bombón Helado” se trata de un juego, uno más de los tantos que abuelxs y nietxs han jugado. Con nuestros abuelxs no hay tapujos, hay un desparpajo honesto y divertido que hace único al vínculo. Y también hay abuelxs jodidos, ¿cuántas veces hemos escuchado o dicho “mi abuela buena”, y “mi abuela, la mala”? Este cortometraje busca entrar en complicidad y reivindicar esta batalla lúdica y de aprendizaje vital que se dan entre abuelxs y nietxs.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Santiago Larre

Producer / Productor: Julieta Yadronik, Lucía Paz

Executive Producer / Producción Ejecutiva: Julieta Yadronik

Director / Director: Lucía Paz

DoP & Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Emiliano Charna 

Production Designer / Dirección de Arte: Emilio Lozano

Vestuario / Wardrobe: Cintia Ledesma

Film Editor / Montaje: Sebastián Pavez

Sound design / Diseño de sonido: Sebastián González

Música / Music: Miguel Kancepolsky Teichmann

Cast / Elenco: Cristina Maresca, Juan Francisco Reynaldi, Anthony Martinovic

  •  Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Social Networks:

https://www.imdb.com/title/tt12157406/

https://www.instagram.com/palitocortometraje/

https://www.instagram.com/l.u._.p.a.z/

https://www.imdb.com/name/nm9981752/

https://vimeo.com/user46461299

https://www.instagram.com/julietayadronik/

https://www.imdb.com/name/nm9464826/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

http://instagram.com/films.to.festivals

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