Category Archives: Experimental

La hija de la azafata

The stewardess’ daughter

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:09:00 / ratio 4:3 / COLOR / SOUND 5.1 / 16 mm / 24 FPS / NTSC / Argentina / documentary short film: found footage

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

While working on a commissioned film, the director pictures her mother in an advertising film archive. This image forces her to think about who her mother was, or rather, who was that woman before becoming her mother. To understand, sometimes it is better to look at things from a certain distance.

Mientras trabaja sobre un archivo de cine publicitario la directora cree ver a su madre. Este encuentro fantasmático la obliga a pensar en quién fue su mamá, o más bien, quién fue esa mujer antes de ser su mamá. Para comprender, a veces, es mejor mirar las cosas con cierta distancia.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

SOFÍA BRIHET

www.sofiabrihet.com.ar  

Sofía Brihet was born in Buenos Aires in 1990. She is an actress, teacher, and director. She has a degree in arts from the University of Buenos Aires and completed the Cinema Program at the Torcuato Di Tella University. She directed the short films “The stewardess’ daughter” (23rd BAFICI), “The nests” (36th MDQ Film Fest), and “The actors”.

Sofía Brihet nació en Buenos Aires en 1990. Es actriz, docente y directora. Realizó la Licenciatura en Artes en la Universidad de Buenos Aires y el Programa de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella. Dirigió los cortometrajes “La hija de la azafata” (23 BAFICI), “Los nidos” (36 Festival de Cine de Mar del Plata) y “Los actores”.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I was commissioned to make a film with archive material from advertising films, but my attempt to take an essayistic approach to such stereotypical material failed when I thought I found my mother, as a young woman, in a gin commercial. That forced me to abandon all intellectual pretensions and ask myself what it means to become a mother, what things are left behind, buried under a role: how much did I inherit from that past and what possibility does it give me to make a film with all that?

Me encargaron una película con material de archivo de cine publicitario, pero mi intento por darle una aproximación ensayística a ese material tan estereotipado fracasó cuando creí encontrar a mi mamá, de joven, en un comercial de ginebra. Eso me obligo a abandonar toda pretensión intelectual y preguntarme qué implica convertirse en madre, qué cosas se dejan atrás, enterradas bajo un rol.  ¿Cuánto heredé yo de ese pasado y qué posibilidad me da hacer una película con todo eso?

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Sofía Brihet

Producer / Productor: Sofía Brihet

Director / Director: Sofía Brihet

Film Editor / Montaje: Nicolás Turjanski

Sound design / Diseño de sonido: Nahuel Nicolás Lombardo

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 23 BAFICI; 04/2022; Argentina

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/687957486/e7c593ee25  

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Tindergraf

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:28:00 / 16:9 / Color / Sound: Stereo / filmación de dibujo contínuo, proyectado en un Cinegraf / Experimental Animation: portrait, women, relationships / Portugal-Argentina

  • Synopsis / Sinopsis:

Women in their thirties meet men through dating apps in Buenos Aires. They search for fun and sex but also for kindness and affinity. One doesn’t always find them, but these dates aren’t expressed as failures or achievements, they just draw with humor and tenderness the seek of one on another, and of one in oneself.

Mujeres en sus treinta exploran aplicaciones de levante en Buenos Aires. Buscan diversión y sexo, pero también afecto y afinidad. No siempre lo logran, pero estos encuentros no se traducen en sucesos o fracasos, sino que dibujan con ternura y humor el viaje en sí.

  • Synopsis / Sinopsis:

Women in their thirties meet men through dating apps in Buenos Aires. They search for fun and sex but also for kindness and affinity. One doesn’t always find them, but these dates aren’t expressed as failures or achievements, they just draw with humor and tenderness the seek of one on another, and of one in oneself.  Tindergraf is a filmed drawing: meters of drawn paper stripe enlarged through a seventy’s manual toy projector. An unpredictable analogic traveling in contrast with the pragmatism of random dating.

Mujeres en sus treinta exploran aplicaciones de levante en Buenos Aires. Buscan diversión y sexo, pero también afecto y afinidad. No siempre lo logran, pero estos encuentros no se traducen en sucesos o fracasos, sino que dibujan con ternura y humor el viaje en sí. Tindergraf es un dibujo filmado: metros de cinta de papel dibujada y proyectada a través de un Cinegraf (un juguete argentino de los años 70). Un travelling analógico e imprevisible en contraste con el pragmatismo de los encuentros retratados.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JULIA BARATA

Portuguesa/Argentina

Júlia Barata was born in 1981, Portugal. Architect and comic writer, published «Familia» (Arg/Es, 2022), “Quotidiano de Luxo” (Pt, 2019), “2 Historias de Amor” (Pt, 2019), “Gravidez” (Arg/Pt 2017). Illustrated books and magazines. In 2018 started drawing animated shorts for web media and videoclips. Teaches Graphic Project Clinic, Experimental Comic, and Motion Graphic narrative in Buenos Aires.

Júlia Barata nace en 1981, Portugal. Arquitecta y autora de novela gráfica, reside actualmente en Argentina. Publicó Familia (Arg/Esp, 2022), Gravidez (Arg/Pt, 2016), Quotidiano de Luxo (Pt, 2019), 2 Historias de amor (Pt, 2019). Ilustró revistas y libros. En 2018 empieza a dibujar cortos animados para web media y videoclips. Es docente de Clínica de proyecto gráfico e Historieta experimental en Buenos Aires.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I am a comic artist who explores the frontiers of graphic and motion narratives. I express movement without frames on still drawings through repetition and superposition of images. Tindergraf is my first short movie. It is not really an animation, but a filmed drawing – meters and meters of a comic strip, afterwords cast with a toy projector, filmed and sound edited. It is a graphic experiment that focuses on expressing sensations of loss and search, shaped by the original soundtrack from Pablo Bronzini, feat Luli Adano and Fernando Ramalho.

  • Overview / Ficha técnica:

Screenplay, Director, Producer / Guión, Dirección, Producción: Julia Barata

Animation, Camera & Editing / Animación, Cámara y Montaje: Julia Barata

Sound Editing / Diseño de Sonido: Pablo Bronzini

Original Music / Música Original: Pablo Bronzini

Voices / Voces: Sol de Angelis, Leo Flores, Luli Adano, Rafael Freire, Txus Molina, Alejandro Levacov, Júlia Barata, Paco Onnainty, Titi Gutiérrez

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 19 IndieLisboa, Lisboa International Independent Film Festival (Novíssimos Betclic Award); 04/2022; Portugal

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/501222938/aeaf28f032

Social Media:

https://www.instagram.com/julia_barata/

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La ventana de una casa donde una vez fuimos felices

The Window of a House Where We Were Happy

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) – 00:11:58 – Color – 24 FPS – NTSC – 5.1 – 2048×1080– 16:9 – 4kdocumentary short film: essay, portrait – Buenos Aires, Argentina

  • Logline:

After the sale of my grandparents’ house, I return with my camera to the place where I was born and it will never exist. A final tour of my childhood memories.

Tras la venta de la casa de mis abuelos, regreso con mi cámara al lugar que me vió nacer y ya no quedará en pie. Un recorrido por última vez a mis recuerdos de infancia.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

One last tour of my childhood home. After the sale of my grandparents’ house, I return with my camera to the place where I was born. The empty spaces serve to evoke memories and ghosts. A succession of memories rushed through a random tour of the old family home. A series of notes and writings not to forget to shape the memory and build a farewell.

Un recorrido por última vez a la casa de mi infancia. Tras la venta de la casa de mis abuelos, regreso con mi cámara al lugar que me vió nacer y ya no quedará en pie. Los espacios vacíos sirven para evocar recuerdos y fantasmas. Una sucesión de memorias apuradas por un recorrido azaroso por la vieja casa familiar. Una serie de notas y escritos para no olvidar para darle forma a la memoria y construir una despedida.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MATÍAS TAMBORENEA

He produced the documentaries “The Assembly”, “Tango en el Tasso”, “Generación artificial” and “Mothers of the gods”. Your projects are supported by INCAA,Centre National du Cinéma e l Image Animée, Société Civile des Auteurs Multimedia, Fondo Nacional de las Artes, Fundación YPF, Banco Itaú, Banco Industrial.

Produjo los documentales “La asamblea”, “Tango en el Tasso”, “Generación artificial” y “Madres de los dioses”. Sus proyectos cuentan con el apoyo de: INCAA,Centre National du Cinéma e l Image Animée, Société Civile des Auteurs Multimedia, Fondo Nacional de las Artes, Fundación YPF, Banco Itaú, Banco Industrial, entre otros. “La ventana de una casa donde una vez fuimos felices” es su primer cortometraje.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

The already empty house of my childhood is the starting point of this film. Involved in a loop where we don’t let it go.  One day that mechanism will end and the house will no longer belong to my family but to new inhabitants. For a long time, I prepared for that moment, thinking about what that farewell would be like and I set out to film it, empty, naked. Just a tour. Like an intimate and random journey. A last look at a place I will never return to. At times they are memories, at times poetry. A blurred boundary between memory and essay. I proposed that this journey be for those who see it, a space where they can put their memories and their own voice. How do we build the memory? How do we recreate it? By exploring the delicate traces of existence. Textures of the past that will be replaced. Noise and heat transformed into silence and space. Save a sensation and mold it to feel it again.

La casa ya vacía de mi infancia es el punto de partida de esta película. Enredada en un loop en el que no la dejamos ir.  Un día esa mecánica terminará y la casa ya no pertenecerá a mi familia sino a nuevos habitantes. Durante mucho tiempo me preparé para ese momento, pensando cómo sería esa despedida y me propuse filmarla, vacía, desnuda. Apenas un recorrido. Como un viaje  íntimo y azaroso. Una última mirada a un lugar al que no regresaré  jamás. Por momentos son recuerdos, por momentos poesía. Un límite borroso entre la memoria y el ensayo. Me propuse que este viaje sea para quien lo vea, un espacio donde pueda poner sus recuerdos y su propia voz. Como construimos el recuerdo? Cómo lo recreamos? Indagar en las huellas sutiles de la existencia. Texturas del tiempo pasado que serán reemplazadas. El ruido y el calor transformados en silencio y espacio. Guardar una sensación y moldearla para volver a sentirla nuevamente.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Matías Tamborenea

Director / Director: Matías Tamborenea

Production / Producción: Matías Tamborenea, Julieta Sabanes

Camera / Cámara: Matías Tamborenea

Sound Design / Diseño de Sonido: Emiliano Biaiñ

Editing / Montaje: Florencia Gomes García

Voices / Voces: Matías Tamborenea

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/586047678

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No Tocar

Do not touch –  Ne pas toucher

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:07:33 / ratio 2.39:1 / COLOR / SOUND 5.1 / HD / 24 FPS / NTSC / Canon 7d Mark II / Mexico-Spain / documentary short film: Arty, essay

  • Logline:

An essay on how the art of the Hermitage Museum transmits ideas that push people to know their own limits and want to overcome them.

Un ensayo de cómo el arte del Museo Hermitage transmite ideas que impulsan a las personas a conocer sus propios límites y querer superarlos.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

The role that museums play in society is more than just displaying works. A series of metaphors illustrate how the sense of touch is an innate form for accessing knowledge. The hands featured in the works exhibited at the Hermitage Museum demonstrate how art can generate ideas that encourage people to know their own limits and want to overcome them.

El papel que juegan los Museos en la sociedad actual va más allá de exponer obras. Una serie de metáforas ilustran cómo el sentido del tacto es una forma innata de acceso al conocimiento, las manos representadas en las obras del Museo Hermitage demuestran cómo el arte produce ideas que impulsan a las personas a conocer sus límites y querer superarlos.

  • Synopsis / Sinopsis:

The important role that museums play as part of contemporary society is more than just displaying a collection of works. In this film, a series of metaphors illustrate how the sense of touch is an innate form for accessing knowledge. The hands featured in the different works exhibited at the Hermitage Museum are the protagonists who demonstrate how art can generate ideas that encourage people to know their own limits and want to overcome them.

El importante papel que juegan los Museos en la sociedad contemporánea va más allá de exponer un conjunto de obras. En esta película, una serie de metáforas ilustran cómo el sentido del tacto es una forma innata de acceso al conocimiento, las manos que figuran en las diversas obras del Museo Hermitage son las protagonistas que demuestran cómo el arte permite originar ideas que impulsan a las personas a conocer sus propios límites y querer superarlos.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

ARTURO AGUILAR

Mexico/España

https://www.linkedin.com/in/aarturoaguilar/

Director, Ph.D. student, animator, and sound designer. His short films “The scape of the 45″ (2016) and “Call Confession» (2018) have been considered in the official competition of several festivals, including Malaga, Sitges, Guadalajara, Shenzhen, and Hot-Docs where he won the award for the best international short film. «Spouses» is the last documentary feature film where he has collaborated as a post-producer.

Director, estudiante de doctorado, animador y diseñador de sonido. Sus cortometrajes “La fuga de los 45” (2016) y “Confeso” (2018) han sido considerados dentro de la competencia oficial de festivales como Málaga, Sitges, Guadalajara), Shenzhen y Hot-Docs en donde fue ganador del premio al mejor cortometraje internacional. “Conyuges” es el último largometraje documental dónde ha colaborado como postproductor.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This Documentary-Essay comes out of a trip I made to St. Petersburg, Russia, in December 2019. I attended by invitation of a media and journalism festival to present «Call Confession» at the theatre of the Hermitage Museum. The event organizers told us that we had the opportunity to get full access and permission to film inside the museum and make a film. I decided to shoot only the hands that appeared on the paintings and sculptures in the museum because I believe that they alone convey different meanings.  The documentary is a kind of manifesto about the challenges faced by the artist when starting a new work or project. I believe that this fear of the blank canvas, or the uncertainty that is generated when facing a new beginning, is an essential part of creating knowledge. With this documentary essay, I want to make an invitation to other people to get to know and overcome the frontiers of what we are unaware of in our own experience. The documentary begins by presenting the last stage of artistic creation, the exhibition of the work, and its main objective is to explain how this stage triggers another one where everything starts again, germinating a new idea in the mind of the person who is in front of the exhibited work. Likewise, the documentary suggests the importance that the sense of touch has in artistic practice, because it is a way to produce knowledge, and practice-led research implies new paradigms where the act of research is no longer treated as something monolithic. The synthetic and narrating voice of the documentary (artificial intelligence) has two meanings, one authoritative and the other suggestive, both of which can be interpreted as the internal dialogue that takes place at the beginning of a new project. The music of the documentary is composed of two drum sets, one located on the left of the sound field, and the other on the right, together, they are intended to be a sound metaphor for the two hemispheres of the human mind.

