Tag Archives: 2023

Unless we dance

A Menos Que Bailemos

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:14:34 / ratio 2.35:1 / COLOR / Cámara Sony A7s3 / 24 FPS / NTSC / Quibdó, Colombia / Documentary Short Film: Social Issues, Dance, LGBT+, protest, redemption, rescue, resilience

  • Tagline:

Everything is darkness… unless we dance.

Todo es oscuridad… a menos que bailemos.

  • Logline:

Bonays, Colacho, Mafalda, and Rihanna cling to dance to confront the structural violence that exists in Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia.

Bonays, Colacho, Mafalda y Rihanna se aferran a la danza para enfrentar la violencia estructural que se vive en Quibdó, una ciudad con los más altos índices de homicidios en Colombia.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

In Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia, Jonathan and hundreds of young people come together through dance to face the brutal fate of violence. UNLESS WE DANCE is a tribute to their act of resilience and to all the lives that have been lost along the way.

En Quibdó, una ciudad con los más altos índices de homicidios en Colombia, Jonathan y cientos de jóvenes se unen a través del baile para enfrentar el brutal destino de la violencia. UNLESS WE DANCE es un homenaje a su grito de resiliencia y a todas las vidas que se han perdido en el camino.

  • Synopsis / Sinopsis:

Jonathan (Bonays), an Afro dance teacher, undertakes an initiative to rescue young people from the crime that stalks Quibdó, a city with the highest homicide rates in Colombia. This is how Black Boys Chocó emerged, a dance company where hundreds of young people face brutal destinies through a passion. UNLESS WE DANCE portrays union and dance as the greatest expression of shielding the Afro people, it is a tribute to their act of resilience and to all the lives that have been lost along the way.

Jonathan (Bonays), un profesor de danza Afro emprende una iniciativa para rescatar jóvenes de la delincuencia que acecha a Quibdó, una ciudad con los más altos índices de homicidios en Colombia. Así surge Black Boys Chocó, compañía de baile donde cientos de jóvenes enfrentan brutales destinos a través de una pasión. UNLESS WE DANCE retrata la unión y el baile como mayor expresión de blindaje del pueblo afro, es un homenaje a su grito de resiliencia y a todas las vidas que se han perdido en el camino.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

HANZ RIPPE GABRIEL

Film director and cinematographer. As co-founder of Páramo Films, he is dedicated to the production of documentaries in Latin America, highlighting the realities and social, cultural, and humanitarian issues of the region.

Es director cine y director de fotografía. Como co-fundador de Páramo Films está dedicado a la producción de documentales latinoamericanos, destacando las realidades y problemáticas sociales, culturales y humanitarios de la región.

FERNANDA PINEDA PALENCIA

Graduated from the Cinematographic Research Center, Argentina. She is a photographer, director, producer, and Co-director of Páramo Films. With more than 8 years of experience in documentary, she has approached indigenous, Afro, and rural communities, telling stories in the context of the Colombian conflict and post-conflict.

Egresada del Centro de Investigación Cinematográfica, Argentina. Es fotógrafa, directora, productora audiovisual y Codirectora de Páramo Films. Con más de 8 años de experiencia en documental. Se ha acercado a comunidades indígenas, afro y campesinas, contando historias en contexto del conflicto y posconflicto colombiano.

  • Director’s Statement / Declaraciones de la Directora:
  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Hanz Rippe Gabriele, Fernanda Pineda Palencia, Daniel Alberto Sánchez

Producer / Productor: Fernanda Pineda Palencia

Director / Director: Hanz Rippe Gabriele, Fernanda Pineda Palencia

DoP / Dirección de Fotografía: Hanz Rippe Gabriele

Camera / Cámara: Hanz Rippe Gabriele, Juan Sebastián Rincón

Production Designer & Wardrobe / Dirección de Arte y Vestuario: Daniela Rivano

Film Editor / Montaje: Juan Sebastián Rincón

Sound design / Diseño de sonido: Ángel Alonso Sarmiento

Original Music / Música Original: Colacho Exótico, Ricardo Gallo

Cast: Bonays, Colacho, Rhianna, Mafalda 

  • Festivals, Awards and Nominations / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Web: https://www.behance.net/gallery/145757199/UNLESS-WE-DANCE

Trailer: https://vimeo.com/paramofilms/unlesswedancetrailer

Social Networks:

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  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

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Strass

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) – 00:07:38 – Animation Short Film – Graduation Thesis – LGBT, fantastic, psychological – Buenos Aires, Argentina – Color – 2K – 24 FPS – PAL – Stereo – 1.90:1 – 2D Cell Animation

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

One night Tomás and his boyfriend Piter hide in the bathroom of a run-down bar after being attacked on the street. Locked there they feel safe but the tranquility is soon interrupted by a mysterious shadow that Tomás must face.