Este Ensayo-Documental surge a partir de un viaje que hice a San Petersburgo, Rusia, en diciembre de 2019. Asistí por invitación de un festival de medios audiovisuales y periodismo para presentar “Confeso” en el teatro del Museo Hermitage. Los organizadores del evento nos comunicaron que teníamos la oportunidad para tener acceso total y permiso para grabar al interior del museo y hacer una película. Decidí fotografiar únicamente las manos que aparecían en las obras pictóricas y escultóricas del museo porque considero que por sí solas transmiten diversos significados. El documental es una especie de manifiesto sobre los desafíos a los que se enfrenta el artista cuando inicia una nueva obra o proyecto. Creo que el miedo al lienzo en blanco, la incertidumbre que se genera frente a todo nuevo comienzo es parte esencial en la generación del conocimiento. Con este ensayo documental quiero hacer una invitación a otras personas a conocer y querer trascender las propias fronteras de aquello que desconocemos en nuestra experiencia. El documental inicia presentando la última etapa de la creación artística, la exhibición de la obra, y tiene como objetivo principal explicar cómo esta etapa desencadena otra donde todo vuelve a iniciar, con el germinar de una nueva idea en la mente de la persona que está frente a la obra expuesta. Asimismo, el documental sugiere la importancia que el sentido del tacto tiene en la práctica artística, porque es una vía para producir conocimiento, donde la investigación dirigida por la práctica supone nuevos paradigmas donde el acto de investigar deja de ser tratada como algo monolítico. La voz sintética y narradora del documental ( inteligencia artificial ) tiene dos acepciones, una autoritaria y otra propositiva, ambas pueden interpretarse como el diálogo interno que sucede frente al comienzo de un nuevo proyecto. La música del documental está compuesta por dos juegos de batería, uno localizado a la izquierda del campo sonoro, y el otro a la derecha, en conjunto, pretenden ser una metáfora sonora de los dos hemisferios de la mente humana.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Arturo Aguilar

Producer / Productor: Luis Manuel Renteria Pimentel

Director / Director: Arturo Aguilar

DoP / Dirección de Fotografía: Arturo Aguilar

Film Editor / Montaje: Arturo Aguilar

Sound design / Diseño de sonido: Arturo Aguilar

Original Musiv / Música Original: Arturo Aguilar

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/655245371/2752bb6ff7

Social Networks:

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FUEGO

Fire

  • Technical Info / Información Técnica:

(2022) / 00:01:52 / HDV / 2D, 3D Digital / Software: Photoshop + After Efects / 1:1 / Color / Sound: Stereo / Argentina / animation short film, experimental

  • Logline:

Fire is action. Where everything converges and melts together. The meeting point, the turning point. What lets us be in this world, take charge of that fire and re-signify what’s inherently human.

Fuego es la acción. Donde todo confluye, el centro de reunión, un punto de inflexión y expansión. Aquello que nos permite ser en el mundo, hacernos cargo del fuego y revalorizar el patrimonio de lo humano.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

MARO MARGULIS

www.maromargulis.com

Maro Margulis, was borned on July the 30 1991, in Buenos Aires, Argentina. He is a Graphic Designer, graduated from Buenos Aires University (UBA) where he also taught. Currently, he is working freelance on different projects as an art director and illustrator. At the same time, he explores several animation techniques, including traditional and digital. Fire is his first personal short film created during the Covid pandemic in 2020, in which several of the explored techniques converge.

Maro Margulis, nacido el 30 de junio de 1991 en Buenos Aires, Argentina. Es Diseñador Gráfico recibido en la UBA en la cual también fue docente. Actualmente trabaja de manera independiente en distintos proyectos como director de arte e ilustrador. A su vez explora distintas técnicas de animación tradicional y digital. Fuego es su primer corto animado realizado durante la pandemia en 2020 en el cual confluyen varias de las técnicas exploradas.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

An exploration of image and sound that builds from the introspective. A vessel in which love and rage converge, the turning point, contraction, and expansion, reflecting the contemporary world. It invites us to dive into boundless action, on a loop. Being a part of what surrounds us, sparking passion but burning at the same time. Dancing lava, a mixture in motion.

Fuego. Del lat. focus ‘hogar’, ‘hoguera’. Fuego es un corto dirigido, ilustrado y animado por Maro Margulis. Una exploración visual y sonora que parte desde lo introspectivo. Una vasija en la que confluyen el amor y la ira, el punto de inflexión y expansión, reflejo del mundo contemporáneo. Invita a sumergirse en la acción, sin freno, en loop. Ser parte de aquello que nos rodea, enciende la pasión, y quema al mismo tiempo. Baile de lava, mixtura en movimiento.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Maro Margulis

Producer / Producción: Maro Margulis

Director / Director: Maro Margulis

Animation Direction / Dirección de Animación: Maro Margulis

Art Director / Dirección de Arte: Maro Margulis

Sound Design / Diseño de Sonido: Artmoss (Juan Covarrubias, Giacomo Picasso)

Original Music / Música Original: Artmoss (Juan Covarrubias, Giacomo Picasso)

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/600530996

https://www.instagram.com/maromargulis/

https://www.behance.net/MaroMargulis

  • Contact / Contacto:

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YON

Call me Jonathan

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:08:08 / 4:3, 1:1, 16:9 / Color / Sound: Stereo / Panasonic Digital 8mm, celular Samsung, Mini DV / experimental documentary short film: portrait, chilhood, LGBTIQ, gender identity / Buenos Aires, Argentina

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

After finding the video material from her childhood, the director reprograms her mythology as an infant and reflects on her body traversed by affections, fiction, and years.

Ante el hallazgo del material videográfico de infancia, Bárbara Lago reprograma su mitología de infante y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y años.

  • Synopsis / Sinopsis:

Faced with the discovery of videographic archive material from their childhood, Bárbara Lago reprograms their childhood mythology and reflects on their body traversed by affections, fiction, and the passing of time. In these intimate materials, they finds a possibility of thinking about dissident sexualities, the relationship between technology and the human body, language, and childhood. The images capture what cannot be named and prepare for the possibility of a fragmented and subjective metamorphosis. Jonathan/Yon is the body outside of social domestication. How does such a body grow in our contemporary societies?

Ante el hallazgo del material videográfico de infancia, Bárbara Lago reprograma su mitología de infante y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y años. En esos materiales íntimos, encuentra la posibilidad de pensar sexualidades disidentes, la relación entre tecnología y cuerpo, lenguaje y niñez. Las imágenes capturan lo que no se puede nombrar y anuncian la posibilidad de una metamorfosis fragmentada y subjetiva. Yon es el cuerpo fuera de la domesticación social. ¿Cómo crece un cuerpo así en nuestras sociedades contemporáneas?

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Faced with the discovery of videographic archive material from their childhood, Bárbara Lago reprograms their childhood mythology and reflects on their body traversed by affections, fiction, and the passing of time. In these intimate materials, they finds a possibility of thinking about dissident sexualities, the relationship between technology and the human body, language, and childhood. Mothers, fathers, children, and siblings coexist in this ecosystem, assembling a fabric of affections where the different times that weave the family history circulate. Bodies grow, images change their texture, and in these metamorphoses, we find ways of how childhood can be experienced freely. The images capture what cannot be named and announce the possibility of a film that also recovers the formal procedures of that filmed body. A fragmented and subjective narrative runs through Jonathan/Yon: is the body outside of social domestication. How does such a body grow in our contemporary societies? Is filming a way to generate new social utopias?

Ante el hallazgo del material videográfico de infancia, Bárbara Lago reprograma su mitología de infante y reflexiona sobre su cuerpo atravesado por afectos, ficciones y años. En esos materiales íntimos, encuentra la posibilidad de pensar sexualidades disidentes, la relación entre tecnología y cuerpo, lenguaje y niñez. En ese ecosistema cohabitan madres, padres, hijxs, hermanxs armando un tejido afectivo donde circulan los distintos tiempos que van tramando la historia familiar. Los cuerpos crecen, las imágenes cambian su textura y en esas metamorfosis encontramos las formas de vivir la niñez sin velos. Las imágenes capturan lo que no se puede nombrar y anuncian la posibilidad de una película que también recupere los procedimientos formales de ese cuerpo filmado. Una narrativa fragmentada y subjetiva recorre a Yon: es el cuerpo fuera de la domesticación social. ¿Cómo crece un cuerpo así en nuestras sociedades contemporáneas? ¿Filmar es una forma de generar nuevas utopías sociales?

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

BÁRBARA LAGO

Bárbara Lago is an audiovisual creator based in Buenos Aires, Argentina. They studied Film Directing at the FUC (Universidad del Cine) and works as a scriptwriter and director in various fiction and documentary projects. They work to explore links between the media and their narratives, in a discursive and material hybridization with video, cinema, and digital technologies.

Bárbara Lago es unx realizadorx audiovisual con base en Buenos Aires, Argentina. Estudió Dirección cinematográfica en la FUC (Universidad del Cine) y se desempeña como guionistx y directorx en diversos proyectos de ficción y documental. Sus trabajos exploran vínculos afectivos entre los soportes y sus narrativas, en una hibridación discursiva y material con el video, el cine y las tecnologías digitales.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Bárbara Lago

Producer / Producción: Bárbara Lago

Executive Production / Producción Ejecutiva: Florencia Jaworowski, Florencia Caset

DoP / Dirección de Fotografía: Diego Lago, Bárbara Lago

Editing / Montaje: Germán Cortes, Bárbara Lago

Sound Design / Dirección de Sonido: Bárbara Lago

Post Production / Post Producción: Iván Cardoso

Coloring / Corrección de Color: Pedro Razzari

Cast / Intérpretes: Bárbara Lago

Graphic Design / Diseño Gráfico: Josefina Alonso

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 22 BAFICI, Buenos Aires International Independent Film Festival; 03/2021; Argentina

– 5 Bendita Tú, Women’s Film Festival with a Gender and Diversity Perspective; 10/2021; Argentina

– 4 GRABA, Audiovisual Film Festival (Special Mention); 11/2021; Argentina

– 9 FIDBA, Buenos Aires International Documentary Film Festival; 12/2021; Argentina

– 68 Oberhausen Int Short Film Festival (Principal Prize: International Jury); 04/2022; Germany

– 33 São Paulo International Short Film Festival; 08/2022; Brazil

– 20 VLAFF, Vancouver Latin American Film Festival; 08/2022; Canada

– 8 Bogotá Experimental Film Festival; 08/2022; Colombia

– 17 Shorts Mx, Mexico International Short Film Festival; 09/2022; Mexico        

– 18 Camden Int Film Festival; 09/2022; US

– 26 Queer Lisboa, International Queer Film Festival; 09/2022; Portugal

– 5 PORTO FEMME International Film Festival; 09/2022; Portugal

– 41 VIFF, Vancouver Int Film Festival; 09/2022; Canada

– 30 GAZE, Ireland LGBT Film Festival; 09/2022; Ireland

– 4 FICCE, Corporalidad Expandida Int Short Film Festival; 10/2022; Argentina

– 5 Eneagrama International Experimental Film Festival; 10/2022; Argentina

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/635577014

Social Media:

https://www.instagram.com/barbaralago.bbb

https://www.instagram.com/waldaproductora/

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  • Gisela Chicolino

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Acordate dame un beso al despertar

Remember to Kiss Me When You Wake Up

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:23:54 / RATIO / Color / Sound: Stereo / PAL / 24 FPS / Analogic Rotoscopy? / Animation Documnetary: portrait, women, family ties, essay, relationships / Santa Fé, Argentina

  • Synopsis / Sinopsis:

For fifteen years, while living in the same house my mother, sisters and I, wrote letters to each other. In this animated essay, the words of that epistolary experience dialogue with images of today’s daily life, as a way of exploring the emotional bonds between the women of my family.

Durante quince años, viviendo en la misma casa con mi mamá y mis hermanas nos escribíamos cartas. En este ensayo animado las palabras de aquella experiencia epistolar (testimonio)  dialogan con imágenes del cotidiano actual, intervenidas para explorar los vínculos afectivos entre las mujeres de mi familia.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

ESTEFANIA CLOTTI

Web: https://vimeo.com/user7397024    

Animator and visual artist. She directed the short films JUAN MUTANT (2016), THE DOMAIN OF STONES (2017), and HOW TO MAKE A HOUSE (2018). She won INCAA Childhood contests and various subsidies. She was part of the Art exhibitions «16 lonely hearts» 2018, «The drawing as a house» 2018/19, and «Urban Interventions» 2018/19. Graduated from EPCTV and the School for animators. She teaches «Experimental animation».

Estefanía Clotti (Rosario, Argentina, 1985). Animadora y dibujante. Dirigió los cortometrajes  JUAN CAMBIANTE (2016), EL DOMINIO DE LAS PIEDRAS (2017) y CÓMO HACER UNA CASA (2018). Ganó concursos Infancias INCAA y subsidios varios. Formó parte de las muestras colectivas “16 corazones solitarios” 2018, “El dibujo como casa” 2018/19 e “Intervenciones Urbanas” 2018/19. Graduada de la EPCTV y de la Escuela para Animadores. Es docente de «Animación experimental».

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

It all started as a game. I would select videos that I recorded with my phone; I would print them and paint silhouettes over the real image of my grandmother, my mother, or my sisters. It was motivating to explore the contrast between those two images. The first voice-over would go along this way, describing what these people were like underneath the coat of paint. They were like exercises that, without me noticing it, began to accumulate in a timeline. The letters came afterward and started to sneak in until they completely replaced the descriptions. It seemed to me that describing with a piece of the letter was a much more open, metaphorical, and challenging game. To account for an intimate exchange without exposing my family resulted in an emotional encounter with whoever was exposed to the film, perhaps even in those animated figures, which are only left with their voices and surroundings as the last remnants of their originality. In times, those figures are nothing but stains, allow for anyone to identify themselves or others in them, turning an intimate play into a universal one. To grab these words circulated in writing in my family and recreate a new “letter” that would speak of me about them was the final trigger, without solemnity, without splendor, without efficiency, and leaving room for play and chance.

Al principio fue un juego. Seleccionaba videos que grababa con el celular, los imprimía y pintaba una figura sobre el cuerpo real de mi abuela, mi mamá o mis hermanas. Me motivaba explorar sobre el contraste de esas imágenes. La primera voz en off iba sobre esa línea, describía como eran esas personas debajo de la pintura. Me lo tomaba más bien como ejercicios que casi sin darme cuenta se estuvieron acumulando en un timeline. Las cartas llegaron después y fueron filtrándose hasta tomar la posición de esas descripciones. Describir tomando un trozo de una carta me pareció un juego más abierto, metafórico y desafiante. Dar cuenta de un intercambio íntimo, sin exponer a mi familia resulto en un encuentro sensible con quien se dispone ante el cortometraje, tal vez en esas figuras animadas, a las que solo les queda el entorno y su voz como vestigio de su originalidad, y que por momentos no son más que manchas, hace que cualquiera pueda tomar esa forma e identificarse, o identificar a otrx tornando el juego que parte de lo íntimo en un tema universal. Hacerme de esas palabras que circularon de forma escrita por mi familia y armar una nueva “carta” que hable de mí en relación a mi familia fue al final lo convocante, pero sin solemnidad, sin espectacularidad, sin eficiencia y sin dejar de darle espacio al azar y al juego.

  • Overview / Ficha técnica:

Script & Director / Guion y dirección: Estefanía Clotti

Executive producer / Producción Ejecutiva: Ana Taleb

Sound Design / Dirección de Sonido: Fernando Romero de Toma

Animation & Editing / Animación y Montaje: Estefanía Clotti

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 25 Ji.hlava International Documentary Film Festival; 10/2021; Czech Republic

– 23 BAFICI; 04/2022; Argentina

  • Links:

Trailer:

Social Media:

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  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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Pata y Muslo

Thigh and Drumstick

Le Pignon et la Cuisse

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:08:00 / ratio 1.66 / COLOR / Stereo / DRRL / 25 FPS / PAL / Argentina / Comedy, parody, absurd, bizarre, slapstick, video dance / language: Spanish, english

  • Logline:

A theatrical football showdown in Buenos Aires, Argentina as the blonde Nordics take on the brunette Latinas with a humorous pre-match Haka war dance.

Un teatral enfrentamiento futbolístico en Buenos Aires, Argentina, en el que las rubias nórdicas se enfrentan a las morenas latinas con una humorística danza de guerra Haka antes del partido.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

On an astro pitch in Buenos Aires two teams embark on a surreal contest. A satirical reimagining of a football match turns into a dance, a seduction of the camera and finally, a Gatsby tea party, while the soundtrack explodes with free jazz.

En una cancha de la ciudad de Buenos Aires, dos equipos se disputan un partido que deviene en danza, seducción a la cámara y, finalmente, en una tea party de Gatsby, mientras la banda sonora explota de free jazz.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JENNIFER MOULE

http://jennifermoule.com

Inglaterra/Argentina

Jennifer Moule (1985, UK). She has directed short films and music videos, as well as various theatre pieces. Under the stage name Damsel Talk, she is a performer and singer.