Una noche Tomás y su novio Piter se esconden en el baño de un bar de mala muerte luego de ser atacados en la calle. Encerrados creen estar seguros pero la tranquilidad pronto se verá interrumpida por una sombra misteriosa a la que Tomás deberá enfrentarse.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

JULIÁN LASSA ORTIZ

Animation Director (Buenos Aires, Argentina, 1998). He’s been interested in the arts since his childhood, doing theater, analog photography, drawing, and painting. He then would study Animation Production and Direction. In 2019 he participated in the International Laboratory for animated projects APA LAB, with his graduation thesis project «Strass». «Strass» is his first short film as a director. His work includes illustration, animation, direction, and production.

Director y Animador (Buenos Aires, Argentina, 1998). Desde niño se interesa en las artes, haciendo teatro, fotografía analógica, dibujo y pintura. Luego estudiará Cine de Animación. En 2019 participó del Laboratorio Internacional de Proyectos Animados APA LAB con su tesis de graduación “Strass”. “Strass» es su primer cortometraje como director. Su trabajo incluye ilustración, animación, dirección y producción.

  • Director’s Statement:

STRASS is born from the idea of “falling apart to assemble oneself for the first time”, of getting rid of the things that make us, but are not ours, and starting to build ourselves, slowly and for the first time. The short film alludes to tenderness, to look for and build our circles where we can give in to vulnerability. A place where we are allowed to make mistakes and can make the long and confusing process of knowing ourselves better. STRASS was a place of learning as a director but also in other aspects of my life. The biggest challenge was making it during the pandemic. In addition to the fact that it was my first film as a director, there were the production and personal challenges of the pandemic. Despite these complications, I am incredibly happy with the process and all the people that the project allowed me to meet.

SRASS nace de la idea de “romperse para armarse por primera vez”, de deshacerse de las cosas que nos construyen, pero que no nos son propias, y  así comenzar a armarse uno mismo, lentamente y por primera vez. El cortometraje busca ante todo aludir a la ternura, a buscar y construir nuestros círculos donde podamos entregarnos a la vulnerabilidad. Un lugar donde se nos permita equivocarnos y podamos hacer el proceso largo y confuso de conocernos mejor. STRASS fue un espacio de aprendizaje tanto como director como en otros aspectos de mi vida. El desafío más grande fue realizarlo durante la pandemia. Al hecho de ser mi primera obra como director, se sumaron los desafíos de producción y personales propios de la pandemia. A pesar de esto, estoy increíblemente contento con el proceso y toda la gente que el proyecto me permitió conocer.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Julián Nicolás Lassa Ortiz

Director / Director: Julián Nicolás Lassa Ortiz

Production / Producción: Julián Lassa Ortiz, Ailin Estrella Bustamante

Animation / Animación: Daniel Avalo, Santiago Vilanova, Florencia Ponticelli, Azul Laranga, José Tiranti, Santiago Pérez, Agustín Ludueña, Julián Lassa Ortiz

Art Director / Director de Arte: Daniela Barela

Storyboard: Santiago Vilanova, Flor Barranuz, Julián Lassa Ortiz

Animatic: Julián Lassa Ortiz

Editing / Montaje: Julián Lassa Ortiz

Sound Design / Diseño de Sonido: Joaquín Pesce

Original Music / Música Original: Julián Príncipe, Jota Pexi

Voices / Voces: Ramiro Arsanto, Gregorio Castro

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://youtu.be/T8NxBV9KCn8

Social Media:

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Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

Da Vinci Primera Escuela de Arte Multimedial

contacto@davinci.edu.ar

Av. Corrientes 2037/49; (1405); Buenos Aires; Argentina

www.davinci.edu.ar

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La hija de la azafata

The stewardess’ daughter

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:09:00 / ratio 4:3 / COLOR / SOUND 5.1 / 16 mm / 24 FPS / NTSC / Argentina / documentary short film: found footage

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

While working on a commissioned film, the director pictures her mother in an advertising film archive. This image forces her to think about who her mother was, or rather, who was that woman before becoming her mother. To understand, sometimes it is better to look at things from a certain distance.