Jennifer Moule (1985, Reino Unido). Dirigió cortometrajes y videos musicales, además de diversas piezas de teatro. Bajo el nombre artístico de Damsel Talk, es cantante y performer.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I seek to make short films that involve poetic, surrealist actions, where the actors are guided by the situation, and the costume. The narrative line is secondary to the image. Humour is present. I work with almost no script, to allow the dialogue and the emotion to surface at the moment of filming. It is an improvised cinema. A happening.

Busco un cine de acciones poéticas, surrealistas, donde los actores se guíen por la situación y el vestuario. La línea narrativa es secundaria a la imagen. El humor está presente. Trabajo casi sin guión, para dejar que el diálogo y la emoción afloren en el momento del rodaje. Es un cine improvisado. Un happening.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Jennifer Moule

Producer / Productor: Jennifer Moule

Director / Director: Jennifer Moule

DoP & Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Diego Napoli, Pablo Maggio

Production Designer / Dirección de Arte: Brenda Carciochi; Andrea de Dios Soler

Vestuario / Wardrobe: Jorge Orlando

Make-up: Alejandra Botero

Film Editor / Montaje: Ariel Aguirre

Sound design / Diseño de sonido: Manuel Reyes

Música / Music: Camila Nebbia Sexteto, Bastante Mutante, The Chanteuse

Cast / Elenco: Lydia Stevens, Julieta Lecot, Belén Fernández Díaz, Bailey Bial, Maria Lau Pey, Raymond Lee; Nela Fortunato, Natalia Ponso, Barbara Alonso, Miguel Patiño, Javiera Molina Galdames, Yannick du Plessis

  •  Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 22 BAFICI; 03/2021; Argentina

  • Links:

Web: https://www.jennifermoule.com/pata-y-muslo

Trailer: https://vimeo.com/437497376

Social Networks:

https://www.facebook.com/WashingLineProductions

https://www.instagram.com/damseltalk/

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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Llovía

It Was Raining

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) – 00:07:38 – Color – 24 FPS – PAL – 5.1 – 16/9– HD 2D computer – software: Toon Boom Harmony – animation short film – LGBT, childhood, portrait

  • Logline:

An innocent family rest, but this time a new desire would wake up on Iñaki.

Una inocente siesta familiar como tantas otras, pero esta vez en Iñaki se despierta un nuevo deseo.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A suffocating summer afternoon. Iñaki (11) lies between the semi-naked bodies of his brothers and his father. Outside, it starts to rain. Between play and desire, Iñaki kisses the back of his father. Inside, it starts to rain too. Iñaki uses his imagination to get through the situation. The guilt of exploring his sexual awakening confronts him with the fear of non-acceptance.

Una asfixiante tarde de verano. Iñaki (11) se acuesta entre los cuerpos semidesnudos de sus hermanos y su padre. Afuera, comienza a llover. Entre juego y deseo, Iñaki besa la espalda de su padre. Dentro, también comienza a llover. La culpa por explorar su sexualidad lo enfrentará a sus peores temores y recurrirá a su imaginación para atravesar la situación.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

A drab, stifling summer afternoon in the suburbs. Iñaki (11) lies between the half-naked bodies of his A drab, stifling summer afternoon in the suburbs. Iñaki (11) lies between the half-naked bodies of his brothers and his father who are taking a nap. Outside, it starts to rain. Between dreams, games and desire Iñaki kisses the back of his father. Inside, it starts to rain too. The brothers shift into rabid animals and his father into a sleeping giant. The room begins to flood. Holding his breath, Iñaki uses his imagination to get through the situation. The guilt of exploring his sexual awakening confronts him with the fear of non-acceptance.

Una monótona y asfixiante tarde de verano en las afueras. Iñaki (11) se ubica entre los cuerpos semidesnudos de sus hermanos y su padre que duermen la siesta. Afuera, comienza a llover. Entre sueño, juego y deseo Iñaki besa la espalda de su padre. Dentro, también comienza a llover. Los hermanos se tornan animales rabiosos que acorralan a Iñaki y su padre en un gigante dormido. El cuarto comienza a inundarse. La culpa por explorar su sexualidad lo enfrentará a sus peores temores y recurrirá a su imaginación para atravesar la situación.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

IGNACIO LILLINI

https://www.linkedin.com/in/ignaciolillini/

Ignacio Lillini (1987) lives in Córdoba, Argentina. He studied Social Communication at UNER. Animator and director at Cha Animation and Osa Estudio, where he creates “Aire”, “Llovía” y “Besitos”. Founding member of APA Association of Animation Producers and APA LAB. He was producer of «El niño y la noche» by Claudia Ruiz, and programmer of the Internacional Animation Festival «El Ventilador».

Ignacio Lillini (1987) vive en Córdoba, Argentina. Estudió Comunicación Social en la UNER. Es animador y director en Cha Animation y Osa Estudio, desde donde crea “Aire”, “Llovía” y “Besitos”. Miembro fundador de APA Asociación de Productorxs de Animación y APA LAB. Fue productor de «El niño y la noche» de Claudia Ruiz, y programador del Festival Internacional de Animación «El Ventilador».

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

“Llovía” tells a summer story where Iñaki, a 7-year-old boy, and his brothers are forced to take a nap. «It was a stormy night, outside it was raining and inside it was also raining» was the story that his father repeated like a mantra to make them sleep. Out of fatigue, everyone falls asleep except Iñaki, who begins to observe the ‘siesta’ with strange depth and imagination. The rain that the father repeated deceptively materializes in Iñaki’s imagination. Product of his boredom, between play and desire he kisses the back of his father. This unleashes an intense storm over the room, creating a sensory experience that will forever transform the child’s bond with the environment around him. “Llovía” proposes an experience where the real and the imaginary intertwine in the same universe in an almost invisible way and where the sensory beauty of childhood flourishes from that land where the non-existence of social and cultural mandates, allowing the exploration of the world in freedom. We experience the world around us through our own bodies, driven by desire and what can happen beyond what is right or what is forbidden. There on the border, before our eyes, on our body, new meanings to existence are given. Despite this new and unknown experience, it also generates fear. On the one hand, internal fear of discovering who we are, but even more fear of the environment that surrounds us because we need our loved ones to accept us as we are. Iñaki faces an emotional revelation about his sexuality that he will be able to assume when he manages to pause that outside world in his mind, breathe and consummate the dream. “Llovia” seeks to recover that cultural mysticism that the ‘siesta’ produces, that universe of myths, legends, and sensations that the childhood of different generations in the suburbs of Latin America goes through and that make up his landscape. “Llovia” has the intention of investigating through animated language about childhood, perception, eroticism in masculinity, limits, desire, and fear of the unknown.

LLOVÍA cuenta una historia de verano donde Iñaki un niño de 7 años junto a sus hermanos son obligados a dormir la siesta. “Era una noche tormentosa, afuera llovía y adentro también llovía” era el relato que su padre repetía cual mantra para llevarlos al sueño. Por cansancio todos se duermen salvo Iñaki, que comienza a observar la siesta con extraña profundidad e imaginación. La lluvia que repetía el padre se aproxima engañosamente en el imaginario de Iñaki. Producto de su aburrimiento, entre juego y deseo besa la espalda de su padre. Esto desata una tormenta intensa sobre la habitación, desencadenando una experiencia sensorial que transformará para siempre el lazo del niño con el entorno que lo rodea. Llovía propone una experiencia donde lo real y lo imaginario se entrelazan en un mismo universo de manera casi invisible y la belleza sensorial de la infancia florece de esa tierra donde todavía reina la inexistencia de los mandatos sociales y culturales para la exploración del mundo en libertad. Experimentamos el mundo que nos rodea a través de nuestro propio cuerpo impulsado por el deseo y aquello que pueda suceder más allá de lo que está bien o lo que está prohibido. Allí en la frontera, ante nuestros ojos, sobre nuestro cuerpo, otorgando nuevos sentidos a la existencia. No obstante esa experiencia nueva y desconocida, también nos genera miedo. Por un lado, miedo interior de descubrirnos quienes somos, pero más aún el miedo hacia el entorno que nos rodea porque necesitamos que nuestros seres queridos nos acepten tal cual somos. Iñaki se enfrenta a una revelación emocional sobre su sexualidad que podrá asumir cuando logre pausar ese mundo exterior en su mente, respirar y consumar el sueño. Llovía busca recuperar ese misticismo cultural que produce la siesta, ese universo de mitos, leyendas y sensaciones que atraviesa la infancia de distintas generaciones al interior de Latinoamérica y que conforman su paisaje. Llovía tiene la intención de indagar a través del lenguaje animado sobre la infancia, la percepción, el erotismo en la masculinidad, los límites, el deseo y el miedo a lo desconocido.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Ignacio Lillini

Director / Director: Ignacio Lillini

Executive producer / Producción Ejecutiva: Pilar Martínez Peria

Production / Producción: Esteban Cuenca

Art Design / Arte: Gabriella De Mattos Menino

Animation / Animación: Julián Lassa Ortíz

Sound Design / Diseño de Sonido: Lucía Rivarola (Eva Gou)

Original Music / Música Original: Lucía Rivarola (Eva Gou)

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

– 31 Animafest Zagreb, World Festival of Animated Films; 06/2021; Croatia

– 23 BIAF, Bucheon International Animation Festival; 10/2021; South Korea

– 3 El Ojo Iluso, International Animation Festival; 05/2022; Venezuela

– 21 LALIFF, Los Angeles Latin American Film Festival; 06/2022; US

– 26 Festival Mix México: Cine y Diversidad Sexual; 06/2022; Mexico

– 7 FAF, Florida Animation Festival; 06/2022; US

– 11 Rio LGBTQIA+ Film Festival; 07/2022; Brazil

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/427092844

Instagram: http://instagram.com/llovia.shortfilm

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

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A New Continent – DIOR

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) 00:01:00 / HD 1920×1080 / 2D animation / Photoshop – Premiere – After Effects / 16:9 / Color / Sound: Stereo / Commissioned, Animation short film, women director / Argentina

  • Logline:

We can be together.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Teaser for Dior about femininity in the world of animation.  

Teaser animado para Dior acerca de la femineidad en el mundo de la animación.

  • Synopsis / Sinopsis:

For March 8th, Dior asked Bárbara Cerro to share her interpretation of femininity in the world of animation, a project that reflects her own personal experience and shows the contemporary representations of women in society.

Para el 8 de marzo, Dior convocó a Bárbara Cerro para que comparta su interpretación de la femineidad en el mundo de la animación, un proyecto que refleja su propia experiencia personal y a su vez destaca la representación contemporánea de las mujeres en la sociedad.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

BÁRBARA CERRO

www.barbaracerro.com

Bárbara is an Argentinian independent filmmaker and an animation director. Her alma mater is UBA, she graduated as an Image and Sound Designer. She also studied Documentary Filmmaking at UBA and different multimedia design courses. Her works toured many festivals around the world, like Berlinale, Ottawa International Animation Festival and Premios Quirino. Currently, she is developing an animated short film, an animated series and projects that involve new technologies, VR and videogames. She is also the director and founder of the Bit Bang Animation, Video Games and Digital Art Festival, which takes place in Buenos Aires, since 2015.

Bárbara es directora de cine de animación y de cine independiente. Su alma mater es la UBA, se graduó como diseñadora de imagen y sonido. Estudió Cine Documental en la UBA y diferentes cursos de diseño multimedial. Sus trabajos giraron por festivales de todo el mundo, incluyendo Berlinale, Ottawa International Animation Festival y los Premios Quirino. Actualmente, está desarrollando un cortometraje animado, una serie animada y proyectos que involucran nuevas tecnologías, VR y videojuegos. Bárbara es la directora y fundadora del Bit Bang Festival de Animación, Videojuegos y Arte Digital que se desarrolla en Buenos Aires, desde el 2015.

  • Overview / Ficha técnica:

Directed: Bárbara Cerro

Music: We got this by Catnapp

Art: Jésica Bianchi

Animation: Agustina Rey, Camila Strussa, Agustina Ceballos, Jésica Bianchi, Paul Sende, Bárbara Cerro

Animation Director: Jésica Bianchi

Script: Luz Orlando Brennan

Story and Screenplay: Bárbara Cerro

Composit: Pablo Roldán

Storyboard: Jésica Bianchi, Bárbara Cerro

Editing and color grading: Bárbara Cerro

Graphic Design: Paul Sende

Sound Design: Miren Begoña Cortázar

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

– 16 Linoleum Animation Festival; 09/2021; Ukraine

– 45 OIAF, Ottawa International Animation Festival; 09/2021; Canada

– 11 Anima Córdoba, International Animation Festival; 10/2021; Argentina

– 10 Cartón International Animation Festival; 11/2021; Argentina

– 62 Annecy International Animation Festival; 06/2022; France

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals – Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

http://instagram.com/films.to.festivals

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Ob Scena

Ob Scene

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:17:33 / COLOR / SOUND 5.1 / Argentina / Graduation Thesis, experimental short film, LGBTIQ, author point of view

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A personal and sexual diary. A fake user’s manual whose sophistication and audaciousness free it from the traps of what has to be said and the agenda of the commonplace. A discourse with disconcerting and without instructions, with an exploring spirit and without restrictions.

Un diario personal y sexual. Un falso manual de uso cuya sofisticación y audacia lo eximen de las trampas de lo que debe ser dicho y de la agenda de lugares comunes. Un discurso con desconcierto y sin instrucciones, con espíritu explorador y sin condicionamientos.

  • Synopsis / Sinopsis:

Ob Scene is an experimental documentary short film that takes academic texts on sexuality written by a psychiatrist in Cuba in the 1980s and establishes a link with today’s pornography. It is a reflection on the place of social control discreetly infiltrated in the representation of sex.

Ob Scena es un cortometraje documental-experimental que retoma textos académicos sobre sexualidad escrito por un psiquiatra en Cuba en los ’80 y establece un vinculo con la pornografía actual. Una reflexión sobre el lugar de control social infiltrado discretamente en la representación del sexo.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

PALOMA ORLANDINI CASTRO

www.palomaorlandini.com

Paloma Orlandini Castro lives in Buenos Aires, where she got a degree in Documentary Film from the National University of San Martín. At the same time, she was trained in Digital Restoration of film archive material (UNSAM-FNA Program) and works as an ad honorem teacher in the Chair of Ethics and Deontology at the IAMK – UNSAM.