Mientras trabaja sobre un archivo de cine publicitario la directora cree ver a su madre. Este encuentro fantasmático la obliga a pensar en quién fue su mamá, o más bien, quién fue esa mujer antes de ser su mamá. Para comprender, a veces, es mejor mirar las cosas con cierta distancia.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

SOFÍA BRIHET

www.sofiabrihet.com.ar  

Sofía Brihet was born in Buenos Aires in 1990. She is an actress, teacher, and director. She has a degree in arts from the University of Buenos Aires and completed the Cinema Program at Torcuato Di Tella University. She directed the short films “The stewardess’ daughter”, “The nests” (36th MDQ Film Fest), and “The actors”.

Sofía Brihet nació en Buenos Aires en 1990. Es actriz, docente y directora. Realizó la Licenciatura en Artes en la Universidad de Buenos Aires y el Programa de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella. Dirigió los cortometrajes “La hija de la azafata”, “Los nidos” (36 Festival de Cine de Mar del Plata) y “Los actores”.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

I was commissioned to make a film with archive material from advertising films, but my attempt to take an essayistic approach to such stereotypical material failed when I thought I found my mother, as a young woman, in a gin commercial. That forced me to abandon all intellectual pretensions and ask myself what it means to become a mother, what things are left behind, buried under a role: how much did I inherit from that past and what possibility does it give me to make a film with all that?

Me encargaron una película con material de archivo de cine publicitario, pero mi intento por darle una aproximación ensayística a ese material tan estereotipado fracasó cuando creí encontrar a mi mamá, de joven, en un comercial de ginebra. Eso me obligo a abandonar toda pretensión intelectual y preguntarme qué implica convertirse en madre, qué cosas se dejan atrás, enterradas bajo un rol.  ¿Cuánto heredé yo de ese pasado y qué posibilidad me da hacer una película con todo eso?

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Sofía Brihet

Producer / Productor: Sofía Brihet

Director / Director: Sofía Brihet

Film Editor / Montaje: Nicolás Turjanski

Sound design / Diseño de sonido: Nahuel Nicolás Lombardo

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:

  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/687957486/e7c593ee25  

Social Networks:

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  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

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No Tocar

Do not touch –  Ne pas toucher

  • Technical Info / Información Técnica:

(2023) / 00:07:33 / ratio 2.39:1 / COLOR / SOUND 5.1 / HD / 24 FPS / NTSC / Canon 7d Mark II / Mexico-Spain / documentary short film: Arty, essay

  • Logline:

An essay on how art transmits ideas that push people to know their own limits and want to overcome them.

Un ensayo de cómo el arte transmite ideas que impulsan a las personas a conocer sus propios límites y querer superarlos.

  • Short Synopsis / Sinopsis Corta:

The role that museums play in society is more than just displaying works. A series of metaphors illustrate how the sense of touch is an innate form for accessing knowledge. The hands featured in the works exhibited at the Hermitage Museum demonstrate how art can generate ideas that encourage people to know their own limits and want to overcome them.

El papel que juegan los Museos en la sociedad actual va más allá de exponer obras. Una serie de metáforas ilustran cómo el sentido del tacto es una forma innata de acceso al conocimiento, las manos representadas en las obras del Museo Hermitage demuestran cómo el arte produce ideas que impulsan a las personas a conocer sus límites y querer superarlos.

  • Synopsis / Sinopsis:

The important role that museums play as part of contemporary society is more than just displaying a collection of works. In this film, a series of metaphors illustrate how the sense of touch is an innate form for accessing knowledge. The hands featured in the different works exhibited at the Hermitage Museum are the protagonists who demonstrate how art can generate ideas that encourage people to know their own limits and want to overcome them.

El importante papel que juegan los Museos en la sociedad contemporánea va más allá de exponer un conjunto de obras. En esta película, una serie de metáforas ilustran cómo el sentido del tacto es una forma innata de acceso al conocimiento, las manos que figuran en las diversas obras del Museo Hermitage son las protagonistas que demuestran cómo el arte permite originar ideas que impulsan a las personas a conocer sus propios límites y querer superarlos.

  • Director´s Biography / Biografía del Director:

ARTURO AGUILAR

Mexico/España

https://www.linkedin.com/in/aarturoaguilar/

Director, Ph.D. student, animator, and sound designer. His short films “The scape of the 45″ (2016) and “Call Confession» (2018) have been considered in the official competition of several festivals, including Malaga, Sitges, Guadalajara, Shenzhen, and Hot-Docs where he won the award for the best international short film. «Spouses» is the last documentary feature film where he has collaborated as a post-producer.