Paloma Orlandini Castro vive en Buenos Aires, donde se recibió de Licenciada en Cine Documental en la Universidad Nacional de San Martín. Paralelamente se formó en Restauración Digital de material de archivo fílmico (Programa UNSAM- FNA) y trabaja como docente ad honorem en la Cátedra de Ética y Deontología del IAMK – UNSAM.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Paloma Orlandini Castro

Producer / Productor: Manuel Pasik

Executive Producer / Producción Ejecutiva:

Director / Director: Paloma Orlandini Castro

DoP / Dirección de Fotografía: Felipe Bozzani

Camera / Cámara: Felipe Bozzani, Manuel Pasik

Production Designer / Dirección de Arte: Lucila Manara

Film Editor / Montaje: Zoe Fahler

Sound design / Diseño de sonido: Zoe Fahler

Narrator / Narrador: Paloma Orlandini Castro 

  •  Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 22 BAFICI, Buenos Aires Int Independent Film Festival (Best Short Film); 03/2021; Argentina

– 37 Kurzfilm Festival Hamburg; 06/2021; Germany

– 32 FIDMarseille; 07/2021; France

– 16 Festival Tucumán Cine; 07/2021; Argentina

– 69 San Sebastián IFF: Nest Competition; 09/2021; Spain

– 17 Festifreak, International Independent Film Festival; 10/2021; Argentina

– 12 Lateinamerikanische Tage (Latin American Days); 10/2021; Germany

– 8 Asterisco, International Queer Film Festival (Special Mention); 10/2021; Argentina

– 23 Belo Horizonte International Short Film Festival; 11/2021; Brazil

– 25 Internationale Kurzfilmtage Winterthur (Best Short Film: Promotional Award); 11/2021; Switzerland

– 11 BIAFF, Bucharest International Experimental Film Festival; 11/2021; Romania

– 10 AntofaCine International Film Festival (Best Short Film); 11/2021; Chile

– 38 Kassel Documentary Film and Video Festival; 11/2021; Germany

– 34 IDFA, Amsterdam International Documentary Film Festival; 11/2021; The Netherlands

– 9 FIDBA, Buenos Aires International Documentary Film Festival; 12/2021; Argentina   

– 3 Excentrico, Porn Film Festival; 01/2022; Chile

– 19 Zinegoak, LGBT Int Film Festival; 02/2022; Spain

– 12 FICUNAM; 03/2022; Mexico

– 44 FIFF, Festival International de Films de Femmes de Créteil; 03/2022; France

– 36 BFI Flare: London LGBTQIA+ Film Festival; 03/2022; UK

– 28 International Short Film Week Regensburg; 03/2022; Germany

– 5 Porn Film Festival Vienna; 04/2022; Austria

– 51 Sehsüchte International Student Film Festival; 04/2022; Germany

– Brussels Porn Film Festival; 04/2022; Belgium

– 3 Image+Nation Festival Courts Queer (Best Short Film); 04/2022; Canada

– Cellu l’art Short Film Festival; 05/2022; Germany

– 11 FICIC, Cosquin International Independent Film Festival; 05/2022; Argentina

– 12 Sicialia Queer, International New Visions Film Festival; 05/2022; Italy

– 16 XPOSED, Queer Film Festival Berlin; 05/2022; Germany

– Post Pxrn Film Festival Warsaw; 06/2022; Poland

– 5 SEFF; 06/2022; Argentina

– 26 Mostra Fire! Barcelona LGBT Film Festival; 06/2022; Spain

– 14 Leiden Shorts, ISFF; 06/2022; The Netherlands

– 14 Psarokokalo International Short Film Festival; 06/2022; Greece

– 37 Cinema Jove, Valencia International Film Festival; 06/2022; Spain

  • Links:

Trailer: www.vimeo.com/481411341

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

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http://instagram.com/films.to.festivals

http://facebook.com/films2festivals

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El Buitre

The Vulture / Der Geier

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) – 00:02:36 – Color – 24 FPS – NTSC – Stereo – 16/9Canon sx20: DSRL Camera – Argentina – animation short film: 2D traditional, drawing on paper, frame by frame animation – fantasy, adaptation

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A vulture hacks the feet of the main character who, resigned to his punishment, passively accepts this inevitable destiny. Animated short film based on the homonymous story, by Franz Kafka.

Un buitre destroza los pies del protagonista quien, resignado a su castigo, acepta con pasividad a este destino que le es inevitable. Cortometraje animado basado en el relato homónimo de Franz Kafka.

  • Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Around 1917 Kafka wrote a note in his diary: «Somebody pulled my clothes, but I shook him off». Some years later, in his short story «The vulture», fate looks inevitable and it is not possible to escape from the torment. A vulture hacks the feet of the main character, who resigned, accepts passively this inevitable destiny.

Alrededor de 1917 Kafka escribió una nota suelta en su cuaderno: «Alguien me tiró de la ropa, pero me lo sacudí». Años después, en el relato corto «El buitre», el destino se vuelve inevitable y ya no es posible escapar del tormento. Un buitre destroza los pies del protagonista, quien acepta resignado y con pasividad este destino que le es inevitable.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

SANTIAGO COLOMBO MIGLIORERO

https://colombosantiago.wixsite.com/santiagocolombo

Visual and audiovisual artist. Since 2012 he has exhibited his artworks in many collective and individual exhibitions in Latin America and Europe such as BAFICI, FIVA, Proyector, INVE, Turku Animation Festival, Video Babel, among others. His artistic works have been awarded in Argentina and Brazil. He has attended artistic residencies in Argentina, Chile, and, during 2021, he will make another one in Spain.

Artista visual y audiovisual. Ha mostrado su trabajo en numerosos festivales y exposiciones de Latinoamérica y Europa como BAFICI, FIVA, Proyector, INVE, Turku Animation Festival, Video Babel, entre otros. Sus producciones artísticas recibieron premios en Argentina y Brasil. Ha realizado residencias artísticas en Argentina, Chile y, durante 2021 realizará una en España.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Franz Kafka

Director / Director: Santiago Colombo Migliorero

Production / Producción: Santiago Colombo Migliorero

Animation / Animación: Santiago Colombo Migliorero

Art Director / Director de Arte: Santiago Colombo Migliorero

Sound Design / Diseño de Sonido: Aldana Bit

Voices / Voces: voiceofdragons

  • Festivals and Awards / Festivales y Premios:

– 2 El Ojo Iluso International Animation Film Festival; 05/2021; Venezuela

– 31 Animafest Zagreb, World Festival of Animated Films; 06/2021; Croatia

– 6 Florida Animation Festival; 06/2021; US

– 7 Bogotá Experimental Film Festival; 08/2021; Colombia

– 17 Detmold ISFF; 10/2021; Germany

– 5 Anima Latina, Latin American Animation Festival; 10/2021; Argentina

– 7 BitBang International Animation and Digital Art Festival; 10/2021; Argentina

– 10 Cartón International Animation Festival (Best Micro Short Film; RAFMA Award); 11/2021; Argentina

– 37 Cipolletti Cine, Festival Nacional de Cortometrajes; 11/2021; Argentina

– 10 Festival PLAY, Videoart & Experimental Cinema; 11/2021; Argentina

– 3 ICONA, Ionian Contemporary Animation Festival; 12/2021; Greece

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

https://www.instagram.com/films.to.festivals/

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Veo Veo

I Spy / Vedi cosa vedo / Eu vejo / Devine ce que je vois

 

 

Technical Info / Información Técnica:

2019 / 00:05:29 / Super HD 1920×1080 / drawing, painting, digital 2D, stop motion, clay, pixillation, cut out / 25 fps / 16:9 / Color / Sound: 48 kHz / software: After effects / Argentina / Short Film, Animation, Experimental / Women – Social – Human Rights – Gender – Surrealism / Teamwork / General Audience / Spanish / silent

 

 

 

Synopsis / Sinopsis:

Animated collective film that connects the inquisitive look of 33 women showing feelings and emotions.

 

 

Propuesta audiovisual animada que enlaza la mirada inquisitiva de 33 mujeres rescatando sus emociones en clave de creación colectiva.

 

 

“I Spy” is a game of discovery. Through questions and a sensitive inspection, we come to be aware of something someone else can be watching in front of my eyes. For this film, 33 women have gathered together to depict things the way we feel them, turning from one’s one perception to an animated universe. I am one paying attention, but I can notice there is someone else watching, and another one too. So we are many women reflecting multiple sights, ready to face and show looks that can be interesting, touching or painful, shining in a collective fantasy creation.

 

 

El “Veo Veo” es un juego de descubrimiento. Por medio de preguntas y aguzando los sentidos llegamos a deducir qué observa delante de mis ojos otra persona que no soy yo. Aquí reunimos nuestra visión 33 mujeres registrando lo que vemos tal como lo sentimos, transformándolo desde la propia percepción y llevándolo al universo animado. Yo soy una que ve, pero advierto que otra ve también, y otra más. Somos muchas que atentamente nos reflejamos en múltiples ojos y miradas, dispuestas a afrontar temas que nos interesan, nos tocan o nos duelen. O también a proyectar una fantasía en clave de creación colectiva.

 

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

Directors:

Jacqueline Baffico, Luciana Digiglio, Malena Laiño, Gabriela Fernández, Agostina Ravazzola, Ann López Angulo, Malena Martínez, Ileana Andrea Gómez Gavinoser, Lola Barreto, Cez Comerci, Maricel Ignatti, Marina Lisasuain, Laura Norma Martínez, Alicia Rosenthal, Paula Herrera Vivas , Patricia Menghi, Belén Tagliabue, Ana Martín, Irene Blei, Gabriela Clar, Isabel Macías, Elena Aracena, Milena Lois, Raquel De Simone, Paola Bellato, Isabel Estruch, Sofía Ugarte, Gala Moser

 

 

RAMA, Red Argentina de Mujeres Animadoras, is a collective of women related to Animation that face community project work without internal hierarchies. It is a diverse, inclusive group that embraces sorority and mutual help ideals.

 

RAMA, Red Argentina de Mujeres Animadoras, es un colectivo de mujeres de la animación que abordan proyectos en común que funciona de manera horizontal. Se trata de un grupo diverso y amplio que sostiene los ideales de hermandad y apoyo mutuo.

 

 

 

Director Statement / Declaraciones del Director:

«I Spy» is an animated experimental short film. It has an original approach, while it is a collective animated piece of work with the exquisite corpse structure. Filmmakers worked freely in consonance with personal motivation, using different techniques and materials. As for its assemblage, it happens to be the second production done by RAMA, Red Argentina Mujeres de la Animación, a recently born collective that gathers women from different cities of Argentina and also those from other places that live or have lived in the country. When defining its format, which is a Jam, we decided to leave this word aside and pick a Spanish equivalent. That is why we chose Mermelada de Animadoras to identify ourselves.

 

«Veo Veo» es un cortometraje animado experimental. Su presentación es poco convencional, dada la realización colectiva compuesta como un cadáver exquisito. Contiene la expresión de 25 mujeres manifestándose en imágenes e ideas acerca de deseos y sentimientos. Las realizadoras trabajaron libremente en consonancia con motivaciones personales utilizando una variedad de técnica y materiales. En cuanto a estructura, es la primera producción de RAMA, Red Argentina Mujeres de la Animación, un colectivo surgido recientemente que reúne a mujeres de diferentes ciudades de Argentina así como  a aquellas que son o han sido residentes del territorio del país. Al encarar la construcción de la pieza, que es una  Jam, decidimos dejar esta palabra de lado y elegir un equivalente en castellano. Así fue como elegimos identificar el formato como Mermelada de Animadoras para identificarnos.

 

 

 

Overview / Ficha técnica:

Producer / Producción: Romina Savary

 

Animation / Animación: Ana Inés Flores, Milena Lois, Rocío Dalmau, Gabriela Fernández, Daniela Fiore, Irene Blei, Ileana Gómez Gavinoser, Miriana Bazan, Belén Tagliabue, Agostina Ravazzola, Carla Gratti, Paola Bellato, Isabel Estruch, Sofía Ugarte, Laura Norma Martínez, Berenice Gáldiz Carlstein, Isabel Macias, Marina Lisasuain, Angeles Sena, Gabriela Clar, Raquel de Simone, Ana Martín

Editing / Montaje: Ana Martín

Post-Production / post-producción: Ana Martín – Elena Aracena

Animated Credits / Animación de Créditos: Elena Aracena

Logo and Template Design  / Diseño de plantilla y logo: Cez Comerci – Csinos

Sound / Sonido: Valentina Pasetti – Dalia Edelstein

Original Music / Música Original: Eva Gou (Lucía Rivarola)

 

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 6 La Mirada Tabú Film Festival; 12/2019; Spain

– 5 International Peace & Film Festival; 01/2020; US

– 3 La Picasa International Film Festival; 02/2019; Argentina

– 3 Our Fest, International Stop Motion Film Festival; 03/2019; Argentina

 

 

Links:

Facebook: https://www.facebook.com/rama.animadas

Instagram: https://www.instagram.com/rama.animadas

 

 

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

Gisela@filmstofestivals.com

 

 

Producción / Production

RAMA – Red Argentina Mujeres de la Animación

@rama_animadas

 

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La Confesión

The Confession

 

 

 

  • Technical Info / Información Técnica:

(2020) – 00:02:00 – Color – Sound Stereo – HD, VHS – 25 fps16/91920×1080 – Argentina – student short film, LGBT, dramedy, family

 

 

 

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Some childhood images I found in a VHS tape, dialoguing whit Whatsapp’s audios my grandmother sends to me. A confession and a reaction inviting you to look back at connections and desires.

Unas imágenes de mi infancia que encontré en un VHS, se ponen en diálogo con los audios de whatsapp que me envía mi abuela. Una confesión y una reacción que invitan a ver en retrospectiva las vinculaciones y los deseos.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

FACUNDO RODRIGUEZ ALONSO

https://vimeo.com/fakrodriguez

I study audiovisual arts at UNA (Nacional University of Arts) and I’ve been working in the direction of art education as an editor since 2015, in Buenos Aires city. I made the short films named “Parque Patricios 4.0” in 2019 and “El Silencio Ensordece” (co-directed with Sebastián Kosak and Agustín Brun), selected for the FIDOCS 2019 «archive films in process» section. I’m currently finishing the postproduction for my documentary short film MUTAR.

Soy estudiante de Artes Audiovisuales en la UNA, y desde el 2015 trabajo como editor en la Dirección de Educación Artística de la CABA. Realicé los cortometrajes “Parque Patricios 4.0”, y “El silencio ensordece” (codirigido con Sebastián Kosak y Agustín Brun) seleccionado para la sección archivo en proceso del FIDOCS 2019. En este momento me encuentro en la postproducción mi cortometraje documental MUTAR.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Facundo Rodríguez Alonso

Director / Director: Facundo Rodríguez Alonso

Production / Producción: Facundo Rodríguez Alonso

Editing / Edición: Facundo Rodríguez Alonso

Subtitles: Víctor Ruilova

Poster: Sebastián Nahuel Kosak

 

  • Festivalsa and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 20 CinHomo, International LGBT Film Festival; 03/2020; Spain

– 22 BAFICI; 04/2020; Argentina (canceled)

– 15 Kinoki International Film Festival; 08/2020; Mexico

– 11 Festival REC Festival de Estudiantes de Artes Audiovisuales de Universidades Públicas y Privadas; 08/2020; Argentina

– 2 CORTES, Festival de Cortometrajes LGTBQI+; 11/2020; Argentina

– 11 Santo Domingo OutFest; 12/2020; Dominican Republic

– 2 Amor es Amor LGBT Film Festival (Special Mention); 02/2021; Argentina

– 8 Oftálmica, International Independent Film Festival; 04/2021; México

– 4 EFICE, Eneagrama International Experimental Film Festival; 06/2021; Argentina

– 8 Playa del Carmen Queer International Film Festival; 11/2021; México

– 5 Nahia Film Fest, Festival Internacional de Cortometrajes sobre Sexo, Género, Diversidad y Erostismo; 2021; Spain

– 5 MUTA Festival Internacional de Apropiación Cultural; 09/2021; Peru

– 8 Asterisco LGBTQ Film Festival; 11/2021; Argentina

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

Gisela@filmstofestivals.com

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Sarna

Mange

 

 

 

  • Technical Info / Información Técnica:

(2021) / 00:18:20 / ratio 1.85:1 / COLOR / Stereo / Blackmagic Pocket Cinema Camera – Sony Alpha a6500 / Guatemala / Documentary, Experimental, Graduation Thesis, Social Issues

  • Logline:

“Sarna” reflects on the human condition in a non-human environment. A story of howls, barks and desolate glances in the outskirts of the Pan American Highway where most of its inhabitants are stray dogs that roam erratically through the gray and melancholic streets.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

A story of howls, barks and desolate stares on the outskirts of the Pan-American Highway where most of its inhabitants are stray dogs that wander erratically through the gray and melancholic streets. A girl’s voice is reproduced through an old recording tape; she tells us stories as if brought from the past. The cut melody of her soft voice blends with the harshness and sordidness of the landscape, immersing us in an intimate and introspective musing.

Una historia de aullidos, ladridos y miradas desoladas en los aledaños a la carretera Panamericana donde la mayoría de sus habitantes son perros callejeros que deambulan erráticos por las calles grises y melancólicas. La voz de una niña se reproduce través de una cinta de grabación antigua; ella nos cuenta historias, como traídas de una civilización anterior. La melodía entre cortada de su suave voz se funde con lo aspereza y sordidez del paisaje sumergiéndonos en una cavilación intima e introspectiva.

  • Synopsis / Sinopsis:

“Sarna” reflects on the human condition in a non-human environment. A story of howls, barks and desolate glances in the outskirts of the Pan American Highway where most of its inhabitants are stray dogs that roam erratically through the gray and melancholic streets. Our look will be that of a person in the land of dogs with scabies; it will be the vision of a foreigner in the territory of dogs that rummage their bodies – scratching alienated – lying on the asphalt while they look for sunlight. Humans seem to be the guests in this city where dogs are their own owners and live wildly in packs or lonely wanderers. A girl’s voice is reproduced through an old recording tape; she tells us stories, as brought from a previous civilization. The melody between the cut of his soft voice merges with the roughness and sleaze of the landscape immersing ourselves in an intimate and introspective thought that will make us think until after it is finished.

“Sarna” reflexiona sobre la condición humana en un entorno no-humano. Una historia de aullidos, ladridos y miradas desoladas en los aledaños a la carretera Panamericana donde la mayoría de sus habitantes son perros callejeros que deambulan erráticos por las calles grises y melancólicas. Nuestra mirada será la de una persona en tierras de perros con sarna; será la visión de un extranjero en territorio de canes que hurgan sus cuerpos -rascándose enajenados- echados sobre el asfalto mientras buscan la luz del sol. Los humanos parecen ser los huéspedes en esta ciudad donde los perros son sus propios dueños y viven salvajemente en jaurías, o vagabundeado solitarios. La voz de una niña se reproduce través de una cinta de grabación antigua; ella nos cuenta historias, como traídas de una civilización anterior. La melodía entre cortada de su suave voz se funde con lo aspereza y sordidez del paisaje sumergiéndonos en una cavilación intima e introspectiva que nos hará pensar hasta después de terminada.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JOSUE GARCÍA PRADO

Guatemalteco/Chileno

Guatemalan, born in Quetzaltenango. After studying sociology at Universidad del Valle de Guatemala, he graduated as an audiovisual producer at Casa Comal, the film and television school, where he made two short documentaries «Rigor Mortis» and «Próximo Domingo» which have been presented and awarded at international festivals. Three times winner at the Icaro International Film Festival at the category of «Best Central American Short Documentary».

Guatemalteco, nacido en Quetzaltenango. Tras estudiar sociología en La Universidad del Valle de Guatemala, se graduó como realizador audiovisual en la escuela de cine y televisión Casa Comal en donde realizó dos documentales cortos “Rigor Mortis” y “Próximo Domingo” que han sido presentados y premiados en festivales internacionales. Ganador tres veces en el Festival Internacional Ícaro, en la categoría “Mejor Cortometraje Documental  Centroamericano”.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Sarna is a short documentary film that reflects on the human condition, in a non-human environment. A story of howls barks and desolated glances in the city of Guatemala and its neighboring municipalities, where most of its inhabitants are stray dogs that roam erratically through the grey and melancholic streets. We will follow the point of view of a person grounded in a land of dogs with scabies; it will be the vision of a foreigner in the territory of dogs that rummage through their bodies -scratching, alienated, their burning mites- lying on the asphalt while looking for the sunlight, or maybe, without knowing, a bit of human warmth. Humans seem to be the guests in this city where dogs are their own owners and live wildly in packs or as lonely wanderers. We accompany them in the early mornings of insatiable hunger around the dumps, in the crowded shelters built with wooden boxes and chains, in the improvised operating rooms where their future offspring vanish from existence, until the end, on the warm asphalt that collects their intestines. A girl’s voice is played through an old recording tape; she tells us stories that seem like a past life; tales like the one of Arafat, a dog that nobody loved but lived more than 19 years; or Serpico, and a purebred dog that slew a whole litter of cats. The melody between her soft voice melts with the roughness and sordidness of the landscape, submerging us in an intimate and introspective reckoning that will make us think after the film has finished. The contrast between the world in our heads and the one that surrounds us is accentuated as we enter into the perspective of these animals abandoned by a distant society. It approaches us and pulls us closer to be able to see sharply, the relationship we share with them and the impact it causes on us.

Sarna es un cortometraje documental que reflexiona sobre la condición humana en un entorno no-humano. Una historia de aullidos, ladridos y miradas desoladas en la Ciudad de Guatemala y sus pueblos aledaños; municipios donde la mayoría de sus habitantes son perros callejeros que deambulan erráticos por las calles grises y melancólicas. Nuestra mirada se centra en la de una persona que penetra los territorios de perros con sarna; la visión de un forastero en región de canes que hurgan sus cuerpos -rascando enajenados sus ácaros ardorosos- echados sobre el asfalto mientras buscan la luz del sol o a lo mejor, sin quererlo, el calor humano. Las personas parecen ser los invitados en esta ciudad donde los perros son sus propios dueños y viven salvajemente en jaurías, o vagabundeado solitarios. Los acompañamos en las madrugadas de insaciable hambre alrededor de los basureros, en los abarrotados albergues improvisados con cajas de madera y cadenas, en los quirófanos improvisados donde les suprimen la descendencia, hasta el asfalto cálido que recolecta sus vísceras. La voz de una niña se reproduce través de una cinta de grabación antigua. Nos cuenta historias traídas de una vida añeja; relata cuentos como el de Arafat, un perro al que nadie amaba pero que vivió más de 19 años; o el de Serpico, un perro de raza pura que asesinaba camadas enteras de gatos. La melodía vacilante de esta suave voz, se funde con la aspereza y sordidez del paisaje de una ciudad desinteresada, sumergiendo al espectador en una cavilación intima e introspectiva que nos hará pensar hasta después de terminada. El contraste entre el mundo que vivimos y el que nos rodea se acentúa al adentrarnos en la perspectiva de estos animales abandonados por una sociedad distante y nos aborda, para poder ver de cerca, la relación que compartimos con ellos y el impacto que causa en nosotros.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Josué García Prado

Producer / Producción: Monica Hinrichs, Diego Rosal Cazali, Josué García Prado

Executive Producer / Productor Ejecutivo: Lucia Montenegro

Director / Director: Josué García Prado

Director Assistant / Asistente de Dirección: Anna Shaw

Director of Photography and Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Josué García Prado

Camera Assistant & Gaffer / Asistente de Cámara y Gaffer: Fabricio Díaz

Sound / Sonido Directo: Luis Franco

Sound design / Diseño de sonido: Max Sagastume

Editing/Montaje: Josué García Prado

Original Music/Música Original: Mabe Fratti, Los Huesudos Buscando Un Quetzal

Post-production /Post-producción: Bladimir Veliz

Voice Over/Narrador: Joana Mariel Madrid

Poster: Alberto Rodríguez Colia

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 18 Big Sky Documentary Film Festival; 02/2021; US

– 41 Tampere Film Festival; 03/2021; Finland

– 4 Livable Planet Film Festival; 04/2021; US

– 13 LISFE, Leiden International Short Film Experience; 09/2021; Netherlands

– 20 Baikal IFF «People and Environment»; 09/2021; Russia

– 8 Riga International Film Festival; 10/2021; Latvia

  • Links:

Instagram: https://www.instagram.com/laplagaylosperros/

Trailer: https://vimeo.com/341714943

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

Gisela@filmstofestivals.com

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Los Rugidos Que Alejan La Tormenta

The Roars That Keep the Storm Away

 

 

– Technical Info / Información Técnica:

(2019) / 00:15:17 / ratio 2,35:1 / COLOR / SOUND: 5.1 / Camera: Canon super 8 – Blackmagic pocket cinema / 25 FPS / 4k / Argentina / Documentary, Fiction

 

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Michel lives behind the lagoon. He fishes with his rode and wanders around the fields near the town. He survives only with the indispensable. No traffic, no people, no responsibility, just pure survival. When the evening falls, the roars keep the storm away and keep him safe.

Michel vive detrás de la laguna pescando con su caña. Deambula por los campos aledaños al pueblo. Sobrevive solo con lo imprescindible. Sin tráfico, sin gente, sin responsabilidad, solo pura sobrevivencia. Cuando cae la tarde los rugidos alejan la tormenta y lo mantienen a salvo.

– Director´s Biography / Biografía del Director:

SANTIAGO REALE

https://santiagoreale.com

Santiago Reale (1988, Casbas, Argentina). Holds a degree in audio-visual arts from the National University of La Plata. Studied film critic at the Federico Fellini Institute. Reale directed the short film “This is my jungle” (FICIC & FICUNAM: Best Short Film Award). He is currently developing his first feature film “La noche es de los animales”, produced by Juan Schnitman and Paolo Donizetti of Los Salvajes Cine.

Santiago Reale. Casbas 1988. Es guionista y director. Es Licenciado en Artes Audiovisuales por la Universidad Nacional de La Plata. Realizó como director el cortometraje “Esta es mi selva” (Ficunam ‘15). En 2016 participó de Talent Campus BA. En 2017 resulto ganador de las becas Campus Arché + Hangar Lisboa + Márgenes Madrid. En 2018 su cortometraje “Aquel verano sin hogar” tuvo su estreno mundial en Doclisboa y obtuvo el premio a Mejor Cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Trabajó como jurado de preselección en el Fondo Nacional de las Artes. Actualmente se encuentra desarrollando su ópera prima “La noche es de los animales” producida por Juan Schnitman, Paolo Donizetti, Paula Zyngierman y Roberto Doveris.

Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Forma parte de una trilogía sobre Laguna Alsina. Un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires rodeado de campo que sufre históricamente de inundaciones que afectan a la región. Mi relación con el lugar parte de haber vivido hasta los doce años en la zona y permanecer en contacto con diferentes jóvenes del pueblo. Conocí a Michel durante el rodaje de Esta es mi selva y seguimos en contacto durante años. En aquel momento él tenía once años y su vínculo con el pueblo me trasladaba al pasado. A mi infancia repleta de mitos y leyendas sobre la laguna. Este cortometraje parte de estas historias para reconstruir la memoria de un pueblo y de sus jóvenes. Pero mi intención es hablar desde el presente. Poder transformar la realidad a través de los cuerpos. Michel es un joven perdido en el campo, pero también es un lobo que por las noches recorre la laguna esperando la destrucción. Las historias del pasado regresan desde un lugar lejano, cerca del mar.

– Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Santiago Reale

Producer / Productor: Juan Protto, Daniela Echeverri

Executive Producer / Productor Ejecutivo: Santiago Reale

Director / Director: Santiago Reale

Director Assistant / Asistente de Dirección: Franco D´Alessandro

DoP & Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Franco D´Alessandro

First Assistant Camera / 1er Asistente Cámara: René Pérez

Art Director / Dirección de Arte: Catalina Oliva

Film Editor / Edición: Santiago Reale

Sound Mix / Mezcla de Sonido: Gabriel Cominotti, Juan Protto

Sound / Sonido: Joaco Caminos, Juan Protto

Música / Music: Manque La Banca

Cast / Elenco: Michel Fernández

Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 69 Berlinale; 02/2019; Germany

– 21 BAFICI; 04/2019; Argentina

– 9 FICIC; 05/2019; Argentina

– 5 Pico Fest, Festival Nacional de Cine; 08/2019; Argentina

– 10 REC, International Student Film Festival (Best Short Film); 08/2019; Argentina

– 11 Imágenes Sociales, Festival Latinoamericano de Cortometrajes; 09/2019; Argentina

– 8 FORARDCAMP Mostra de Cinema Amb La Natura (Special Mention); 10/2019; Spain

– 5 ADF Cinematography Film Festival; 11/2019; Argentina

– 4 Festival Graba Audiovisual; 03/2020; Argentina (postponed)

– 8 Ojo Loco, Festival de Cinema Iberique & Latino Americain; 03/2020; France

– 5 FICME, Festival de Cinema de Menorca; 07/2020; Spain

– 15 Kinoki International Film Festival; 07/2020; México

– 49 International Student Film Festival Sehsüchte; 09/2020; Germany

– 7 MAFICI, Festival Internacional de Cine de Puerto Madryn (Best Documentary); 09/2020; Argentina

– 36 Chicago Latino Film Festival; 09/2020; US

– 22 MIDBO, Muestra Internacional de Cine documental; 10/2020; Colombia

– 9 Antofacine, Antofagasta IFF; 11/2020; Chile

– 12 FICIQQ, Iquique International Film Festival (Best Short Film); 11/2020; Chile

– 23 Icaro, International Film Festival; 12/2020; Guatemala

– 2 Positively Different Short Film Festival; 03/2021; Greece

– 68 Cóndor de Plata Awards: Best documentary short film nominated; 2020; Argentina

– 1 CINENOVA, University Cinema Film festival; 09/2021; Portugal

– 1 Laberinto, Independent Film Festival; 10/2021; Colombia

Links:

Trailer English Subtitles: https://vimeo.com/328543217

Facebook: https://www.facebook.com/enelreinoproducciones/

Instagram: https://www.instagram.com/enelreino/

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

 

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Aquel Verano Sin Hogar

That summer without a home

 

 

 

 

 

 

– Technical Info / Información Técnica:

(2018) / 00:09:14 / ratio 16/9 / COLOR / SOUND: Stereo / Camera: Canon 518 – Super 8mm / Lentes  C-8 / 24 FPS / 2k / 2048 x 1080 / Argentina / Documentary, Fiction

 

 

Storyline:

A summer away from home. The afternoons at the cemetery. Storm and destruction.

 

Un verano lejos de casa. Las tardes en el cementerio. La tormenta y la destrucción.

 

 

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Michel wanders through the fields surrounding the town. Kill time by driving your motorcycle on dirt roads. Night falls in the old cemetery and the boys swim among the dead. It’s a summer away from home. The storm and the destruction reign.

 

Michel deambula por los campos aledaños al pueblo. Mata el tiempo conduciendo su motocicleta por caminos de tierra. Anochece en el viejo cementerio y los chicos nadan entre los muertos. Es un verano lejos de casa. Reinan la tormenta y la destrucción.

 

 

– Director´s Biography / Biografía del Director:

SANTIAGO REALE

https://santiagoreale.com

Santiago Reale (1988, Casbas, Argentina). Holds a degree in audio-visual arts from the National University of La Plata. Studied film critic at the Federico Fellini Institute. Reale directed the short film “This is my jungle” (FICIC & FICUNAM: Best Short Film Award). He is currently developing his first feature film “La noche es de los animales”, produced by Juan Schnitman and Paolo Donizetti of Los Salvajes Cine.

 

Santiago Reale. Casbas 1988. Es guionista y director. Es Licenciado en Artes Audiovisuales por la Universidad Nacional de La Plata. Realizó como director el cortometraje “Esta es mi selva” (Ficunam ‘15). En 2016 participó de Talent Campus BA. En 2017 resulto ganador de las becas Campus Arché + Hangar Lisboa + Márgenes Madrid. En 2018 su cortometraje “Aquel verano sin hogar” tuvo su estreno mundial en Doclisboa y obtuvo el premio a Mejor Cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. Trabajó como jurado de preselección en el Fondo Nacional de las Artes. Actualmente se encuentra desarrollando su ópera prima “La noche es de los animales” producida por Juan Schnitman, Paolo Donizetti, Paula Zyngierman y Roberto Doveris.