Director, estudiante de doctorado, animador y diseñador de sonido. Sus cortometrajes “La fuga de los 45” (2016) y “Confeso” (2018) han sido considerados dentro de la competencia oficial de festivales como Málaga, Sitges, Guadalajara), Shenzhen y Hot-Docs en donde fue ganador del premio al mejor cortometraje internacional. “Conyuges” es el último largometraje documental dónde ha colaborado como postproductor.

  • Director’s Statement / Declaraciones del Director:

This Documentary-Essay comes out of a trip I made to St. Petersburg, Russia, in December 2019. I attended by invitation to a media and journalism festival to present «Call Confession» at the theatre of the Hermitage Museum. The event organizers told us that we had the opportunity to get full access and permission to film inside the museum and make a film. I decided to shoot only the hands that appeared on the paintings and sculptures in the museum because I believe that they alone convey different meanings.  The documentary is a kind of manifesto about the challenges faced by the artist when starting a new work or project. I believe that this fear of the blank canvas, or the uncertainty that is generated when facing a new beginning, is an essential part of creating knowledge. With this documentary essay, I want to make an invitation to other people to get to know and overcome the frontiers of what we are unaware of in our own experience. The documentary begins by presenting the last stage of artistic creation, the exhibition of the work, and its main objective is to explain how this stage triggers another one where everything starts again, germinating a new idea in the mind of the person who is in front of the exhibited work. Likewise, the documentary suggests the importance that the sense of touch has in artistic practice, because it is a way to produce knowledge, and practice-led research implies new paradigms where the act of research is no longer treated as something monolithic. The synthetic and narrating voice of the documentary (artificial intelligence) has two meanings, one authoritative and the other suggestive, both of which can be interpreted as the internal dialogue that takes place at the beginning of a new project. The music of the documentary is composed of two drum sets, one located on the left of the sound field, and the other on the right, together, they are intended to be a sound metaphor for the two hemispheres of the human mind.

Este Ensayo-Documental surge a partir de un viaje que hice a San Petersburgo, Rusia, en diciembre de 2019. Asistí por invitación de un festival de medios audiovisuales y periodismo para presentar “Confeso” en el teatro del Museo Hermitage. Los organizadores del evento nos comunicaron que teníamos la oportunidad para tener acceso total y permiso para grabar al interior del museo y hacer una película. Decidí fotografiar únicamente las manos que aparecían en las obras pictóricas y escultóricas del museo porque considero que por sí solas transmiten diversos significados. El documental es una especie de manifiesto sobre los desafíos a los que se enfrenta el artista cuando inicia una nueva obra o proyecto. Creo que el miedo al lienzo en blanco, la incertidumbre que se genera frente a todo nuevo comienzo es parte esencial en la generación del conocimiento. Con este ensayo documental quiero hacer una invitación a otras personas a conocer y querer trascender las propias fronteras de aquello que desconocemos en nuestra experiencia. El documental inicia presentando la última etapa de la creación artística, la exhibición de la obra, y tiene como objetivo principal explicar cómo esta etapa desencadena otra donde todo vuelve a iniciar, con el germinar de una nueva idea en la mente de la persona que está frente a la obra expuesta. Asimismo, el documental sugiere la importancia que el sentido del tacto tiene en la práctica artística, porque es una vía para producir conocimiento, donde la investigación dirigida por la práctica supone nuevos paradigmas donde el acto de investigar deja de ser tratada como algo monolítico. La voz sintética y narradora del documental ( inteligencia artificial ) tiene dos acepciones, una autoritaria y otra propositiva, ambas pueden interpretarse como el diálogo interno que sucede frente al comienzo de un nuevo proyecto. La música del documental está compuesta por dos juegos de batería, uno localizado a la izquierda del campo sonoro, y el otro a la derecha, en conjunto, pretenden ser una metáfora sonora de los dos hemisferios de la mente humana.

  • Overview / Ficha técnica:

Script / Guión: Arturo Aguilar

Producer / Productor: Luis Manuel Renteria Pimentel

Director / Director: Arturo Aguilar

DoP / Dirección de Fotografía: Arturo Aguilar

Film Editor / Montaje: Arturo Aguilar

Sound design / Diseño de sonido: Arturo Aguilar

Original Musiv / Música Original: Arturo Aguilar

  • Festivals and Awards / Festivales, Premios y Nominaciones:
  • Links:

Trailer: https://vimeo.com/655245371/2752bb6ff7

Social Networks:

http://instagram.com/raliugaaguilar

http://instagram.com/luisrenteriap

http://instagram.com/films.to.festivals

  • Contact / Contacto:

Gisela Chicolino

FilmsToFestivals Distribution Agency

info@filmstofestivals.com

http://instagram.com/films.to.festivals

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