 

 

Director’s Statement / Declaraciones del Director:

Aquel verano sin hogar forma parte de una trilogía sobre Laguna Alsina. Un pequeño pueblo de la provincia de Buenos Aires rodeado de campo que sufre históricamente de inundaciones que afectan a la región. Mi relación con el lugar parte de haber vivido hasta los doce años en la zona y permanecer en contacto con diferentes jóvenes del pueblo. Conocí a Michel durante el rodaje de Esta es mi selva y seguimos en contacto durante años. En aquel momento él tenía once años y su vínculo con el pueblo me trasladaba al pasado. A mi infancia repleta de mitos y leyendas sobre la laguna. Aquel verano sin hogar parte de estas historias para reconstruir la memoria de un pueblo y de sus jóvenes. Pero mi intención es hablar desde el presente. Poder transformar la realidad a través de los cuerpos. Michel es un joven perdido en el campo, pero también es un lobo que por las noches recorre la laguna esperando la destrucción. Las historias del pasado regresan desde un lugar lejano, cerca del mar.

 

 

– Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Santiago Reale

Producer / Productor: Juan Protto, Daniela Echeverri

Executive Producer / Productor Ejecutivo: Santiago Reale

Director / Director: Santiago Reale

Director Assistant / Asistente de Dirección: Franco D´Alessandro

DoP & Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Franco D´Alessandro

First Assistant Camera / 1er Asistente Cámara: René Pérez

Film Editor / Edición: Santiago Reale

Sound design / Diseño de sonido: Santiago Reale

Sound / Sonido: Joaco Caminos, Juan Protto

Música / Music: Manque La Banca

Cast / Elenco: Michel Fernández

 

 

 

Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 16 Doclisboa, Int’l Documentary Film Festival; 10/2018; Portugal

– 33 Mar del Plata International Film Festival (Best Short Film); 11/2018; Argentina

– 3 GRABA, Festival Audiovisual; 03/2019; Argentina

– 5 Pico Fest, Festival Nacional de Cine; 08/2019; Argentina

– 67 Condor de Plata Award (Best Short Film); 08/2019; Argentina

– 15 FestiFreak, Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata; 09/2019; Argentina

– 7 FIDBA, Festival Internacional de Cine Documental de Buenos Aires (Special Mention); 09/2019; Argentina

– 26 Festival de Cine Latinoamericano de Rosario; 09/2019; Argentina

– 2 FICMAI, Festival Internacional de Cine de Maipú (Best Short Film); 10/2019; Argentina

– 17 Shnit Worldwide Short Film Festival; 10/2019; Argentina

– 7 Festival Latinoamericano de Cortometrajes Cortópolis (Special Mention); 10/2019; Argentina

– 35 Concurso Nacional de Cine Independiente de Cipolletti (Best Short Film); 11/2019; Argentina

– 8 FECILBBA, Festival Latinoamericano de Cine Independiente de Bahía Blanca; 11/2019; Argentina

– 6 Tlanchana Fest, Festival de Cine y Arte Digital; 08/2020; Mexico

– 6 Bogotá Experimental Film Festival; 08/2020; Colombia

– 5 FCEE, Festival de Cine Etnográfico de Ecuador; 09/2019; Ecuador

 

 

Links:

Trailer English Subtitles: https://vimeo.com/285876565

Facebook: https://www.facebook.com/enelreinoproducciones/

Instagram: https://www.instagram.com/enelreino/

 

 

 

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

 

 

 

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Estilo Libre

Freestyle

 

 

 

 

Technical Info / Información Técnica:

(2019) / 00:04:48 / HD 1920×1080 / Cámara Canon t5i / 16:9 / 24 fps / Color / Sound: stereo / Argentina / Documentary, Graduation Thesis

 

 

Logline:

Four freestyle rappers improvise about current issues while watching the same footage.

 

Cuatro freestylers improvisan sobre la actualidad mientras observan la misma serie de imágenes de archivo.

 

 

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Four freestyle rappers of different ages and backgrounds improvise about the same footage. As a result of the combination of these different versions, a unique improvisation emerges, which reflects the similarities and differences between them.

 

Cuatro freestylers de diferentes edades y contextos sociales improvisan sobre la misma serie de imágenes de archivo. A través de la combinación de estas distintas versiones se forma una sola improvisación que deja ver las similitudes y diferencias entre ellos.

 

 

 

Synopsis / Sinopsis:

Four freestyle rappers of different age, genders, and backgrounds improvise about the same footage. As a result of the combination of these different versions, a unique improvisation emerges, which reflects the similarities and differences between them, as well as a cultural movement opinions about current issues.

 

Cuatro freestylers de diferentes edades, géneros y contextos sociales improvisan sobre la misma serie de imágenes de archivo. A través de la combinación de estas distintas versiones se forma una sola improvisación que deja ver las similitudes y diferencias entre ellos, así como también las opiniones de un movimiento cultural sobre los temas de actualidad.

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

ROCÍO NEISER

Born in 1996, in Buenos Aires. She is an Audiovisual design student at UBA and works as a content editor. She co-directed and edited “Freestyle”, her debut film.

 

Nacida en 1996, en Buenos Aires. Es estudiante de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido en la UBA y trabaja como editora de contenido. Co-dirigió y editó “Estilo Libre”, su primer cortometraje.

 

 

BRUNO ANNUITI

Born in 1994 in Buenos Aires. He is an Audiovisual Design student, at UBA. “Freestyle” is his debut film.

Nacido en 1994 en Buenos Aires. Es estudiante de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. “Estilo Libre” es su primer cortometraje.

 

 

Director Statement / Declaraciones del Director:

Two axes are what drive this proposal. On one hand, the game of the «exquisite corpse» as a form of expression of the collective unconscious, a place where associations and ideas emerge in their purest state. On the other, the emerging movement of freestyle as a way of expression, where rhymes are improvised and often reflect social and political criticism framed in personal experience and context. This documentary is a playful proposal that seeks to approach the pure state of free association and understand how the discourse can be promoted through visual stimuli, to be reconstructed in a unique and collective creation that reflects similarities and differences among its participants.

 

Dos ejes son los que impulsan esta propuesta. Por un lado, el juego del “cadáver exquisito” como forma de expresión del inconsciente colectivo, lugar donde surgen asociaciones e ideas en su estado más puro. Por el otro, el movimiento emergente del freestyle como una manera de expresión, donde las rimas son improvisadas y suelen reflejar críticas sociales y políticas enmarcadas en la experiencia personal y el contexto. Este documental es una propuesta lúdica que busca aproximarse al estado puro de la asociación libre, y entender cómo el discurso puede ser impulsado a través de estímulos visuales, para ser reconstruido en una creación única y colectiva que refleja similitudes y diferencias entre sus participantes.

 

 

 

Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Rocío Neiser

 

Producer / Producción: Mariana Reingold

Productor Assistant / Asistente de Producción: Lucas Schmit

Director / Director: Rocío Neiser, Bruno Annuiti

Cinematography / Director de Fotografía: Celeste Torres Corbalán

Sound Design / Dirección de Sonido: Karel Joshua Kees

Editing / Montaje: Rocío Neiser

Cast / Elenco: Dak1llah, Aesuno, Barba Roja, Tink

 

 

 

 


Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 33 Festival de Cine de Mar del Plata; 11/2018; Argentina

– 21 BAFICI; 04/2019; Argentina

– 6 MAFICI; 09/2019; Argentina

 

 

Links:

Trailer: https://vimeo.com/320552795

Instagram: https://www.instagram.com/audiovisualestropico/

 

 

 

 

 

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

 

 

Mariana Reingold

Trópico Audiovisuales

 

 

 

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Ojo de Mar

Among the Mountain Ranges

 

– Technical Info / Información Técnica:

(2019) / 01:07:00  /HD/ 24FPS/ COLOR/ SONIDO DIGITAL 5.1 / Argentina, Chos Malal / Experimental Documentary Film

Logline:

“Las cuatro estaciones en el norte patagónico”

“Four seasons in the north of Patagonia”

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Entre las cordilleras del norte neuquino una cultura sincrética resiste a desaparecer en el tiempo. La temporalidad de las cuatro estaciones patagónicas: el cotidiano de sus habitantes, sus rituales y rutinas atravesados por los cambios sociales y climáticos entre Los Andes y Los Vientos. Imágenes de resistencia y belleza, de soledad y nostalgia, de vida y muerte.

Among the mountains of Northern Neuquén, a syncretic culture struggles to not disappear. The four seasons mark the inhabitants’ pace, with their rituals and routines pierced through by diverse changes. A hypnotic experience of resistance and beauty, of solitude and nostalgia, of life and death.

– Long Synopsis / Sinopsis Larga:

Entre las Cordilleras de los Andes y de los Vientos hay una vida distintiva, con prácticas culturales únicas que resisten al paso del tiempo y los cambios sociales, conservando su singularidad. La trashumancia, los crianceros y puesteros, las cantoras de cueca original, las fiestas religiosas y la naturaleza distinguen esta región, tan diferente en cada estación del año. En la primavera los trashumantes van con sus animales hacia las altas cumbres para que se alimenten del mejor pasto, pasando noches y días con su manada para volver en el avanzado verano a su pueblo u hogar. Mientras tanto se canta la cueca en sus casas. En verano, la fiesta de San Sebastián reúne a distintas personas, locales y turistas, en una gran peregrinación de la fé, donde los habitantes de la región expresan su cultura y comparten entre sí y con los demás la idiosincrasia cotidiana de manera ritual. En otoño, la reclusión en los hogares es de tono intimista y silente. El trashumante, la cantora y los demás habitantes se resguardan en sus casas, en una calma con tonos de melancolía, con sencillez y pequeñas alegrías. De soledad, sosiego y espera. En el invierno intenso, de nieve y silencio, los animales se acurrucan para enfrentar el frío. El espacio y el tiempo se unen en una atmósfera de discreción, sigilo, como si algo oculto rondase todo, enigmática. La cantora canta para sus adentros y se escucha entre las montañas. El trashumante camina hacia un lago congelado y desaparece en la neblina. Solo se escuchan sus pasos, desapareciendo, y los tonos de una canción mezclada a los sonidos invernales. Las montañas se imponen. Silencio. Sueño.

Among the Andes and Viento Mountain Ranges, there is a distinctive life, with cultural practices that resist the passage of time and social changes, conserving their uniqueness. The transhumance, the old shepherds, the original cueca singers, the religious festivals and nature distinguish this region, so different in each season of the year. In the spring the transhumant go with their animals to the high peaks to feed on the best grass, spending nights and days with their herd to return in the late summer to their town or home. Meanwhile, the cueca is sung in their houses. In summer, the festival of San Sebastián gathers different people, locals, and tourists, in a great pilgrimage of the faith, where the inhabitants of the region express their culture and share with each other the daily idiosyncrasies in a ritual way. In the fall, incarceration in homes is intimate and silent. The transhumance, the singer and the other inhabitants take shelter in their houses, in calm with shades of melancholy, with simplicity and small joys. Of solitude, calm and wait. In the intense winter, of snow and silence, the animals huddle to face the cold. Space and time come together in an atmosphere of discretion, stealth, as if something hidden is all around, enigmatic. The migrant walks to a frozen lake and disappears into the mist. Only his footsteps are heard, disappearing, mixed with the winter sounds. The mountains are imposed. Silence. Dream. Between the Mountain Ranges is an observational documentary that tries to transport the viewer to the reality that represents, with its temporality and feelings.

– Director´s Biography / Biografía de los directores:

Pavel Tavares (28, Brasil) es documentalista. Algunas de sus obras son los cortometrajes Jasy Porã (Argentina); Alexander (Rusia); La Villa Yao (China); y el largometraje Ojo de Mar (Patagonia). Docente en Diseño de Imagen y Sonido (UBA). Seleccionado y premiado en el Talents Buenos Aires (2016), la Bienal de Arte Joven (2017), Programa de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella y DIPRA CINAIN.

Pavel Tavares (28, Brazil) is an independent filmmaker. Some of his works are the short films Jasy Porã (Argentina); Alexander (Russia); The Last Small Village (China); and the feature film Ojo de Mar (Patagonia). Teacher at Image and Sound Design (UBA). Selected and awarded in the Talents Buenos Aires (2016), the Young Art Biennial (2017), and the Film Program of the Torcuato Di Tella University.

 

 

Benjamín Garay (27, Argentina) es director de fotografía. DOP en Jasy Pora, 26 ‘(2014) ganó dos premios como Mejor Fotografía en 21º Festival FAM (Brasil) y 24º Festival de Cine Latinoamericano Rosario (Argentina), Mejor documental en CILECT (Bélgica) y Cine Tres Fronteras (Paraguay / Brasil / Argentina ). Codirector y DOP en Ojo de Mar, 92 ‘(2018).

Seleccionado por Interaction Film Camp (Serbia), DOP en Osamdeset Dinara, cortometraje documental de Inma de Reyes (España).

 

Benjamín Garay (27, Argentina)Is a Cinematographer. Worked on several short films. Jasy Pora, 26’(2014) won two awards as Best Photography in 21º FAM Festival (Brasil) and 24º Latin American Film Festival Rosario (Argentina), Best documentary in CILECT (Belgium), and Cine Tres Fronteras (Paraguay/Brasil/Argentina). Also, he worked in Ojo de Mar, 92’(2018)(Among the mountain ranges), a feature film documentary which hasn’t had its premiere yet.

 

 

 

Director’s Statement / Declaraciones de los  directores:

La interpretación del espacio y del tiempo en Ojo de Mar es parte de nuestra búsqueda artística: traducir con los elementos audiovisuales la sensación vivenciada en cada región. Los aspectos distintivos encontrados en el norte neuquino, propios para uno y muy parecidos a su cuna para el otro, nos permiten tocar los puntos que nos interesan: las culturas genuinas que resisten en el tiempo, los paisajes únicos de su continente, los contrastes y complejidad del sincretismo, la riqueza cultural de los lugares fronterizos y la calidad humana de las minorías. Buscamos llevar a quien vea y escuche la película, a un viaje hacia este territorio, envueltos de la temporalidad que emana de las cordilleras y sus habitantes y ritmos.

The interpretation of space and time in «Among the Mountain Ranges» is part of our artistic search: to translate the sensation experienced in each region with the audiovisual elements. The distinctive aspects found in the North of Neuquén, typical for one and very similar to its cradle for the other, allow us to touch the points that interest us: the genuine cultures that resist in time, the unique landscapes of the continent, the contrasts and complexity of syncretism, the cultural richness of border areas and the human quality of minorities. We seek to take who watches and listens to the film, to a trip to this territory, wrapped in the temporality that emanates from the mountain ranges and their inhabitants and rhythms.

 

 

– Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Pavel Tavares y Benjamin Garay

Director / Director: Pavel Tavares y Benjamin Garay

Producer / Producción: Lincoln Esteban Brown Varas

Director of Photography/ Dirección de Fotografía;: Benjamín Garay

Cámara / Camera: Benjamín Garay y Gala Negrello

Film Editor / Edición: Pavel Tavares

Sonido directo/ Sound: Pavel Tavares y Ignacio González

Sound design / Diseño de sonido: Jeronimo Kohn

Original Music / Música Original:

Color/ Grading: Constanza Sandoval

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– 21 BAFICI, Competencia Nacional; 04/2019; Argentina

– 34 Festival de Cine Latinoamericano de Trieste; 11/2019; Italy

– 18 DIFF, Dhaka International Film Festival; 01/2020; Bangladesh

– 11 FICIQQ, Iquique International Independent Film Festival; 11/2019; Chile

– 14 FICMUS; Ushuahia Shh International Mountain Film Festival; 08/2020; Argentina

– 1 Lima Alterna International Film Festival; 09/2020; Argentina

 

 

 

 

 

Links:

Website:https://www.ojodemardoc.com/

Trailer: https://www.ojodemardoc.com/documental

              https://vimeo.com/272639974

Facebook: https://www.facebook.com/ojodemardocumental

Instagram:https://www.instagram.com/ojodemardoc

Contacto/Contacts:

Distribución/ Distribution

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals

info@filmstofestivals.com

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Hojas de Yuca

 

Leaves of Yuca

 

 

 

 

 

– Technical Info / Información Técnica:

(2019) / 00:13:00 / HD 1920×1080 / Color / 24 fps / 16:9 / Stereo / NTSC / Argentina / Documentary, Experimental, Student Short Film, women – CIEVYC

 

 

 

– Synopsis / Sinopsis:

A woman returns to her childhood home but both, she and that place are not the same. Only memories remain.

 

Una mujer regresa a la casa de su infancia, sin embargo, ni ella ni ese lugar son los mismos. Tan sólo permanecen los recuerdos.

 

 

 

– Director´s Biography / Biografía del Director:

BELÉN VARELA

Belén Varela was born in 1988 in Chubut, Argentina.  She studied cinema at CIEVYC (Centro de Experimentacion Cinematográfica en Cine y Video), and meanwhile, she studied acting and clown technique. In 2017 she was selected as film-director for Berlinale Talents Buenos Aires by a documentary project. Currently, she studies Philosophy and she is developing her first feature film project.

 

Belén Varela nació en 1988 en Chubut, Argentina. Es realizadora audiovisual, estudió cine en el Centro de Investigación y Experimentación en Video y Cine y, paralelamente, continuó con su formación actoral y en técnica clown. En febrero del 2017 es seleccionada para participar del foro cinematográfico TALENTS BUENOS AIRES a partir de un proyecto documental llamado Las adversidades cuya película se encuentra en etapa de montaje. Actualmente, estudia Filosofía y desarrolla el guión de su ópera prima.

 

 

 

Director Statement / Declaraciones del Director:

Hojas de yucca is a short film about time and the permanence of memories through it. It is also a small trip to that place we all want to return to at least for a while.

 

Hojas de yuca es un cortometraje sobre el tiempo y la permanencia del recuerdo a través de él. Es, además, un pequeño viaje hacia ese lugar al que todos deseamos regresar al menos por un rato.

 

 

 

– Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Belén Varela

Producer / Producción: Belén Varela

Director / Director: Belén Varela

Director of Photography and Camera / Dirección de Fotografía y Cámara: Florencia Fredes

Film Editor / Edición: Estefanía Curuchaga

Sound / Sonido Directo: Lara Baldino

Sound design / Diseño de sonido: Federico Nístico, Belén Varela

Post-Production Sound / Post-producción de Sonido: Román Martino

Coloring / Corrección de Color: Sonia Scigliano

Original Music / Música Original: Dante Bruni

Graphic Design / Diseño Gráfico: Florencia Rotundo

Cast / Elenco:

 

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

2 FICILP, Festival Internacional de Cine La Picasa; 01/2019; Argentina

 

 

 

Links:

 

 

 

 

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

Gisela@filmstofestivals.com

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Los Exploradores

The Explorers

 

 

 

 

 

 

 

 

Technical Info / Información Técnica:

(2016) / 00:09:00 / HD / 25 FPS / ratio: 16/9  / COLOR / SOUND: Stereo  / Olavarría, Buenos Aires, Argentina

 

 

 

Synopsis / Sinopsis:

Stunned by the constant presence of nature in their lives, a group of humanoids embarks on a journey in search of artificial light and concrete.

 

Hastiados de la constante presencia de la naturaleza en sus vidas, un grupo de humanoides emprende un viaje en busca de luz artificial y hormigón.

 

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

LUCÍA SALAS / SOL BOLLOQUI / FERMÍN ACOSTA

Fermín Acosta (Olavarría, 1990), Lucía Salas (Trelew, 1990) and Sol Bolloqui (Buenos Aires, 1988) founded La Siberia Cine while majoring in Image and Sound Design at the UBA. Together they directed “Implantación” (2011), “Siberia” (2011) and “Los exploradores” (2016).

 

 

 

Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Sol Bolloqui, Lucía Salas

Producer / Producción: Analía Umpierrez

Director / Director: Fermín Eloy Acosta, Sol Bolloqui, Lucía Salas

Director of Photography / Dirección de Fotografía: Máximo Ciambella

Camera / Cámara: Máximo Cimbella, Fermín Eloy Acosta, Sol Bolloqui, Lucía Salas

Film Editor / Edición: Sol Bolloqui, Lucía Salas

Sound design / Diseño de sonido: Sol Bolloqui, Lucía Salas

Música / Music: Santiago Azpiri, Lydia Kavina, Jean-Jacques Perrey

Cast / Elenco: Matías Marra / Juan Ignacio Pereyra Cáseres / Sol Bolloqui / Lucía Salas

 

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– FICIC, Festival Internacional de Cine Independiente de Cosquín; 05/2016; Argentina.

– Festival Pachamama Cinema de Fronteira; 11/2016; Brasil.

 

 

 

 

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals

Connecting Films with Festivals

Gisela@filmstofestivals.com

 

 

LaSiberia Cine
Lucía Salas

lasiberiacine@gmail.com

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La Internacional

 

The Internationale

 

Technical Info / Información Técnica:

(2015) / 00:13:00 / HD (DSLR), VHS / Color / 25 fps / ratio: 1.77:1 (16:9) / PAL / Sound: Stereo

 

 

 

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

Apparently, according to some verses of The Internationale, the socialism would be something like a paradise full of brothers and sisters.

 

Al parecer, según algunos versos de La Internacional, el socialismo sería algo así como un paraíso lleno de hermanos.

 

 

 

Synopsis / Sinopsis:

I film my sister discussing with my mom while they prepare Christmas dinner. I film her in a workers’ camp, in a picket line, singing. I realize watching a VHS that I was filming her since we were little girls. Apparently, according to some verses of The Internationale, the socialism would be something like a paradise full of brothers and sisters.

 

Filmo a mi hermana discutiendo con mi mamá mientras preparan la cena de Navidad. La filmo en un acampe obrero, en un piquete, cantando. Descubro en un VHS que venía filmándola desde que éramos chiquitas. Al parecer, según algunos versos de La Internacional, el socialismo sería algo así como un paraíso lleno de hermanos.

 

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

TATIANA MAZÚ GONZÁLEZ

Web: www.cargocollective.com/tatianamazu

 

Tatiana Mazú González is a documentary filmmaker and art director. In 2014, she premiered her debut feature, “The State of Things” co-directed with Joaquín Maito. She directed the short films “Maché”, “My body is mine”, “Caravaggio”, “An Archaictrash Adventure” and “The international”. She is a member of the Art Directors Collective Los Espigadores and of the activist film collective Silbando Bembas. She is developing her next full-length films “The Pilgrims” and “Little Red Riding Hood”.

 

Tatiana Mazú González es realizadora documental y directora de arte. En 2014 estrenó su ópera prima “El estado de las cosas” codirigida junto a Joaquín Maito. Dirigió  los cortometrajes “Maché”, “Mi cuerpo es mío”, “Caravaggio”, “Una aventura arcaicotrash” y “La Internacional”. Forma parte del colectivo de directores de arte Los Espigadores y del colectivo de cine clasista Silbando Bembas. Se encuentra en etapa de desarrollo de sus próximos largometrajes “Lxs Peregrinxs” y “Caperucita roja”.

 

 

 

Director Statement / Declaraciones del Director:

My work is based on the uncertain areas of documentary and is strongly influenced by my training in Visual Arts —Photography, Illustration, Art Direction—, by my passage through various collective of militant cinema and some alternative pop imagery and kitsch. So much so that my films take feminism and freedom as ideas; the puzzled observation of reality, found footage, and the interview to the stranger as tools; crossing the experimental and the activist as a goal. I am concerned about achieving powerful images, both in aesthetic and political terms; how to find that beautiful and terrible poetry all the while; how to be revolutionary not only without losing sensitivity and craziness, but being particularly sensitive and crazy at making films. I am interested in playful, spontaneous, imperfect cinema, that is why I venture in short-films and video diary, and try to take that on board the larger projects. The key consists in looking, walking, and thinking.

With my work, I seek the rupture of the dichotomy between the personal and the political through the documentary and the experimental, while I try to merge the different artistic aspects of my training. On this basis, I consider honesty as the main challenge in my work as a filmmaker: I don’t want hard-core politics eating up my work, nor turn it into a formalism. Namely, I don’t want to force it one way or the other. So my challenge is how to make these elements flow in the films and, therefore, these can become a sincere meeting with both the technical team, with the social actors whom I approach, as well as the viewers. I also wonder how to make a film that intentionally talks to the time and space I live and to be aware of the kind of relation established with this context.

 

Mi trabajo descansa en los inciertos terrenos de lo documental y está fuertemente influenciado por mi formación en artes visuales -fotografía, ilustración, dirección de arte-, por mi pasaje por diversos colectivos de cine militante y por cierta imaginería pop alternativa y kitsch. Es así que mis películas llevan el feminismo y la libertad como ideas; la observación extrañada de lo real, el material encontrado y la entrevista al desconocido como herramientas; el cruce de lo experimental y lo activista como fin. Me preocupa conseguir imágenes poderosas, en términos estéticos y políticos; cómo encontrar esa poesía terrible y hermosa al mismo tiempo, cómo ser  revolucionarios no sólo sin perder sensibilidad y locura, si no siendo especialmente locos y sensibles al hacer películas. Me interesa el cine lúdico, espontáneo, imperfecto, por lo que incursiono en el cortometraje o el video-diario e intento incorporar eso a los proyectos más grandes. La clave está en mirar, caminar, pensar.

Con mi trabajo busco la ruptura de la dicotomía entre lo personal y lo político, a través de lo documental y experimental, al mismo tiempo que intento hacer confluir las diferentes vertientes artísticas de mi formación. A partir de esto, me planteo como principal desafío la honestidad en el cine que practico: no quiero que la política dura se coma la obra, ni quiero convertir la obra en un formalismo. Es decir, no quiero forzarla a una cosa ni a otra. Por lo que mi desafío es cómo hacer que estos elementos fluyan en las películas y que, por lo tanto, estas se conviertan en un encuentro sincero tanto con el equipo técnico, como con los actores sociales a los que me acerco, como con el espectador. Me pregunto también cómo hacer un cine que dialogue intencionalmente con el tiempo y el espacio que habito y que sea consciente de qué relación establece con este contexto.

 

 

Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Tatiana Mazú González

Producer / Producción General: Tatiana Mazú González

Director / Director: Tatiana Mazú González

Camera / Cámara: Tatiana Mazú González, Oscar Mazú y Lucía Casado

Editing / Edición: Josefina Llobet

Sound Design / Diseño de Sonido: Alan Serué

Cast / Actores: Sofía Mazú, Inés González, Oscar Mazú, Tatiana Mazú y trabajadores de Gestamp en lucha

 

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– Bienal de Arte Joven de Buenos Aires; 09/2015; Argentina.

– Festifreak; Festival Internacional de Cine Independiente; 10/2015; Argentina.

– Festival Transterritorial de Cine Underground; 10/2015; Argentina.

– Pachamama – Cinema de Fronteira; 11/2015; Brasil.

– Muestra de Cine Transcinemático en Buenos Aires (organizada por Transcinema – Festival de No-ficción); 11/2015; Argentina.

– CinéWomenCahiers;

 

 

 

Links:

Facebook: www.facebook.com/antesmuertocine

 

 

Críticas:

«Tres chicas (madre, hermana y directora) conversan a la hora de la merienda, cocinan, van a marchas. A partir de ahí Mazú arma un sistema de tres personajes que a pesar de decir una cosa y hacer otra no se contradicen nunca: esa es su definición de lo cotidiano. Mazú hace un cine político ligado a cosas muy concretas: la vida privada como diálogo con la militancia, la vida familiar como formadora de carácter y pensamiento, el cine como algo que vive en todos los espacios, no solamente el de una puesta en escena y sobre todo la forma de pensar y definirse con buen humor. Cine político-poético sin solemnidad. También define lo que es un corto: una forma de explorar relaciones y distancias, de buscar un estilo y pensar en movimiento. Hasta le da un matiz de ridículo a esa vieja frase: todo es político. También se puede parar a comer unas tostadas sin tener que dividirse en más de un sujeto» – Lucía Salas, “Las Pistas”.

 

«(…) Estamos muy impresionados y apreciamos la forma en que explora los conflictos sociales al mismo tiempo que captura reacciones emocionales inconscientes, así como su fotografía y su refinado uso de las imágenes en VHS, que recuerda los primeros trabajos de Werner Herzog (…)» – “CinéWomen Cahiers”.

 

“(…) La Internacional parte del concepto de diario íntimo para lanzarse al mundo exterior sin dejar nunca de lado la subjetividad (…)” – Diego Brodersen, “Bienal de Arte Joven de Buenos Aires”.

 

 

 

Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

Gisela@filmstofestivals.com

 

 

 

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No Hay Bestias


 

 

 




The Cry of the Oxen

 

 

 

 

 

Technical Info / Información Técnica:

(2016) – Canon 5D mk 3 + Atomos ninja – 25 fps – 2:55 – Full HD – Color – 5.1

 

 

 

Duration / Duración: 00:21:30

 

 

 

Synopsis / Sinopsis:

After the mysterious disappearance of his aunt, Mateo begins to remember his childhood at her land in the wild. Between a series of telephone conversations, pierced with the images of two families in the same house, we enter a timeless journey bounded by three stories where the visible occupants get mixed up with the invisible ones.

 

Luego de la curiosa desaparición de su tía, Mateo se ve inmerso en los recuerdos obtusos de su niñez en el monte. En una serie de conversaciones telefónicas atravesadas por imágenes de dos familias en una misma casa, nos adentramos en un viaje atemporal entre tres relatos donde se confunden los visibles con los invisibles. Mateo se irá sumergiendo en un universo, quizás imaginado, quizás fantasmal, donde las cosas carecen de explicación y en donde los cuentos de su tía parecen cobrar un realismo escalofriante.

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

AGUSTINA SAN MARTÍN

Web: http://agustinasanmartin.tumblr.com/

Agustina San Martín was born on August 12 of 1991, at Buenos Aires, Argentina. She studied filmmaking in the University of Buenos Aires. At the early age of 20 she was studying Screenwriting with Juan José Campanella and already teaching Screenwriting at a University Class. She’s been working as sweenwriter and DP, such as “What they say about the wild” (2013), which won the 16o BAFICI, The Festival Iberoamericano of Sao Paulo and participated in many others such as Cartagena Film Festivals. Right now she’s pre-producing her feature longfilm “The silence of the others”, which tells the story of Aunt Inés, from The cry of the oxen, but ten years earlier, before disappearing.

 

Agustina San Martín nació en 1991 en Buenos Aires. Estudió cine en la Universidad de Buenos Aires. En la joven edad de 20 años comenzó a estudiar Guión con Juan José Campanella e inmediatamente fue puesta de profesora en la materia Guión de la Universidad. Ha estado trabajando como Directora de fotografía y guionista, entre otros, como en «Lo que dicen del monte» (2013), el cual ganó el 16º BAFICI, el Festival Iberoamericano de Sao Paulo, y participó en tantos otros como en el festival de Cartagena. Ahora está pre-produciendo su primer largometraje, «El silencio del Mambue».

 

 

Filmography / Filmografía:

WHAT THEY SAY ABOUT THE WILD: (2013) – DP, Camera, Screenplay, Color Correction

COCKROACH: (2014) – Color Correction

THE CRY OF THE OXEN (2015): Director, Screenplay, Edition, Color Correction

THE SILENCE OF THE OTHERS (pre-production) – Director, Screenplay

VENTANAS: Documentary (post production) – Co-Director and DP

 

 

Director’s Statement / Declaraciones del Director:

 

 

 

 

Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Agustina San Martín

Director / Director: Agustina San Martín

Director Assistant / Asistente de Dirección: Tania Lavanderos

Executive Production / Producción Ejecutiva: Constanza Sandoval

Production Manager / Jefe de Producción: Belén Bianco, Constanza Sandoval

Production Assistant / Asistente de Producción: Luciano Pensa

Cinematography / Dirección de fotografía: Constanza Sandoval

Camera / Cámara: Tomás Ridilenir

Gaffer: Pablo Lozano

Editing / Edición: Agustina San Martín, Renata Miranda

Art Director / Director de Arte: Agustín Ravotti

Art Director Assistant / Asistente de Arte: Luca da Cruz

Sound Design / Diseño de Sonido: Sofía Mejía, Octavio Tavares

Color Correction / Corrección de Color: Agustina San Martín

FX: Nicolás Lalli, Francisco Hevia Vial

Cast / Actores:

 

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

– FICCI, Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias; 03/2016; Colombia.

– BAFICI, Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires; 04/2016; Argentina.

 

 

 

Links:

Facebook: https://www.facebook.com/pages/NO-HAY-BESTIAS/1415575902066066

Trailer: https://vimeo.com/129011580







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Salers

 

Technical Info / Información Técnica: 2014; HD; 16:9; Color /PAL; 9 min.; French

 

 

 

Short Synopsis / Sinopsis Corta:

During the Nazi occupation, a man visits the French town of Salers, where a crazy woman follows him. Many years later, he returns to the same city.

 

Durante la ocupación nazi, un hombre visita la ciudad francesa de Salers, donde una mujer loca lo sigue. Muchos años después, vuelve a esa misma ciudad.

 

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

FERNANDO DOMÍNGUEZ

Fernando Dominguez is director of shortfilms like «No es mucho lo que heredamos de nuestro abuelo», «Guanajuato» and «Salers» with which obtained awards and is selected in severals film festivals around the world. His first feature film «75 habitantes, 20 casas, 300 vacas» is selected in festivals such Mar del Plata, La Habana, Guadalajara, Puebla, Vancouver, Montreal, DocAviv, Edoc, Trieste, Margarita among others, and  with which obtained several awards. The film was part of the 33 Foro Internacional de la Cineteca in México. The film had its commercial release in Argentina, France and Mexico.

He is currently in development of his new documentary film «Proper Names» that already has the support of INCAA, Tribeca Film Institute, Doc Buenos Aires, Cinescope, Sanfic Industry, Buenos Aires Doc Lab, Coproduction Meeting of Guadalajara Film Festival and Morelia Lab.

 

Fernando Domínguez es director de cortometrajes como “No es mucho lo que heredamos de nuestro abuelo”, “Guanajuato” y “Salers” con los cuales obtiene premios y es seleccionado en importantes festivales alrededor del mundo. Su ópera prima “75 habitantes, 20 casas, 300 vacas” se presenta en festivales como Mar del Plata, La Habana, Guadalajara, Vancouver, Puebla, Docaviv, Edoc, Trieste, Margarita; entre otros y obtiene números premios. La película forma parte del 33 Foro de la Cineteca en México. El documental se estrena comercialmente en Argentina, Francia y México.

Actualmente se encuentra desarrollando su nuevo proyecto documental “Los nombres propios” que ya cuenta con el apoyo de INCAA, Tribeca Film Institute, Doc Buenos Aires, Buenos Aires Doc Lab, Cinescope, Sanfic Industria, Foro de Coproducción del Festival Internacional de Cine de Guadalajara y Morelia Lab.

 

 

 

Overview / Ficha técnica:

Producer / Producción General: Natalia de la Vega

Production Company / Compañía Productora: La pata de Juana / Valent

Director / Director: Fernando Domínguez

Script / Guión: Fernando Domínguez

Animation / Animación: Javier Di Benedictis

Editing / Montaje: Fernando Domínguez

Sound Director / Director de Sonido: Alejandro Seba

– Testimony / Testimonio: Nicolás Rubió

 

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

Indie Lisboa, International Independent Film Festival; Portugal; 04/2015.

Festival International du Curt métrage de Clermont Ferrand – Mention Spéciale du Jury; Francia; 01/2015.

Mar del Plata International Film Festival; Argentina; 11/2014.

DOK LEIPZIG – International Leipzig Festival for Documentary and Animated Film; Alemania; 10/2014.

Jihlava International Documentary Film Festival; Czech Republic; 10/2014.

DOC BUENOS AIRES Muestra Internacional de Cine Documental; Argentina; 10/2014.

BAFICI Buenos Aires International Independent Film Festival; Argentina; 04/2014.

 

Links:

Facebook: www.facebook.com/salersfilm 

 

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Velos Rojos, Capullos Polares

 

Red Veils, Polar Coccons

(2013)

 

Duration / Duración: 00:13:00

 

 

Synopsis / Sinopsis:

Ana’s crisis implies the imminent breakup of a couple. In this revolution, where stereotypes of happiness are destroyed, she undertakes a personal search blindly, while she bursts into passion with another woman. The tsunami, earthquake and radiation take place, and it will no longer be possible to distinguish the separation between the inside and the outside.

 

La crisis de Ana deja entrever la inminente ruptura de una pareja. En esta revolución, donde los estereotipos de felicidad son arrasados, emprende una búsqueda a tientas de sí misma, irrumpiendo a la vez, la pasión con una mujer. El tsunami, el terremoto y la radiación suceden, y ya no será posible distinguir la separación del adentro con el afuera.

 

 

Director´s Biography / Biografía del Director:

MELINA PAFUNDI

Born in Mar del Plata, Melina Pafundi, begins her filmmaking studies in the Visual Arts and Film School Federico Fellini in the year 2006. At the same time, she starts a career, in the National University of Mar del Plata, to get a philosophy degree.
In that same year, she continues with the drawing and painting course she had started when she was ten years old, now with who would become her mentor, the master Eduardo Riggio:  distinguished citizen and visual arts referent of the city. Riggio was an unavoidable figure in her training, in an artistic, professional and ethical way. To thank him for all he had given to her, in 2011, she makes the documentary-portrait Saturday as a tribute to her master.
In the year 2008, when the Visual Arts and Film School Federico Fellini closes, she moves to Capital Federal to start again her filmmaking studies, now in CIEVYC, institution that gives her a scholarship all through the career due to her good academic performance.
While studying, she writes, produces and directs her first short film for 16mm, called Heráclito. In CIEVYC’s Anual Festival of 2011, this work receives the award for Best Screenplay of Second Year, and is nominated for Best Short Film of Second Year.
Halfway through her career, she gets a job in the film archive of the Museum of Cinema of Buenos Aires, Pablo C. Ducrós Hicken, where her work consists of viewing, cataloging and restoring films in Super-8, 16 and 35mm.
In march of 2012, she is summoned to represent CIEVYC in the Audiovisual Night event organized by CAPPA (Argentinean Chamber of Audiovisual Producers SMEs). She participates in the contest DOGMA from the Audiovisual Treaty of the Autonomous City of Buenos Aires, co-directing a short film with Mario Di Florio.
In may of the same year, she participates in the contest Tandil Challenge 48hs, filming and editing in 48 hours, as editor for the team that made the short film Honor. For this work, she gets the Honorable Mention in Film Editing from the jury, whose members were the director Santiago Loza as the president, Salvador Melita, Brenda Urlacher, Tandil’s mayor and the dean from the arts university of UNCPBA.
In late 2012, she acquires the Senior Technician in Video and Filmmaking Degree, and she produces Red veils, polar cocoons, her thesis short film, that would become finalist in the Young Art Biennial of Buenos Aires.

 

Originaria de la ciudad de Mar del Plata, Melina Pafundi comienza sus estudios de Dirección de Cine en el año 2006 en la Escuela de Cine y Artes Audiovisuales Federico Fellini. Paralelamente, inicia, en la Universidad Nacional de Mar del Plata, la Licenciatura en Filosofía.

En el mismo año, continúa los estudios de dibujo y pintura que había iniciado a sus diez años de edad, esta vez, con quien se convertiría en su mentor, el maestro Eduardo Riggio: ciudadano ilustre y referente del arte plástico marplatense. Riggio consistió en una figura ineludible en su formación, tanto artística, profesional y ética. Como devolución por todo lo brindado, en 2011, realiza el documental-retrato Sábado en homenaje a su maestro.

En el año 2008, luego del cierre de la Escuela Federico Fellini, se traslada a Capital Federal, para recomenzar sus estudios cinematográficos en el CIEVYC, institución que la beca durante toda la carrera por su buen desempeño académico.

A lo largo de la carrera, escribe, produce y dirige su primer cortometraje a desarrollarse en formato fílmico 16 mm, Heráclito. En el Festival Anual del CIEVYC de 2011 este trabajo es galardonado con el premio al Mejor Guión de Segundo Año, además de ser nominado a la terna por Mejor Cortometraje de Segundo Año.

En el medio de su carrera, comienza a trabajar en el área de cineteca del Museo del Cine de la ciudad de Buenos Aires, Pablo C. Ducrós Hicken, donde desempeña labores de visionado, catalogación y primera restauración de films en super 8, 16 y 35 milímetros.

En marzo de 2012 es convocada para representar al CIEVYC en el evento NOCHE AUDIOVISUAL, organizado por CAPPA (Cámara Argentina de Productoras Pymes Audiovisuales). Concursa en el certámen DOGMA del Tratado Audiovisual de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, co-dirigiendo un cortometraje junto a Mario Di Florio.

En mayo del mismo año, participa del concurso DESAFÍO TANDIL 48 hs, filmar y editar en 48 hs, como montajista del equipo que realizó el cortometraje Honor. Por esta labor, obtiene la Mención de Honor al Mejor Montaje de parte de un jurado compuesto por el director Santiago Loza como presidente, Salvador Melita, Brenda Urlacher, el intendente de la ciudad de Tandil y el decano de la facultad de arte de la UNCPBA.

A fines del 2012 adquiere el título de Técnico superior en realización de video y cine, y realiza Velos rojos, capullos polares, cortometraje de tesis, que será finalista en la Bienal de Arte Joven de la ciudad de Buenos Aires

 

 

Overview / Ficha técnica:

Producer / Producción General: Melina Pafundi

Associate Producer / Productor Asociado: Martín Berruezo

Production Assistant / Asistente de Producción: Marcos Travaglia

Director / Director: Melina Pafundi

Script / Guión: Melina Pafundi

Director Assistant / Asistente de dirección: Natalia de las Cuevas

Cinematography / Dirección de Fotografía: Matías Mayolo

Camera / Camara: Ayelén Digilio

Gaffer: David Pafundi

Art Director / Director de Arte: Margarita Jiménez

Art assistant: Melisa Noguera

Editing / Edición: Melina Pafundi, Sergio Bonacci Lapalma

Sound / Sonido Directo: Sergio Bonacci Lapalma

Post-Production Sound / Post-producción de Sonido: Sergio Bonacci Lapalma, Lucas Vecchi

– Cast / Actores: María Eugenia Heyaca, Claudio Yanes, Elizabeth Quintana

 

 

Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:

Festival de cine Inusual; 10/2013; Argentina

Bienal de arte Joven Buenos Aires, 11/2013; Argentina

TofiFest, International Film Festival; 11/2013; Polonia

LiberCine, Festival Internacional de Diversidad Sexual y Género; 05/2014; Argentina

 

 

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El Retrato de un Humano




 

A Human Portrait

– Duration / Duración: 00:14:05

 

 

Synopsis/ Sinopsis:

A man wakes up one morning. Has had a strange dream. During the course of that day, encrypted events and human appearances are mixed in a dreamlike abyss, hallucinogenic and real. In this situation, he seeks to understand that ambiguous context in wich he is immersed.

 

Un hombre despierta una mañana. Ha tenido un sueño extraño. Durante el transcurso del día sucesos encriptados y apariciones humanas se mezclan en un abismo onírico, alucinógeno y real. Ante esta situación, él busca comprender ese ambiguo contexto en el que está inmerso.

 

 

– Director´s Biography / Biografía de la Directora:

ARIEL MÉNDEZ  –  FACUNDO TUST

The directors were born in Córdoba, Argentina. They are both college student, Ariel is working on his degree in Logistics and Facundo is a lawyer to be. Both careers are outside the scope of the visual arts, wich points out a true interest in these by the subjects that can be seen in other works in this field. They started working on similar projects for the past three years, writing ideas, scripts, using photography and films to try to capture through images all those essays that later on were embodied in this work, their premier work. During this work they have been embedded in a creative process that allowed them to experience and execute an aim, based in foundations and techniques learnt during constant toil and undertake a way to improving the audio-visual technique.

 

Los directores, Ariel Méndez y Facundo Tust, nacieron en Córdoba, Argentina. Son estudiantes universitarios de Licenciatura en Logística y Derecho respectivamente, carreras diferentes al universo de las artes visuales, pero que por ello mismo, dan cuenta, de un interés genuino en ellas. Desde tres años a esta parte, comenzaron a escribir ideas, guiones, usando la fotografía, lo fílmico en general, para tratar así de representar en imágenes, esos textos diseñados, que más tarde se fueron plasmando en esta obra, su ópera prima. Con ese proyecto, se han visto inmersos en un proceso creativo, que les ha permitido experimentar y ejecutar un propósito, sobre bases y técnicas aprendidas en el trabajo constante, y emprender un camino hacia el perfeccionamiento de la técnica audiovisual.

 

 

– Director Statement:

This short film is an attempt to capture, in an experimental project, modern and contemporary realities that human beings go through. Using symbols and audio-visual resources intending to reflex, from our point of view, the pleasant innocence, comfortable numbness and fear of man to question himself, to wish, to sense or discover “the truth” of his establishment. The production process took place in approximately two years, based on a script that was written jointly, on a basic plot and concept of understanding deep inside what lays downtrodden, represented and judged in this claustrophobic place, overwhelmed. The “narratives” premises to tell esthetically our idea were the silence and the directional analysis of the different positions of the camera together with the psycho-haunting tones towards the main character.

 

A través de este cortometraje quisimos plasmar en un proyecto experimental, realidades modernas y contemporáneas que atraviesa el ser humano, utilizando símbolos y recursos audiovisuales, con la intención de reflejar, desde nuestro punto de vista, la placentera inconsciencia, el acogedor entumecimiento y el miedo del hombre a preguntarse, a querer percibir o descubrir “la verdad” por lo que está establecido. El lapso de producción y realización fue de aproximadamente dos años, partiendo de un guión, escrito en conjunto, sobre base argumental y conceptual, d entender desde lo profundo, lo que subyace oprimido, representado y condenado en este espacio claustrofóbico, agobiante. Las premisas “narrativas, para contar estéticamente nuestra idea, fueron el silencio y un análisis direccional de la posición y utilización de la cámara con tonos psico-acosadores hacia el personaje principal.

 

 

– Work Team / Equipo de trabajo:

The making and evolution of this project was in fact the involvement and participation, without knowledge nor experience in the audio-visual field, of all people who made it possible, achieving this way a technical/strategic as well as narrative/aesthetic investigation atmosphere that enriched this creative experience.

 

La realización y evolución de este proyecto, fue justamente el involucramiento y participación, sin conocimiento ni experiencia en el aspecto audiovisual, de todas las personas vinculadas, con el fin de generar una atmósfera de investigación, tanto técnico-estratégica como narrativa-estética, que enriqueciera esta experiencia creativa.

 

 

– Overview / Ficha técnica:

Produced by / Producido por: Emanuel Sánchez, Ariel Méndez, Facundo Tust

Script / Guión: Ariel Méndez, Facundo Tust

Director / Director: Ariel Méndez, Facundo Tust

Director Assistant / Asistente de dirección: Gabriel Galetto

Cinematography / Dirección de fotografía: Ariel Méndez, Facundo Tust

Art Direction / Dirección de Arte: Magdalena Chavero, Ariel Méndez, Facundo Tust

Storyboard: Pablo Monzón

Editing / Edición: Federico Spillmann, Ariel Méndez

Post Production Sound / Post-producción de sonido: Gastón Babaresi

Post-Production Color / Post-producción de Color: Diego Medina

Sound / Sonido directo: Gabriel Galetto, Pablo Carnicero, Eugenio Schiavoni

Casting: Santiago Bobina, Ariel Méndez, Facundo Tust

 

– Cast / Actores: Nicolás Feltes, Cruz Molina

 

 

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